Resumo da Ópera: 23.8-O domínio dos Italianos-Rossini 9

As óperas de Rossini- continuação

As últimas óperas de Rossini:

36- Le siège de Corinto (revisão de Maometto secondo), 37- Moïse et Pharaon, ou Le passage de la mer rouge (revisão de Mose em Egitto ), 38- Le Comte Ory, 39- Guillaume Tell

Rossini na ...

36-Le siège de Corinthe - 1826

Le siège de Corinto

Libretto- Luigi Balocchi e Alexandre Soumet , após o libreto para Maometto II
Estreia- 09 de outubro de 1826
Local- Paris Opéra , Salle Le Peletier
tragédie Lyrique, 3 atos

Le siège de Corinto ( O Assédio de Corinto ) é uma ópera em três atos de Gioachino Rossini definido para um libreto francês de Luigi Balocchi e Alexandre Soumet , que foi baseado na reformulação de algumas das músicas da ópera do compositor para Nápoles, Maometto II, de 1820, cujo libretto na época foi escrito por Cesare della Valle. Le siège foi a primeira ópera francesa de Rossini, conhecida também em sua versão em italiano como "L'assedio di Corinto ".

A ópera refere-se ao cerco e destruição final da cidade de Missolonghi em 1826 pelas tropas turcas durante o curso da Guerra da Independência Grega (1821-1829). A Revolução Grega ocorrida na primeira metade do século XIX foi um dos episódios mais dramáticos da história recente europeia da época e inspirou dezenas de artistas e poetas no Velho Continente.Consternou toda a Europa Ocidental por sua crueldade, inspirando a pintura de Eugène Delacroix ( Grécia expirando nas ruínas de Missolonghi ), e que foi mencionado nos escritos de Victor Hugo. A referência a Corinto é um exemplo de alegoria, embora o sultão Mehmed II houvesse de fato sitiado a cidade na década de 1450. Lord Byron no seu poema de 1816 "The Siege of Corinth" mostra pouca, ou nenhuma, ligação com o conteúdo da ópera ( aliás ele lutou ao lado dos gregos pela independência da opressão turca).

Greece on the ruins of Messolonghi(1826,oil on canvas)

A versão francesa da ópera de Rossini foi uma reconstrução parcial da ópera italiana do compositor, Maometto II , de 1820, com a mesma história e personagens, quando na conquista de Veneza, na colônia de Negroponte pelos turcos, mas em um cenário de 1470. Essa versão original estreou em Nápoles em 03 de dezembro de 1820, seis anos antes do cerco e massacre de Missolonghi. A ópera original de Maometto não foi bem recebida, nem em Nápoles, nem em Veneza, onde Rossini a refez numa revisão em 1823, e desta vez com um final feliz com a música de sua própria La donna del lago na conclusão.

Mas em 1826, dois anos depois de se estabelecer em Paris, Rossini a refez mais uma vez, com uma outra versão, que agora incluía dois ballets, conforme solicitado pela tradição operística francesa, e transportada para a Grécia com o novo título de "Le siège de Corinto", acenando para a guerra grega pela independência aos otomanos, e traduzida para o francês. Desta vez, Rossini conseguiu a sua aprovação, e a ópera foi um sucesso, realizada em vários países ao longo da próxima década.

Nesse meio tempo, Rossini viveu uma situação em que foi obrigado, às pressas, a 'compor' uma ópera de emergência. A pressão do público para que ele apresentasse uma ópera francesa e o seu desagrado em ver que sua La Donna del Lago (La Dame du Lac) teve uma versão francesa no Théâtre de l'Odeon sem a sua autorização, feita por Lemière de Corvey, fez com que ele permitisse, em setembro de 1826, que Antonio Pacini montasse um 'pasticcio' no mesmo teatro, com um libretto baseado em Ivanhoé de sir Walter Scott. Pacini fez as devidas colagens com os pedaços tirados de várias óperas e o próprio Rossini fez uma nova introdução orquestral, e os recitativos necessários. Foi apresentada apenas em duas récitas, mas ele deu o troco à sua maneira.

Rossini, entretanto, já estava preparando uma versão para Maometto II por esta ocasião. Assim, ele pediu a Balocchi e Alexandre Soumet que preparassem um texto em francês. Os novos libretistas recuaram a ação de Maometto para 1459, ano do assédio de Corinto pelos turcos, pelas tropas de Maomé II. O motivo deste recuo no tempo foi para explorar a posição pós-grega e anti-turca do governo francês, que na época estava convivendo com a Guerra da Independência Grega. Rossini até regeu um concerto em benefício dos patriotas gregos.

