quinta-feira, 25 de fevereiro de 2010

17- Era clássica -ITA-Paisiello,Jommelli,Traëtta,Piccinni









Giovanni Paisiello (1740-1816)
Curiosamente no período clássico não era Mozart o mais popular criador de óperas, pois esse papel coube a Giovanni Paisiello.

Giovanni Paisiello nasceu em Taranto em 1740. Começou a ser notado pela sua voz o que lhe permitiu prosseguir os seus estudos no Conservatório de Nápoles. Escreveu as suas  primeiras peças em 1763 no estilo leve e rítmico e no fraseado melódico que sempre o caracterizaram.

O sucesso destas primeiras peças foi tal que foi suficiente para primeiro ser convidado a escrever três óperas que foram bem recebidas na estreia.

Foi com base neste sucesso que em 1776 é convidado para a corte de Catarina II em S. Petersburgo onde acaba por compor uma das peças que muitos consideram a sua obra  prima: O barbeiro de Sevilha (a primeira das óperas compostas com base neste libretto).





Em 1784 Paisiello deixa a Rússia e depois de uma breve passagem por Viena fixa-se em Nápoles ao serviço de Ferdinando IV onde compõe algumas das suas melhores óperas  nomeadamente La Molinara.

Em 1802 fez uma relativamente breve estadia em Paris a convite de Napoleão. Na verdade a primeira produção Proserpine correu tão mal que apesar das excelentes condições  oferecidas por Napoleão Paisiello resolveu voltar a Nápoles.




Na verdade por esta altura a boa estrela do compositor parecia ter já passado e sentiu-se pressionado por um novo estilo que não conseguia acompanhar. O falecimento da esposa em 1815  abalou-o imensamente, tendo falecido pouco tempo depois em Nápoles a 5 de Junho de 1816.

Paisiello escreveu mais de 80 óperas, várias obras litúrgicas e algumas composições instrumentais. Foi um compositor conhecido pelo seu extremo receio de perda os  privilégios e favores dos soberanos  para quem trabalhava. Segundo alguns especialistas a sua obra teria influenciado Rossini, Gluck e até mesmo Mozart.


Nina- ópera de Paisiello

Das suas obras mais conhecidas a referência é o Barbeiro de Sevilha que foi  melhor recebida que a versão de Rossini sobre o mesmo libretto.





 A abertura desta ópera toma a característica da leveza do seu estilo (aliás esta é uma das criticas que se apontam; escrever música demasiado leve para temas relativamente dramáticos). Por  outro lado, a sua ária mais conhecida é provavelmente "Nel cor più non mi sento" da ópera La Molinara que pode ouvir aqui.


"Nel cor più non mi sento"










Niccolò Jommelli (1714-1774)
Embora pouco conhecido hoje, o compositor italiano Niccolò Jommelli escreveu algumas das óperas mais notáveis ​​de meados do século XVIII. Elas foram admiradas por sua  mistura de estilo italiano, alemão e francês, ganhando elogios de diversos compositores contemporâneos.


Jommelli nasceu em Aversa, Itália, em 10 de setembro de 171 . Sua primeira formação foi no coro da catedral daquela cidade, mas começou a estudar no famoso centro musical de  Nápoles, com a idade de apenas 11 anos. De 1725 a 1728 estudou no Conservatório Onofrio o Sant ', depois de se mudar para o Conservatório Pietà dei Turchini.

Sua primeira ópera , L'errore amorosa, estreou em Nápoles, em 1737, e uma outra cômica foi seguida no ano seguinte. Jommelli começou a escrever ópera séria logo depois, em  1740 , e é neste gênero que ele deixou sua marca. Seu primeiro esforço, Ricinero re di Goti , foi estreada em Roma em 1740. Como resultado, Jommelli encontrou um patrono  importante no cardeal inglês Henry Stuart Bento.

O compositor não ficou em Roma por muito tempo e mudou-se para Bolonha, em 1741. Lá, ele estudou com Giovanni Battista Martini, que também ensinou a Mozart cerca de  trinta anos mais tarde. Na década de 1740, Jommelli teve sucesso no norte da Itália, tendo óperas e oratórios realizadas em Bolonha,  Veneza, Ferrara e Pádua, entre outras  cidades.

Nos de 1743 ou 1745, o compositor Johann Adolf Hasse, quem Jommelli tinha provavelmente conhecido em  Nápoles, ajudou-o a obter uma posição no Ospedale degli Incurabili  em Veneza, um orfanato para meninas que focava no treinamento em música. Aqui, Jommelli atuou como diretor musical, concentrando-se principalmente na produção de obras  sacras. Além disso, ele escreveu óperas para outras instituições.



Por volta do início de 1747, Jommelli deixou Veneza para Roma, onde a primeira versão de uma de suas obras-primas, Abbandonata Didone, foi produzida. Enquanto em Roma,  Jommelli começou a escrever música sacra e ganhou uma posição como maestro di cappella na Basílica de São Pedro. Entre as pessoas que apoiam Jommelli para este trabalho foi  o cardeal Alessandro Albani, que também promoveu a carreira do compositor, ajudando-o viajar de e para estrear uma ópera em Viena, em 1749.

O resultado da ópera Achille Sciro, foi aclamado por seu libretista influente, Pietro Metastasio. Após seu retorno a Roma, em 1750, Jommelli queria assumir o cargo em São Pedro  que tinha ganho no ano anterior, mas encontrou oposição de alguns membros do clero. Finalmente, em 14 de junho de 1750 , ele venceu.  Começou a produzir o que se tornou o  auge de sua música sacra.




Talvez influenciado pelo seu tempo em Viena, onde conjuntos e coros eram muito mais elegantes do que na Itália, suas óperas incluem um número incomum dessas peças, bem  como alguns recitativos acompanhados. De muitas maneiras, essas inovações são semelhantes às reformas exigidas pela compositor Christoph Willibald Gluck, mas Gluck não  articulou sua crítica da tradicional ópera até 1769.

Além de inovações musicais, Jommelli parece ter se interessado em mudar as convenções dramáticas também. Que ele pode ter sido um poeta proficiente é sugerido por sua  eleição para a Academia Arcadian em Roma, em torno de 1754. Os membros tinham de improvisar poesia no local, e de compositores muito poucos foram concedidos a distinção  de filiação. Em um nível prático, isto pode significar que Jommelli tinha mais a ver com a escrita de seus próprios libretos do que as pessoas têm assumido. Isto é especialmente  interessante porque dois de seus libretos, Sofonisba ( 1745 ) e Ifigênia em Aulide ( 1751 ), rompem com a convenção, permitindo que a morte possa ser mostrada no palco.




Em 1753, Jommelli foi muito procurado, recebendo ofertas de emprego de Mannheim, em Lisboa, e Stuttgart. Na última cidade, Carl Eugen, duque de Württemberg, estava muito  interessado nas óperas em italiano e francês. Ele produziu várias obras de Jommelli no novo teatro em Stuttgart, antes de finalmente encontrar o compositor, em 1753, quando  convidou Jommelli para se tornar Ober- Kapellmeister (diretor-chefe da música) na corte de Stuttgart.