Para esta versão, Rossini teve que transportar a voz de contralto do personagem Calbo, para uma de tenor que passou a se chamar de Néocles, porque o público francês não apreciava les rôles en travesti. Mas, a intriga continua a mesma e a trama só muda os nomes. Entretanto, Rossini teve muito trabalho com esta ópera, pois escreveu uma avertura que Maiometto não tinha, refez todos os recitativos e submeteu todos os números a revisões maiores, escrevendo um coro para o ato II e mostrou-se ser capaz de compor para um texto francês com a mesma desenvoltura quanto para um italiano.

Foi um triunfo a estreia desta ópera, onde o compositor foi ovacionado por mais de meia hora e foi insistentemente chamado ao palco e ficou no repertório do Palais Garnier até 1844, e permaneceu popular durante a década de 1830 na Europa e, em seguida, desapareceu completamente do repertório, aproximadamente nos próximos cem anos. No entanto, a abertura da ópera ficou muito popular e nunca deixou de ser peça de orquestra no repertório de concerto. Mais recentemente, a abertura foi realizada e gravada por várias orquestras clássicas contemporâneas, incluindo a Academy of St. Martin-in-the-Fields conduzida por Neville Marriner .

A primeira apresentação, em francês, foi na Salle Le Peletier do Ópera de Paris em 9 de outubro 1826 . Foi apresentada como "L'assedio di Corinto" em Parma em 26 de janeiro 1828 e chegou a Viena em julho de 1831.
Em 1949, Le siège de Corinto foi finalmente revivida em uma produção estrelada por Renata Tebaldi em Florença . Essa produção foi repetida dois anos depois, em Roma. Em 1969, o La Scala a reviveu para o centenário Rossini com a jovem Beverly Sills , em sua estréia no La Scala, como Pamira, e Marilyn Horne como Néocle( em travesti), tendo Thomas Schippers como condutor, que chegou a dizer que foi uma produção híbrida, 80%Nápoles, 20% Paris.

Em 1975, o Metropolitan Opera usou a versão do La Scala para a estréia da ópera dos Estados Unidos. A produção do Met foi conduzida por Schippers novamente e estrelou Beverly Sills em sua estréia no Met, com Shirley Verrett , Justino Díaz e Harry Theyard .

Desde 1975, a única produção da ópera nos EUA foi a encenação em 2006 da versão francesa do Baltimore Opera , em meados do século 19 com re-tradução de volta para o italiano, com uma ária interpolada vinda das versões de Maometto II e de Ciro em Babilonia que Elizabeth Futral cantou como Pamira e Viveca Geneaux como Néocle.

Fora dos EUA, a ópera foi encenada várias vezes. Foi produzida em Florença em 1982 no libretto de Calisto Bassi numa versão italiana, estrelada por Katia Ricciarelli com Martine Dupuy cantando o papel de Néocle (em vez de um tenor), e sob a direção de Pier Luigi Pizzi . A mesma produção foi dada em Gênova , onde a versão francesa original foi produzida em 1992, estrelada por Luciana Serra .

Personagens:

Cléomène, governador de Corinto tenor
Pamira, sua filha soprano
Néoclès, um jovem oficial grego tenor
Maomé II baixo
Adraste tenor
Hieros baixo
Ismene meio-soprano
Omar tenor

Sinopse
Local: Corinto
Época: 1459

Ato I
Portal do Senado no palácio de Corinto

cenário do Ato I

Quando o 1º ato começa, Corinto está sendo atacada pelos turcos, liderados pelo seu Imperador Maometto.
Cleomene, o Governador de Corinto, pensa se as suas tropas conseguirão continuar a fazer-lhes frente. Um jovem oficial grego chamado Néocle afasta-os. Este fato faz o Governador ficar ainda mais feliz porque havia prometido a Neocle a sua filha, Pamira. Mas Pamira entra e, ao ouvir as novidades, diz a seu pai que prometeu se casar com outra pessoa, um homem chamado Almanzor.
Durante a batalha, Cleomene é capturado e levado perante o Chefe Turco, Maometto. Pamira corre a contar ao pai, e descobre que o homem que ama, Almanzor, é afinal de contas Maometto.
Maometto oferece-se para salvar os gregos se Pamira se casar com ele, mas Cleomene ordena a sua filha que se case Neocle. Pamira sente-se dividida entre os desejos de seu pai e o seu amor por Maometto. Acaba por escolher Maometto e o pai amaldiçoa-a.

AtoII
Tenda de Maometto

No 2º ato, Pamira está se preparando para o seu casamento com Maometto, o chefe dos Turcos, mas no fundo do coração ainda está hesitante entre o seu amor por este homem e o amor por seu pai e o chefe dos gregos. Os preparativos para o casamento são interrompidos por Neocle que a procura. Neocle chega com a noticia de que os gregos se recusaram a aceitar a oferta de paz de Maometto. Pamira liberta-o das ordens de Maometto, dizendo-lhe que ele é seu irmão. Mas quando vê que as mulheres gregas se juntaram aos homens para defenderem Corinto, Pamira lamenta ter de voltar as costas ao seu povo e escolhe morrer com eles. Maometto fica furioso e jura matar todos os gregos ao nascer do sol.

Ato III
Os túmulos de Corinto, iluminados por uma multidão de incêndios

O 3º ato inicia-se com Néocle descendo às catacumbas para se juntar aos gregos que se preparam para a batalha. Pamira e outras mulheres gregas rezam. Maometto oferece-se mais uma vez para casar-se com Pamira e fazer paz com os os gregos. Apesar de o ter amado, Pamira escolhe ficar com os seus compatriotas. Pamira e seu pai reconciliam-se e os gregos marcham para a batalha, deixando as mulheres a rezarem pedindo mesericórdia a Deus. Os Turcos ganham aos gregos. Maometto regressa para junto de Pamira, mas descobre que ela e as outras mulheres se mataram.

Gravações

1969 Franco Bonisolli , Beverly Sills , Marilyn Horne , Justino Díaz
Thomas Schippers , Teatro alla Scala Orquestra e Coro (gravação de uma performance da versão preparada por Schippers e Randolph Mickelson no La Scala, 14 de abril)

1975 Harry Theyard, Beverly Sills , Shirley Verrett , Justino Díaz
Thomas Schippers, Metropolitan Opera Orchestra e Coro (gravação de uma performance no Met dado em italiano em uma versão preparada por Thomas Schippers para La Scala, sob o título'' L'Assedio de Corinto'')

1992 Dano Raffanti, Luciana Serra, Maurizio Comencini, Marcello Lippi Paolo Olmi,
Orquestra e Coro do Teatro Carlo Felice , Genoa Audio CD: Nuova Era

2000 Stephen Mark Brown, Ruth Ann Swenson , Giuseppe Filianoti , Michele Pertusi
Maurizio Benini , Lyon Opéra National de Orquestra eo Coro de Câmara de Praga (gravação de uma performance em francês no Rossini Opera Festival , Pesaro, 05 de agosto)

37-Moïse et Pharaon, ou Le passage de la mer rouge
revisão de Mosè in Egitto - 1827

Moisés e o Faraó

Moïse et Pharaon ou Le Passage de la mer Rouge

Libretto- Luigi Balocchi e Victor-Joseph Étienne de Jouy , após o libreto de Mose em Egitto
Estreia- 26 de março de 1827
Local- Paris Opéra, Salle Le Peletier
opera, 4 atos

Moisés e o Faraó, ou "A passagem do Mar Vermelho" é uma ópera em quatro atos de Gioachino Rossini, com libretto de Etienne de Jouy , cuja estreia foi em 26 de março 1827 no Ópera de Paris, que é uma versão francesa da ópera de Mosè in Egitto , criada por Rossini para o Teatro San Carlo em Nápoles em 5 de março de 1818 sobre um libreto italiano de Andrea Leone Tottola tirado de uma tragédia de Francesco Ringhieri "L'Osiris" (1760 ).

Existem duas versões desta ópera. Em 1818, Rossini escreveu pela primeira vez com o nome de Mosè in Egitto , apresentada no Teatro San Carlo, em Nápoles, em 1818. A segunda versão, engrandecida pela Académie Royale de Paris de la Musique, em 1827, foi originalmente intitulada Moïse et Pharaon, ou Le Passage de la Mer Rouge. Os famosos cantores Adolphe Nourrit e Henri-Bernard Dabadie estavam no primeiro elenco parisiense. As apresentações iniciais no La Scala não foram particularmente bem sucedidas, mas houve performances subseqüentes no Covent Garden em 1850, sob o título de Zora e, dez anos mais tarde, na Academia de Música de Nova York.

A ópera de Rossini como Azione tragico-sacra , "Mosé em Egitto", foi realizada pela primeira vez no Teatro San Carlo em Nápoles em 5 de março de 1818, com um elenco envolvendo Isabella Colbran como Elcia, Andrea Nozzari como Osiride e Michele Benedetti como Mosé, três dos maiores cantores da época de Rossini. O público sofisticado napolitano apladiu a ópera na sua forma original, exceto para o curto ato final, o que representava a travessia do Mar Vermelho. Esta encenação parece ter provocado gritos de escárnio, e até mesmo a música de Rossini não pôde se livrar de um fiasco, pela ridicularização do cenário.