Embora  já tivesse supervisionado a produção de "La Clemenza di Tito" para o aniversário da Duquesa Friederike em 30 de agosto de 1753. Por causa de seu grande interesse em  ópera, Carl Eugen insistiu em escolher as óperas a serem escritas, mas permitiu a Jommelli a rédea livre para a criação.





As óperas de Jommelli e seu libretista, Mattia Verazi, foram altamente inovadoras em vários aspectos. Baseadas na mitologia grega, em vez de história romana, incorporavam muitas das características da ópera francesssa, tais como grupos de cena grandes, incluindo não só o recitativo e ária (a combinação tradicional italiana), mas também os recitativos acompanhados e coro, além de integrar o balé.

As duas últimas óperas sérias feitas para a corte de Carl Eugen (que havia se mudado de Sttutgard para Ludwigsburg em 1764 ) são com os textos de Verazi. Depois que o novo poeta da corte, Gaetano Martinelli, chegou em 1766, Jommeli escreveu uma série de óperas cômicas e sérias.

Em 1768 , Jommelli começou a fazer preparativos para deixar Stuttgart.  D. José I de Portugal estava interessado em comissionamento de algumas obras para Lisboa. Suas  negociações com Jommelli criou problemas, no entanto, e perdeu a pensão e todo o acesso para as óperas que ele havia escrito para Carl Eugen . Jommelli estava em uma posição  ruim para contestar esses acordos injustos.




Retornou à sua cidade natal de Aversa, na esperança de que o clima fosse ajudar a sua esposa doente. Infelizmente, ela morreu em 1769. Jommelli foi para Lisboa, mas concordou  em enviar a José I uma  ópera séria e uma cômica por ano. Uma vez que o compositor não poderia voltar para Stuttgart, ele se instalou em Nápoles. Aqui, no entanto, as inovações  que tinha desenvolvido na Alemanha não foram apreciadas.

Em seus últimos anos, Jommelli escreveu óperas para Nápoles e Roma, bem como cumprir suas responsabilidades para Lisboa. Em agosto de 1771, ele sofreu um derrame e foi  incapaz de escrever por quase um ano. Depois disso, começou a trabalhar no que viria a ser a sua última ópera de Lisboa, Clelia. Ele foi recebido com entusiasmo pelo público em  Lisboa, assim como quase todas as óperas que ele enviou para Portugal.




De 1769 a 1777, quando José I morreu, até quatro óperas de Jommelli tinham sido ouvidas na cidade. Jommelli morreu em agosto de 1774, e que foi muito lamentada por toda a  Europa. Alguns, como o compositor alemão e teórico Christian Friedrich Daniel Schubart , chamou-o de o maior compositor da Europa. Apesar de tais elogios, Jommelli logo foi  esquecido. Somente nos últimos 25 anos têm sido redescobertas as suas óperas.



A obra de Jommelli distingue-se pela inspiração melódica, pelo superior sentido dramático e pela riqueza de instrumentação. Deixou uma obra linda, que inclui uma paixão, 2 oratórios, numerosas obras religiosas entre as quais, um Requiem e um Miserere, que são obras-primas e cerca de 70 óperas.
Com influência dos ensinamentos de Rameau fez reformas nos coros e sob a influência do grupo de Mannheim fez reformas na instrumentação. Seu estilo exerceu influência para os compositores do estilo clássico do fim do século XVIII.






















Tommaso Traëtta (Bitonto, 30 de março de 1727 - Veneza, 6 de abril de 1779 ) foi um compositor italiano. Chegou a ser discípulo do compositor, cantor e professo Nicola Porpora em Nápoles onde obteve o  seu primeiro sucesso com sua ópera" Il Farnace" em 1751.



A partir desse momento, Traetta regularmente recebe pedidos de todo o país, usando a escala típica de clássicos. É em 1759 quando algo estranho acontece que faz com que de repente  redirecione aceitando o posto como compositor da corte em Parma. Parma não era, naquele tempo, um lugar de importância: um ducado menor, mas um ducado em um certo aspecto diferente, por ser o  duque espanhol e sua esposa francesa.

E em um desses casamentos típicos da época, onde o duque se casou com a filha mais velha de Luís XV da França. Como resultado, na época Parma tinha um gosto especial para todas as coisas francesas, e em particular uma fixação com o esplendor de Versalhes. É assim que ele foi  influenciado pelo compositor Jean-Philippe Rameau.

Foi em Parma justamente, na corte do duque de Bourbon , que, inesperadamente, tornou-se imbuído do ar fresco da França e suas óperas começaram a se mover em novas direções.

Em Parma, em 1759, encontrou um número de colaboradores, e teve a sorte de o homem encarregado de ópera da cidade ser uma pessoal que conheceu  em Paris, Guillaume Du Tillot , que, entre outras responsabilidades, teve que definir o portfólio cultural completo, para o primeiro-ministro Don Felipe. A julgar pela influência estilística geral em termos de grandes efeitos cênicos, e alguns muito específicos empréstimos musicais, em Parma Traetta teve acesso a cópias das óperas de Rameau.

Como resultado, não há dúvida de que Antígona, sua ópera de 1772 para São Petersburgo, foi um de seus trabalhos mais avançados, a mais próxima dos ideais da reforma, geralmente associadas a Gluck , mas na verdade podem ser vistas em outros compositores do mesmo tempo.



O primeiro resultado de toda a francofilia de Traetta foi a ópera que escreveu em 1759. "Ippolito ed Aricia" deve muito à tragédia lírica de 1733 de Rameau, Hippolyte et Aricie . . Mas Traetta não foi um simples tradutor de Rameau. Frugoni, o libretista de Traetta em Parma, reescreveu completamente a versão original francesa de Quinault , que por sua vez havia sido baseada em Racine , que por sua vez se inspirou em raízes gregas - o Hipólito de Eurípides. Frugoni manteve certos elementos franceses fundamentais: a estrutura em 5 atos frente aos três habituais, e certos toques do espetáculo e efeitos franceses, incluindo as danças e entretenimento que dão finalidade a cada um dos cinco atos , e um mais elaborado para o coro, assim como faziam Hasse, Graun e Jommelli.




Durante a próxima década, a de 1760, Tommaso Traetta compôs música incessantemente. Não só ópera séria, mas fez várias comédias, para não mencionar a música sacra, composta para a ordem imperial. Porém, a ópera séria era geralmente o que sua majestade imperial exigia. As primeiras óperas de Traetta para Catarina, a Grande parecem mais revisões de seus trabalhos anteriores. Mas então, em 1772, vem Antígona e, já por algum motivo, seja a própria inclinação de Traetta,  ou a pedido de seu libretista Marco Coltellini, ou disponibilidade do soprano Caterina Gabrielli, a nova ópera logo alcança níveis de sentimento e intensidade que nunca haviam ser tão bem exploradas antes, nem mesmo em Parma.



A ópera da corte de Catarina, a Grande, foi representada em um teatro no Palácio de Inverno, criado pelo arquiteto  Bartolomeo Francesco Rastrelli, um arquitecto italiano de muitos edidficios em São Petersburgo, incluindo o Hermitage. O teatro estavabem perto dos aposentos da Imperatriz. Na verdade, muito perto, já que em 1783, ou seja, logo após a partida de Traetta, a Imperatriz ordenou que se fechasse e se construisse um novo.

Traetta também foi embora, talvez pelo clima rigoroso da cidade, mais do que o desejo da Imperatriz, que o levou a decidir-se deixar Sanpetersburgo em 1775, e retomar a vida como compositor de óperas, e até mesmo escrever duas obras para Londres: Germondo em 1776 e Telêmaco no ano seguinte. Traetta morreu dois anos depois, em abril de 1779, em Veneza.


Escreveu 40 óperas, um oratório (Salomão), um Stabat Mater, cantatas e árias.

Suas óperas:

Farnace - Nápoles 1750
I pastori felici - ivi - 1753
Ezio - Roma 1754
Le nozze contrastate - 1754
Il buovo d'Antona - Florencia 1756
La Nitteti - Reggio Emilia 1757
Ippolito e Aricia - Parma 1759
Ifigenia in Aulide - Viena 1759
Stordilano, principe di Granata - 1760
Armida - Vienna 1760
Sofonisba - Mannheim 1761
La francese a Malaghera - 1762
Alessandro nell'Indie - Reggio Emilia 1762
Didone abbandonata - 1764
Semiramide riconosciuta - 1765
La serva Rivale - 1767
Amore in trappola - 1768
L'Isola disabitata - 1769
L'Olimpiade - 1770
Antigone - 1772
Germondo - 1776
Il cavaliere errante - 1777
La disfatta di Dario - 1778
Artenice - 1778















Trecho do filme de Werner Schroeter, onde canta "Non piangete i casi miei" de Antigona







Aria " Ombra cara, amorosa" para solo de piano e voz, da ópera Antigona, com a soprano Rosanna Doria. Gravado ao vivo no Adressadors House, Valença, Espanha.





Niccolò Piccinni foi mais conhecido por suas óperas cômicas, embora fosse igualmente hábil no domínio da ópera séria. Sua ópera mais famosa foi "La buona figliuola"  (1760), que  o estabeleceu como um dos principais compositores de sua época. Piccinni escreveu quase 120 óperas (alguns dizem 130 ou mais) e um punhado de outros trabalhos musicais,  menos consequenciais como as composições vocais e instrumentais.

Piccinni nasceu em Bari, Itália, em 16 de janeiro de 1728. Ele exibiu talento musical ainda quando criança, mas até o começo da adolescência estava planejando seguir o sacerdócio.  Apesar de haver uma certa confusão sobre detalhes de sua educação musical, parece que Piccinni foi matriculado em San Nápoles Onofrio Conservatório em 1742, onde estudou  por 12 anos, primeiro com Leonardo Leo (até 1744), depois com Francesco Durante (até 1754).

Em 1754 Piccinni passou a escrever suas primeiras óperas - todas as óperas cômicas - e alcançou sucesso razoável. Em 1756 foi um ano fundamental para o compositor, tanto  pessoal como profissionalmente: ele se casou com uma de suas alunas, Vincenza Sibilla, e sua primeira ópera séria, Zenobia (1756), estreou em Nápoles para uma recepção  entusiástica.

Seguiu para o prestígio de Roma, e Piccinni compôs "Alessandro nelle Indie" (1758) e a já mencionada La buona figliuola. Com uma carreira meteórica, Piccinni encontrou numerosas comissões com facilidade considerável, compondo mais de 50 óperas no período 1758-1773, sendo mais de 30 encenadas em Nápoles e o restante em Roma.

O nome de Piccinni era conhecido por toda a Europa em meados da década de 1770 e no Tribunal francês cortejou-o com uma oferta atraente. Piccinni aceitou e chegou a Paris no  final de 1776.

Sua ópera Roland (1778) conquistou o público e os críticos franceses e começando uma rivalidade com os partidários de Gluck. Entre estes dois compositores, começou a ter uma competição e rivalidade acirrosa que foi incrementada pelos donos de teatro.





A tola rivalidade animada em Paris (1774-1780) entre os admiradores de Glück e os de Piccini, foi sem dúvida motivada pelas diferenças entre o estilo de composição alemã com o   italiano. Havia na época uma necessidade de acabar com a supremacia da ópera italiana, e nesse sentido, tanto a Alemanha como a França, empenharam seus esforços para uma  ópera genuina de seu país. Os italianos não aceitaram este rigor e desde aí, e muito discretamente ainda até hoje, existe uma comparação entre a ópera italiana, alemã e francesa.

Maria Antonieta era uma Glückista e, conseqüentemente, e isso favoreceu a reclamante rival. Nas ruas, cafés, casas particulares, e até mesmo nas escolas, os méritos de Glück e  Piccinini eram interrogados, e todos em Paris estavam ou de um lado ou do outro. Esta disputa era, de fato, entre os méritos da escola de música alemã e italiana.



Enquanto Piccinni teve vários êxitos, incluindo Didon (1783), ele foi logo rivalizado por Sacchini, Salieri e outros. Por causa de seu declínio artístico (Penélope [1785] foi um fracasso  e a perda de uma pensão erradicada pela Revolução Francesa, Piccinni voltou a Nápoles, em 1791.

Embora tenha sido recebido calorosamente, mais tarde ele começou a ter dificuldades políticas, quando sua filha se casou com um simpatizante jacobino francês. O compositor  viveu sob prisão domiciliar por quatro anos (1794-1798) e caiu na pobreza. Ele retornou a Paris em 1798, mas com pouco avanço financeiro. Quando as coisas finalmente  melhoraram, sua saúde estava em declínio, e ele morreu em 7 de maio de 1800.

As óperas de Niccollò Piccinni





Niccolò Piccinni, Didone abbandonata ejm 5 partes:


















"Catone in Utica", cuja esteia foi em 1770. É um dramma em 3 atos e o libreto é do famoso(na época) Pietro Metastasio.



Assim, encerramos esta parte. Ainda volto.


Levic

segunda-feira, 15 de fevereiro de 2010

16 - A era Clássica - Itália - Cimarosa, Sarti e Galuppi








Já nessa época, final do séc. XVIII, o Bel Canto foi se tornando extremamente refinado na Itália, vindo, logo em seguida, a encabeçar uma série de compositores que se tornaram  mestres nessa arte. Muitos músicos aparecem neste século, uns mais conhecidos que outros. Cada um deles, porém , contribuiu para que a ópera fosse ganhando mais estrutura e  beleza.

Alguns nomes serão lembrados.

Domenico Cimarosa (1749-1801) é um dos pais da ópera cômica. Sua obra-prima, “Il matrimonio segreto”(1792; O matrimônio secreto), torna-se a base da reputação que manteve  até o século XX.



Filho de família humilde, ficou órfão aos sete anos de idade. Foi educado numa escola para pobres mantida pelos frades franciscanos de Nápoles, onde um frade deu-lhe as primeira lições de música e, em 1761, matriculou-o no conservatório de Santa Maria de Loreto, onde Cimarosa adquiriu sólidos conhecimentos de canto, violino e composição. Um de seus professores no conservatório foi Nicola Piccini, um compositor famoso na época. Em 1772 estréia com sucesso sua primeira ópera. Embora tenha composto 65 óperas ao todo, que fizeram tremendo sucesso no seu tempo, tornando-o um compositor aclamado por toda a Europa, a única que a posteridade consagrou é Il Matrimonio Segreto. 

Outras obras dessa fase são “Le astuzie femminili” (1794; As astúcias femininas) e “Gli Orazi ed i Curiazi” (1796; Os Horácios e os Curiácios).

Em 1787, Cimarosa foi convidado pela imperatriz da Rússia Catarina II para ser compositor da corte em São Petersburgo. Permaneceu a serviço da czarina até 1791, quando voltou a Nápoles e participou de uma revolução contra os Bourbons que governavam a cidade. A glória e a fortuna não o livraram de um fim de vida infeliz. Ao tomar o partido das tropas francesas que entraram em Nápoles, foi preso, e acabou saindo de sua terra para morrer em Veneza, em 11 de janeiro de 1801, sob rumores de que fora envenenado.



Il Matrimonio Segreto, melodramma giocoso em dois atos, com a música composta por Domenico Cimarosa (1749-1801). O libreto é de Giovanni Bertati baseado de O Casamento  Clandestino (1766), de George Colman, o Velho e  David Garrick.

Primeira apresentação: 07 de fevereiro de 1792 no Burgtheater, em Viena.




Personagens principais:

Carolina, filha de Geronimo Soprano
Elisetta, sua irmã Mezzo-Soprano
Paolino, atendente de Geronimo Tenor
Geronimo, um rico comerciante Baixo
Fidalma, sua irmã Contralto
Conde Robinson Baixo
Hora e Local: 18 Century Bologna em casa de Geronimo


Sinopse:

Estamos na casa de Geronimo, um cidadão rico da Bolonha, que tem duas filhas, Elisetta e Carolina, e uma irmã Fidalma, que dirige a casa. Ele também tem um jovem secretário,  Paolino, que está secretamente casado com a filha mais nova, Carolina.



Ato I

Paolino está trabalhando para organizar um contrato de casamento entre Elisetta e seu patrono, o Conde Robinson, esperando que assim que a filha mais velha de Geronimo esteja  casada, o seu casamento com a mais nova será aceito. O Conde Robinson escreveu uma carta expressando interesse - tentado pelo dote substancial de Elisetta - e Geronimo está  entusiasmada para pensar que a sua filha vai ser uma condessa. Fidalma confessa a sua sobrinha que ela está apaixonada também, mas só revela em um aparte para o público que  ela tem o seu olhar em Paolino.





Quando o conde chega ele fi ca desapontado ao descobrir que não é Carolina, que foi oferecido a ele. Ele diz a Paolino que ele vai se contentar com um pequeno dote e enviá-lo fora  para organizar o jogo. Carolina não se atreve a dizer ao conde que ela já está casada, então quando ela admite que não tem amante, excita-o ainda mais, ela tentando convencê-lo  que não tem nenhum desejo ou qualificação para ser uma condessa, mas ele continua a persegui-la. Elisetta acusa os dois de traição a ela, e da comoção atrai Fidalma que se junta  a Carolina na tentativa de acalmar Elisetta, e todo mundo tenta ao mesmo tempo explicar seus sentimentos ou o que deixa Geronimo confuso e irritado.





Ato II

Geronimo insiste que o Conde deve honrar seu contrato e se casar com Elisetta, mas o conde se recusa. Quando ele se oferece para aceitar um dote menor com a mão de Carolina,  Geronimo tem o prazer de salvar a face e dinheiro - desde que Elisetta concorde.

Paolino está perturbado, e joga-se na misericórdia de Fidalma, mas fica chocado ao descobrir que ela espera se casar com ele. Nesta situação ele desmaia, dando-lhe a idéia de que   retorna a sua emoção. Carolina acha que ela foi traída, mas ele promete que eles vão sair de casa de madrugada e se refugiar na casa de um parente.



O Conde diz a Elisetta todos os seus maus hábitos e defeitos físicos, esperando que ela vá rejeitá-lo, mas ela se mantém firme - e ele finalmente confessa que não consegue viver  sem ele. Geronimo não pode persuadi-la também. Fidalma sugere o envio de Carolina para um convento, e Geronimo concorda. Carolina está com o coração partido e tenta  confessar sua situação para o Conde, mas eles são interrompidos por sua irmã, sua tia e seu pai, que estão alegres por tê-los pego juntos, e Geronimo envia Paolino com uma carta  à Madre Superiora.




Depois de um brilhante e ridículo final, Paolino e Carolina finalmente confessam que estão casados ​​há dois meses; Geronimo e Fidalma estão furiosos, mas o conde e Elisetta  aconselha-os a perdoar os recém-casados, acrescentando que eles próprios vão se casar depois de tudo.









Giuseppe Sarti
Outros grandes nomes da época são Giuseppe Sarti (1729-1802), escreveu 3 missas, 2 oratórios, motetos, um Te Deum em homenagem a Potemkine (com a intervenção de  canhões e fogos de artifício), um Requiem para Luís XVI, cerca de 75 óperas, sinfonias, 6 sonatas para piano. Foi diretor da Ópera Italiana, em Copenhague (1754-1775).


Foi educado por Padre Martini, e organista nomeado da catedral de Faenza antes da conclusão do seu décimo nono ano. Renunciando a sua nomeação em 1750, Sarti dedicou-se  ao estudo da música dramática, tornando-se diretor do teatro de Faenza em 1752. Em 1751, ele produziu sua primeira ópera, Pompeo , com grande sucesso. Seus próximos  trabalhos, Il Re Pastore , Medonte , Demofoonte e L'Olimpiade , garantiu-lhe uma brilhante uma reputação que em 1753 o rei Frederico V da Dinamarca convidou para Copenhague,  com as nomeações de Hofkapellmeister e diretor da ópera.

Em 1765, ele viajou para a Itália para se envolver alguns cantores novos, enquanto que a morte do rei Frederico colocou um fim para o tempo de seu noivado. Em 1769 foi para Londres, onde deu aulas de música para poder sustentar-se.
  Em 1770, obteve uma pós em Veneza como professor de música no Conservatório. Em 1779 ele foi eleito maestro di cappella na catedral de Milão, onde permaneceu até 1784. Aqui, ele exerceu a sua verdadeira vocação - compondo, além de pelo menos 20 de suas óperas de maior sucesso, uma grande quantidade de música sacra para a catedral, e educando um número de alunos inteligentes, o mais eminente dos quais era Luigi Cherubini.

Em 1784, Sarti foi convidado pela imperatriz Catarina II a São Petersburgo. Em seu caminho, ele parou em Viena, onde o imperador Joseph II recebeu-o, e onde conheceu Mozart.  Chegou a São Petersburgo em 1785, e logo tomou a direção do teatro de ópera, para o qual compôs muitas peças novas, além de uma música muito  marcante, incluindo um Te Deum para a vitória do Ochakov, no qual  apresentou  tiros de canhão real.

Permaneceu na Rússia até 1801, quando sua saúde estava tão quebrada que solicitou permissão para retornar. O Imperador Alexandre demitiu-o em 1802 com uma pensão e carta de nobreza concedida  pela Imperatriz Catarina.

Suas óperas de maior sucesso na Rússia foram Armida e Olega, sendo que para  esta última a própria imperatriz escreveu o libreto. Sarti morreu em Berlim, em 28 de julho de 1802.

Sarti foi imortalizado por Mozart, que introduziu uma ária sua na cena do jantar de Don Giovanni. Note-se que Mozart em Nozze di Figaro devia muito à influência desta ópera, que foi realizada em Viena, em 1784. O admirável libreto de Da Ponte, autor do libreto de Fígaro e Don Giovanni  mostra situações semelhantes, e no final complicado do primeiro ato serviu de modelo a Mozart para o final do último ato de Figaro.


Óperas de Sarti:
Il re pastore (1752)
Il Vologeso (1754)
Antigono (1754)
Ciro riconosciuto, (1755)
Arianna e Teseo (1756)
Anagilda (1758)
Armida abbandonata (1759)
Achille in Sciro (1759)
Andromaca (1759-1760)
Filindo (1760)
Nitteti (1760) (Copenhague, 1ª versión)
La Semiramide riconosciuta (1762)
Didone abbandonata (1762)
Il gran Tamerlano (1764)
Nitteti (1765) (Venecia, 2ª versión)
Le gelosie villane (1776)
Medonte, re di Epiro (1777)
Adriano en Siria (1778)
Giulio Sabino (1781)
Alessandro e Timoteo (1782)
Fra i due litiganti il terzo gode (1782)
Gli Amanti Consolati (1784)
Armida e Rinaldo (1786)
Siroe, re di Persia (1799)
Enea nel Lazio (1799)

Vamos a elas:

1-Didone abbandonata (Sarti)
Origem: Wikipédia, a enciclopédia livre
Giuseppe Sarti


Didone abbandonata é uma ópera, ou dramma per musica, de Giuseppe Sarti  definida para um libreto do renomado poeta Metastasio. A ópera foi apresentada pela primeira vez no inverno de 1762 em Copenhague, e foi composta especialmente para o tribunal dinamarquês da ópca. A ópera consiste em três atos, e o libretofoié baseado na conhecida história de Dido e Eneias .

O libreto de Metastasio já havia sido amplamente utilizado em todo o século. O mais notável de adaptações anteriores foi de Leonardo da Vinci .

Personagens:

Dido soprano
Selene soprano
Aeneas soprano
Iarbas tenor
Osmidas tenor
Araspes baixo




2-Fra i devido litiganti il ​​terzo gode
Origem: Wikipédia, a enciclopédia livre
Giuseppe Sarti


Fra i devido litiganti il terzo gode ("Enquanto dois estão de Controvérsias, a Terceira Goza") é um dramma giocoso em dois atos de Giuseppe Sarti. O libreto foi baseado"Le Nozze" da autoria de Caelo Goldoni.

Uma ária de uma ópera, Come un agnello , é famosa por ser citada por Mozart no final de Don Giovanni .

Foi realizada pela primeira vez no Teatro alla Scala de Milão em 14 de setembro de 1782. Tornou-se muito bem sucedida, sendo produzida sob diferentes nomes, em diferentes idiomas, e em numerosas cidades europeias. Por exemplo, foi realizada como "Le nozze di Dorina" , com árias inseridas por Giovanni Battista Viotti , para a abertura do Théâtre de Monsieur em Paris em 6 de Janeiro de 1791. ] A música de trabalho também acumulou composta por Pasquale Anfossi , Antonio Salieri , e Stephen Storace para além do próprio compositor.

Personagens:


Conte Belfiore baixo Giovanni Marliani
Condessa Belfiore soprano Angela Marzorati
Masotto, mordomo do conde e condessa, no amor com Dorina tenor Antonio Palmini
Dorina. uma empregada servindo soprano Nancy Storace
Titta, servo do Conde, perseguindo também Dorina barítono Francesco Benucci
Mingone, o jardineiro, também interessado em Dorina tenor Giuseppe Lolli
Livietta, empregada da Condessa soprano Vittoria Moreschi Balzani


 Sinopse

A ópera tem uma história semelhante à de Mozart "Le nozze di Figaro" envolvendo intrigas complexas entre um par de ciúmes, brigas aristocratas e os seus agentes.






3- Giulio Sabino

Giulio Sabino ("Júlio Sabino") é um dramma per musica ( ópera séria ) em três atos de Giuseppe Sarti. O libreto foi feito por Pietro Giovannini .

A ópera, encenada em seis ou sete países europeus no final do século 18, foi o tema de uma paródia de um trabalho de Antonio Salieri em 1786 "Prima la musica poi le parole".

Sua estreia foi no Teatro San Benedetto em Veneza em 3 de janeiro de 1781. A ópera foi revivida em Ravenna em 1999.

Personagens:


Annio tenor Giuseppe Desiro
Armínio soprano Pietro Gherardi
Epponina soprano Anna Pozzi
Sabino soprano Gaspare Pacchierotti
Tito tenor Giacomo Panati
Voadice soprano Felice Zannotti


Sinopse

A ópera é sobre o triunfo do amor conjugal. Ela se define no primeiro século, na Gália, no tempo do imperador Vespasiano .




4-Le gelosie villane
Las celosas campesinas
Le gelosie villane
Gênero dramma giocoso
3 atos
Idioma italiano
 Estreia Teatro San Samuele Veneza
Libretista Tommaso Grandi


Personagens:
Il Marchese (tenor)
Giannina (soprano)
Tognino (barítono)
Sandrino (soprano)
Olivera (soprano)
Nardo (bajo)
Mengone (bajo)
Cecchino (bajo)

Le Gelosie villane (As componesas ciumentas) é um dramma giocoso em três atos de Giuseppe Sarti e libreto de Tommaso Grandi. Estreou em novembro de 1776 no Teatro San Samuele Veneza.
Como muitas outras óperas der Sarti, essa peça foi encenada regularmente durante todo o último quarto do século XVIII. O giocoso dramma é uma sátira sobre um relacionamento romântico entre um marquês e algumas de suas jovens camponesa de sua propriedade. O libreto de Le Gelosie villane foi, posteriormente, também musicadao por Pasquale Asnfossi.



Baldassare Galuppi  ( Burano , 18 de outubro de 1706 - Veneza , 03 de janeiro de 1785 ) foi um compositor veneziano, famoso por suas óperas e, principalmente, pela ópera buffa .





Baldassare Galuppi escreveu quase 100 óperas , as quais tornaram-no num dos mestres mais admirados da ópera buffa. Escreveu ainda mais de 20 oratórios,  composições religiosas e obras instrumentais.

Nasceu na ilha de Burano na lagoa de Veneza, e por isso ficou conhecido como " Il Buranello ". Sua primeira tentativa de ópera, La fede gli amici nell'incostanze rivalidade ossia ( 1722 ) foi um fracasso espetacular, tendo recebido assobios e vaias.





Mais tarde, estudou música com Antonio Lotti e, depois de um breve período em Florença trabalhando como cravista, retornou a Veneza para tentar novamente com a ópera. Desta vez, sua ópera séria Dorinda (1729), que teve grande sucesso e conseguiu ampliar sua carreira.

Em 1737 apresentou em Turim a sua ópera Issipile. Em 1740, foi nomeado diretor musical da Ospedale dei Mendicanti, trabalhou na San Marco, em Veneza desde 1748, sendo apontado como Kapellmeister, considerado o melhor músico da área. Maior parte de sua vida foi passada em Veneza, embora a partir de 1741-1743 permaneceu em Londres e de 1756-1768 viajou para São Petersburgo a ser disponibilizado para Catarina II da Rússia.

Em 1745 , estreou em Nápoles a sério ópera L'Olimpiade e 1748 Demetrio em Viena. Em 1749, estreou em Madrid a sua ópera séria Demofoonte; Semiramide riconosciuta em Milão e Artaserse em Viena.

Sua primeira ópera bufa foi " L'Arcadia em Brenta (1749) ". Esta foi também a sua primeira colaboração com o libretista Carlo Goldoni, com o qual veio depois de uma série de óperas. Estas obras eram muito populares, especialmente "Il filósofo campagna di" (1754). O libreto Goldoni, Il mondo della luna, foi mais tarde utilizado por um grande número de outros compositores, incluindo Joseph Haydn.

Em 1757 estreou em Turim a ópera Ezio e em 1759 , também em Turim, a sua ópera séria La Clemenza di Tito.


As óperas de Baldassari:















Até!
Levic

quinta-feira, 11 de fevereiro de 2010

15.b- Mozart, o compositor de óperas




As óperas de Mozart - A Flauta Mágica





24- A Flauta Mágica

A Flauta Mágica





A Flauta Mágica (em alemão: Die Zauberflöte, K.  620) é uma ópera em dois atos de Wolfgang Amadeus Mozart para um libreto alemão de Emanuel Schikaneder. O trabalho está sob a forma de um Singspiel, uma forma popular que incluía tanto o cantar e diálogos falados. A obra estreou em 1791 no teatro de Schikaneder, o Freihaus-Theater auf der Wieden em Viena.

A ópera vai culminar um período de crescente envolvimento de Mozart com a trupe teatral Schikaneder, que desde 1789 havia sido a empresa residente no Teatro auf der Wieden. Mozart era um amigo próximo de um dos cantores-compositores da trupe, o tenor Benedikt Schack (o primeiro Tamino), e contribuiu para as composições do grupo, que foram muitas vezes em colaboração escrita.




A participação de Mozart aumentou com suas contribuições para a ópera Der Stein der Weisen ( Pedra Filosofal ), incluindo o dueto ("Nun liebes Weibchen", K. 625/592a - O Dueto do Gato) e, talvez, outras passagens. A Flauta Mágica, pode ser o produto de Der Stein der Weisen que era uma ópera de conto de fadas e que pode ser considerada uma espécie de precursora desta última ópera de Mozart, pois empregava muito do mesmo elenco, em papéis semelhantes.

Quando Mozart escreveu  A Flauta Mágica tinha 35 anos e só lhe restavam alguns meses de vida. O empresáraio teatral Emanuel Schikaneder passava grandes apuros econômicos e o compositor, grande amigo seu desde a juventude, na mesma situação finanaceira, resolveram escrever uma obra que lhes poderia render algum dinheiro. Ao tomar conhecimento que um teatro rival que iria estrear outra ópera com igual assunto, se modificou completamente a ação, acrescentando significações simbólicas supostamente de acordo com certas práticas da maçonaria, loja que Mozart e seus amigos pertenciam.





No século XVIII, sociedades secretas proliferavam, inclusive com anuência da nobreza e da aristocracia. Muito em especial a Maçonaria. Os músicos eram sempre convidados a se iniciarem nos seus mistérios. E Mozart não fugiu à regra, ingressando na Loja Zur Wohltätigkeit (A Benfeitora) em dezembro de 1784. Mozart ficou encantado com as ideias do Iluminismo propagadas nas reuniões.

Ali recebeu o convite de um dos 'irmãos' que administrava um pequeno teatro de subúrbio, para compor uma obra fundamentada em alguns dos segredos da Maçonaria; especificamente relacionados aos ritos de iniciação. A idéia agradou o jovem compositor. Schikaneder era ator, libretista e diretor teatral. Prontamente os dois puseram-se a trabalhar febrilmente na elaboração do libreto daquela que seria uma das mais significativas obras do compositor: A Flauta Mágica. Corria então o ano de 1791.





Havia na época um modismo, exigido pelas platéias ávidas de fantasias: o "orientalismo" e suas personagens irreais, imaginárias. Elas aparecem na obra de Mozart em a Rainha da Noite, em Sarastro, o Mestre de uma sociedade inspirada no mazdeísmo(zoroastrismo), na figura simpática de Papageno, o caçador de passarinhos. Mas Mozart usufruiu muito pouco do sucesso dessa obra: ele iria falecer em dezembro desse mesmo ano. Assim, o elemento mítico e maravilhoso deu um grande relevo a ópera. Schikaneder foi o primeiro que interpretou Papageno, enquanto que o papel da Rainha da Noite foi interpretado pela cunhada de Mozart.




Segundo os historiadores, podia realmente ter influências maçônicas na ópera, já que Mozart foi iniciado na loja em Viena, na chamada Zur Wohltätigkeit  em 1784. Quando a ópera teve sua estreia, a maçonaria acabava de ser proibida no império austríaco por sua relação com os Iluminados da Baviera. E na verdade, muitas idéias e motivos da ópera recordam a filosofia maçônica. Assim, a ópera anunciaria a natureza propagandística ao divulgar os maçons em um momento em que a Áustria-Hungria tentava proibi-la. Além disso, o tema da luta entre a luz e as trevas, é um símbolo recorrente nos ensinamentos maçônicos.




A ópera conta a história de Tamino (príncipe egípcio) e Tamina (filha da Rainha da Noite). A história se passa no templo de Isis no Egito durante o período de Ramses I. Tamino é perseguido por uma cobra, desmaia e é salvo por 3 damas da noite ao mesmo tempo que chega um caçador de pássaros (Papageno) que, ao acordar Tamino pensa ter matado a cobra. As damas voltam para contar que a princesa (filha da Rainha da Noite) foi raptada pelo mago Sarastro que é tido como mau. A rainha pede a Tamino que vá salvá-la. Este recebe da rainha uma flauta de ouro que ao ser tocada é mágica e pode livrá-los dos perigos. Ele segue acompanhado de Papageno, que recebe um carrilhão também mágico. No palácio, Monostatos, escravo mouro do palácio de Sarastro (o sacerdote de Isis que levou Pamina) tenta seduzí-la. O sacerdote descobre e manda que a solte. Ele ainda tenta outras vezes. Durante a trama se percebe que o mago não é mau e que o rapto foi para salvar Tamina das maldades da mãe.




Existe um outro aspecto que, embora facilmente percebido pelo público vienense da ocasião, hoje nos escaparia totalmente, se uma série de estudiosos não tivesse, ao longo do tempo, analisado a ópera em detalhes e publicado suas observações. A Flauta Mágica é repleta de símbolos e alegorias relativos à Maçonaria, da qual faziam parte tanto Emmanuel Schikaneder, o autor de texto da ópera, quanto seu compositor, Mozart, que viria a falecer apenas dois meses depois da estréia, e que havia encontrado grande conforto espiritual no seio daquela fraternidade em seus últimos anos.






O número três, muito importante tanto na filosofia quanto nos ritos maçônicos, é citado com freqüência no texto e na música. São três as damas que salvam Tamino do dragão, e três são os meninos que o conduzem às três portas dos três templos, o da Razão, o da Sabedoria e o da Natureza. A nona cena do primeiro ato tem como personagens três escravos de Monostatos. No início do segundo ato, Sarastro responde a três sacerdotes sobre a iminente prova de Tamino, enumerando três atributos do jovem: Virtude (Tugend), Discrição (Verschwiegenheit) e Caridade (Wohltätig).




O diálogo seguinte, entre Sarastro e o Orador do Templo, é interrompido por três toques de trompa, cada um deles constituído de três acordes iguais. Estes três acordes, que já tinham sido ouvidos no início da abertura da ópera, representam as três batidas rituais com as quais o aspirante a maçom pede para ser admitido na Loja. Sua tonalidade é mi bemol maior, que se indica na partitura grafando-se três bemóis ao lado da clave. Essa simbólica tonalidade aparecerá em muitos outros lugares da ópera. Ainda quando Tamino e Papageno são levados ao templo para aguardar as provas, a percussão executa uma série de três trovões, que se misturam às vozes.




Também o número dezoito, múltiplo de três, que dentro da hierarquia maçom equivale a um dos importantes Graus Capitulares, o de Soberano Príncipe Rosa-Cruz, aparecerá várias vezes. Sarastro faz sua primeira aparição na ópera durante a 18acena do primeiro ato. O libreto original observa que o cenário do início do segundo ato deve apresentar dezoito cadeiras onde se sentarão dezoito sacerdotes. O hino OIsis und Osiris, welche Wonne (Oh Isis e Osíris, que alegria) entoado mais adiante pelos sacerdotes, tem dezoito compassos, e abre a 18acena do segundo ato.




 E Papagena, que aparece inicialmente como uma mulher muito velha, arranca risadas da platéia quando diz a Papageno ter apenas dezoito anos. O Grau Rosa-Cruz é citado indiretamente ainda quando os três meninos, ao trazer de volta a flauta mágica e o carrilhão, entram em cena, segundo o libreto, numa plataforma voadora coberta de rosas. O lema daquele grau hierárquico, Virtude e Silêncio, enumera as qualidades exigidas de Tamino antes do início das provas. Um outro aspecto alegórico importante é que os principais personagens de A Flauta Mágica representam, metaforicamente, personalidades ou instituições da vida real.




 A perversa Rainha da Noite teria sido inspirada pela Imperatriz Maria Teresa, cujo governo de cunho absolutista, simbolizado pelas trevas que acompanham a personagem, proibiu a existência da Maçonaria. O belo príncipe Tamino seria na verdade José II, o filho de Maria Teresa que a sucedeu no trono. Seu governo foi muito mais liberal do que o da mãe, e permitiu que as assembléias maçônicas voltassem a se reunir. A doce Pamina representaria a Áustria, que o iluminado Tamino/José II liberta das trevas e traz para a luz da verdade maçônica com o auxílio do grão-sacerdote Sarastro, personagem inspirado no geólogo Ignaz von Born, o respeitadíssimo líder da Loja A Verdadeira Harmonia, uma das mais importantes agremiações maçônicas austríacas.




Para que não restem dúvidas, o texto da segunda ária de Sarastro, In diesen heil’gen Hallen (Nestes sagrados recintos), é a reprodução dos altos ideais da maçonaria. Papageno, por sua vez, encarna o bom e simpldos altos ideais da maçonaria. Papageno, por sua vez, encarna o bom e simples camponês, o homem comum, com seus valores autênticos, cujas preocupações são encontrar uma boa esposa, constituir família e contar sempre com a tranqüilidade de uma mesa farta. Finalmente, o mouro Monostatos tem sido interpretado como uma sátira aos jesuítas, que se trajavam de negro e cuja ordem se opôs à maçonaria com todas suas forças.




Nessa ópera maçônica, todos os personagens são arquétipos dos símbolos maçônicos e não pessoas reais. Os personagens principais são: Sarastro que, como ser humano representa o Grão Mestre da Maçonaria e a Rainha da Noite representa a mulher forte, sensual e independente, com todo o poder e domínio de seu espaço. Estes personagens são representados na ópera como o Sol e a Lua, o yin e o yang, o claro e o escuro.





Tamani é o homem que busca a sabedoria e o conhecimento, e se tornará membro da Irmandade; Pamina, filha da Rainha da Noite, é a mulher que está disposta a acompanhar seu amado em todos os momentos da vida; Papageno e Papagena representam a natureza, os pássaros que buscam a sobrevivência e a preservação das espécies; as Três Damas da Rainha simbolizam a sensualidade, o desejo, a noite, o escuro; os Três Gênios simbolizam o Céu, o firmamento, a pureza, aqueles que indicam o caminho para a sabedoria; Monostatos, um mouro, simboliza as minorias discriminadas pela sua condição física e falta de acesso ao conhecimento, que, permanecendo na ignorância, busca através do casamento com Pamina, ascensão social.





Embora alguns livros sobre ópera afirmem que a ópera se passe no Egito da antiguidade - país onde se acredita que a maçonaria tenha nascido - , nenhuma referência no libreto nos permite tomar esta afirmação como absolutamente correta. É preferível, então, imaginarmos que a ambientação de A Flauta Mágica se dá num distante país oriental, nos tempos da antiguidadade.
A Flauta Mágica é uma ópera que fala do amor. Sua mensagem é ao mesmo tempo simples e profunda. Um casal que se ama só atinge o estado ideal de comunhão de almas quando os dois trabalham juntos na superação de inúmeras dificuldades que a vida lhes coloca, fortalecidos pela virtude e pela confiança. Sob esse aspecto, é uma fábula sobre o amor espiritual, puro e sereno, cuja moral foi tão bem aceita e assimilada em sua estréia (1791) quanto o é hoje.




Contemporâneo de Mozart, embora seis anos mais velho, era Antonio Salieri a figura mais proeminente do meio musical vienense e o músico oficial da corte. Mas não possuía o talento de Mozart. Isto levou à suposição de uma grande inveja, o que não foi comprovado na época. Mas em 1830, Pushkin publicou um romance pseudamente histórico - Mozart e Salieri - no qual enfatizava aquela suspeita, sugerindo que a morte prematura de Mozart fora motivada por envenenamento.O culpado seria, nada menos do que o invejoso Salieri. Infelizmente isto prevaleceu até os dias de hoje.




Por outro lado, suspeitava-se que, ao revelar segredos da iniciação, a Maçonaria é que teria decretado o envenenamento do jovem compositor. Na verdade, nada disto ocorreu. Salieri, um homem respeitado, ocupando cargos elevados, economicamente realizado, não teria porque temer um jovem ao qual pouca importância era dada.Ainda mais com a sua proverbialirresponsabilidade e moral duvidosa. Quanto à Maçonaria, se tivesse de condenar o compositor, também condenaria o libretista - Schikaneder. Mas nada disto ocorreu. E mais: ao saber que Mozart estava endividado, ajudou Constanze, a viúva, a saldar todas as suas dívidas.




Então, por que Mozart morreu tão jovem? Duas são as razões: como resultado de uma vida libertina, tendo contraído sífilis. Os médicos da época receitavam maciças doses de mercúrio a seus pacientes, praticamente envenenando-os aos poucos. Em segundo lugar, pela necessidade de dinheiro. Mozart trabalhou intensamente numa encomenda:o Réquiem - sua última obra, que não conseguiu completar. Extremamente debilitado, trabalhando intensamente dia e noite, as forças foram minguando até não mais poder recuperá-las. Seu aluno Süssmayer completou a obra postumamente. .




Mas, concluindo sobre a ópera A Flauta Mágica: o enredo da ópera tem sido muito discutido. Embora muitos pesquisadores a vê simplesmente como um conto de fadas, outros acham que está cheia de simbolismo e referências à Maçonaria. Nesse sentido, apesar da forte influência da cultura popular, A Flauta Mágica é um guia de um rito de iniciação maçônico.




 Da mesma forma, muitos autores, incluindo Gerard Gefen, tem visto um prenúncio de Ignaz von Born no papel de Sarastro. Von Born era uma pessoa com grande influência na Maçonaria austríaca no tempo, e foi quem patrocinou a entrada de Mozart. Muitas pessoas consideram o acorde triplo da abertura para esta ópera como um sinal claro maçônico (a "batida maçônica"), anunciando a natureza propagandística da obra, a fim de divulgar os maçons em uma época que a Áustria-Hungria estava com leis para proibi-la. Além disso, o tema da luta entre a luz e as trevas, é um símbolo recorrente nos ensinamentos maçônicos.




Quanto à música, tem árias magníficas para cada personagem, alguns famosos por sua complexidade técnica, como as árias da Rainha da Noite, O nicht zittre (Quadro I do Ato I), onde as tentativas de motivar Tamino para libertar sua filha e, especialmente, Hölle Rache Der (Quadro III Ato II), onde aparece a segunda maior nota que Mozart compôs para a música vocal, uma fa 5, e cuja interpretação é necessário um grau de virtuosismo importante. Também conhecidas são os outros fragmentos, como o quinteto de Papageno, Tamino e as três senhoras, hm, hm, hm ... (Quadro I do Ato I), com algum humor, ou a ária de Sarastro, In heil'gen deve dar Hallen (Quadro III Ato II), onde expôs a sua sabedoria com a voz de baixo. Papageno também tem intervenções, com sua ária Klinget, Glöckchen,  e, especialmente, seu dueto com Papagena.





Personagens:

Tamino tenor Benedikt Schack
Papageno barítono Emanuel Schikaneder
Pamina soprano Anna Gottlieb
A Rainha da Noite ] soprano coloratura Josepha Hofer
Sarastro baixo Franz Xaver Gerl
Três senhoras 2 sopranos, mezzo-soprano M lle  Klopfer, M lle  Hofmann, M me  Elisabeth [ 14 ] Schack
Monostatos tenor Johann Joseph Nouseul
Três meninos agudos , alto , meio-soprano Anna Schikaneder ; Anselmo Handelgruber, Franz Anton Maurer
Palestrante do templo baixo barítono- Herr Inverno
Três padres tenor, 2 baixos Johann Michael Kistler, Urbano Schikaneder , Herr Moll
Papagena soprano Barbara Gerl
Dois homens armados tenor, baixo Johann Michael Kistler, Herr Moll
Três escravos 2 tenores, baixo Karl Ludwig Giesecke , Herr Frasel, Herr Starke
Sacerdotes, mulheres, pessoas, escravos, coro




SINOPSE
Sinopse
Ato I

A Flauta Mágica começa com uma terrível serpente perseguindo Tamino. Cansado, ele desmaia. As Três Damas aparecem, dominam a serpente e resolvem avisar à Rainha da Noite da presença do jovem no seu reino. Ao recobrar os sentidos, Tamino vê Papageno cantar e tocar sua flauta. Papageno mente para Tamino que ele o salvou da serpente. Imediatamente, reaparecem as Três Damas para punir Papageno pela mentira. Elas entregam um retrato de Pamina para Tamino que se apaixona. A Rainha da Noite surge e pede para Tamino libertar sua filha que está prisioneira de Sarastro. As Damas soltam Papageno e eles recebem um carrilhão e uma flauta com poderes mágicos. Três Gênios irão guiá-los nos perigos da jornada.



No palácio de Sarastro, Pamina é vigiada por Monostatos. Papageno encontra Pamina e avisa que ela será libertada por Tamino e saem felizes a sua procura. Os Três Gênios guiam Tamino para o Templo. No caminho toca sua flauta e magicamente os animais selvagens se tornam mansos. Monostatos e seus escravos alcançam Pamina e Papageno, que ao som do carrilhão eles se põem a dançar e saem. Ao som de trombetas Sarastro chega. Pamina explica a Sarastro que fugiu por estar sendo importunada por Monostatos. Este entra trazendo Tamino preso. Sarastro expulsa Monostatos da Irmandade e ordena que Pamina e Tamino realizem as provas para entrar para a Irmandade.



Ato II

Sarastro comunica aos sacerdotes os seus planos de iniciar Tamino na Irmandade e pede aos deuses que iluminem o caminho dos jovens na busca pela sabedoria. Pamina, sob sua proteção deve se tornar esposa de Tamino. Pamina adormece enquanto Monostatos questiona sua condição social e racial por não poder ter os mesmos direitos dos outros e é detido pela Rainha da Noite que aparece. Ela entrega um punhal a Pamina e ordena que mate Sarastro.



Os sacerdotes conduzem Tamino e Papageno para o início das provas do silêncio, onde não poderão conversar com nenhuma mulher. Pamina aparece e Tamino resiste à tentação, deixando-a desiludida. Papageno ao ver Papagena, não resiste e falando com ela não passa na prova. Desesperada, Pamina resolve se matar e é salva pelos Três Gênios que explicam a situação. Juntos, Pamina e Tamino fazem as últimas provas: do fogo e da água, sendo então admitidos na Irmandade. Ao final surgem a Rainha da Noite com as Três Damas e Monostatos, em uma última tentativa de tomar o poder de Sarastro, mas a luz da Sabedoria transforma todo o mal e envolve todos ao som da Flauta Mágica.




















E aqui terminamos a exploração das óperas do magnífico Mozart.
Até a próxima postagem!

Levic