Quase exatamente um ano depois, em 7 de março de 1819, Rossini levou a ópera, ante ao mesmo público novamente, com duas alterações: ele omitiu a ária de Amaltea no segundo ato e reescreveu o terceiro ato. Com sua nova conclusão, cuja música contou com a Preghiera, "Dal tuo Stellato soglio", em última análise, representou uma das composições mais populares de Rossini, que fez o trabalho se espalhar para apresentações nas casas de teatro de toda a Europa. O Preghiera, é uma peça extremamente simples.

Sua beleza reside em uma melodia límpida em Sol menor, acompanhada por harpas e instrumentos de sopro. Cada uma das três estrofes paralelas, cantadas por sua vez por Moisés, Arão e Elcia, levam a uma cadência a uma resposta coral implorando piedade. A transformação do tema no final, agora com orquestra completa, é de um beleza muito além do que se possa aqui expressar.

Stendhal , que introduziu Rossini na França, disse que a oração de Moisés colocava os espectadores em tal estado, que muitas pessoas eram atendidas por médicos, de tal emoção. É esta a oração (a ária mais conhecida), que acompanhou o compositor quando na sua morte na Catedral de Santa Croce, em Florença, em 1887, quando seu corpo foi traladado de Paris, onde morreu 20 anos antes.

Chegando em Paris em 1824, em plena agitação romântica ( época que Eugène Delacroix, 1827, exibiu sua Morte de Sardanapalus, inspirado na peça de Lord Byron,1821), Rossini estava pronto para seduzir o público parisiense, amante da pompa, da solenidade vocal, do coral sinfônico, do balé. Através de seus milagres e desastres (no Ato I: chuva de fogo e transformação da pirâmide em vulcão, drenagem e divisão do mar por Moisés no IV ato final, sem omitir o ballet de Isis no III), o sucesso foi total, impondo o trabalho em diversos lugares.

Em 1827 Rossini revisou significativamente toda a ópera mais uma vez. Agora sob o título de "Moïse et Pharaon ou Le passage de la Mer Rouge" (logo encurtado simplesmente para "Moïse"), alcançou o palco do Opéra, em Paris, em 26 de marco de 1827 com grande sucesso. Esta revisão não era uma simples revisão de conveniência, motivado por uma prima donna exigente ou o capricho de um empresário, como talvez fora a anterior, mas era sim uma grande reavaliação da composição.

A ópera resultante gradualmente suplantou a original italiana, não só na França mas também, convertida em italiano depois, em outros centros europeus e na própria Itália. Livremente baseada no Êxodo do Egito dos israelitas, liderados por Moisés, foi apresentada agradávelmente ao palco através da introdução de um tema de amor, em que o filho Amenófis do Faraó (tenor) pretende impedir a ordem de seu pai com sua partida, pois ele ama a israelita Anaïs (soprano).Performances ocasionais de "Mosé em Egitto" foram documentadas durante a década de 1830. Na verdade, o teatro parisiense Théâtre-Italien continuou realizá-la em concorrência com o "Moïse" francês no Opéra.

E dizem que foi, a partir de uma série de apresentações no Thetre-Italien em 1832 (imaginativamente transportado para Veneza), que Balzac derivou material para a sua magnífica novela "Masimilla Doni", onde o capítulo III deste mesmo texto foi publicado em 1839, sob o título de "Une représentation du Mosè in Egitto de Rossini à Venise", com um preâmbulo sublinhando o papel que teve Stendhal para fazer o músico italiano ser conhecido na França. "Mosé em Egitto" foi esquecida e apenas a versão francesa "Moïse" que continuou a ser realizada. É uma das poucas óperas sérias de Rossini que nunca desapareceu completamente do repertório.

Rossini compôs a música considerando-a quase que nova, incluindo um ballet substancial, a ponto de justificar Moïse et Pharaon sendo vista como uma ópera separada ao lado da sua original de Nápoles. Riccardo Muti e muitos estudiosos consideram Moïse et Pharaon, juntamente com Guillaume Tell, entre as maiores conquistas de Rossini : "Eu a prefiro porque o próprio Rossini preferia," Muti, disse a jornalistas numa conferência de imprensa em Salzburgo em 2010. "Não me entenda mal. Mosè in Egitto é uma ópera maravilhosa, mas continua a ser muito mais um mero esboço para Moïse et Pharaon. E não sou só eu quem diz isso, mas o próprio grande Rossini ".

A ópera de 1818 abre com um palco escuro pela praga da escuridão que é dissipada pela oração de Moisés, e termina com o espetáculo da divisão do Mar Vermelho e do afogamento do exército de Faraó, que na sua estreia foi ridicularizada pelos problemas dos cenários, e mesmo a ópera não superando suas falhas técnicas, foi um sucesso. Anunciada em 1818 como um "azione tragico-sacra" , o drama sagrado, com algumas características do oratório, foi assim contornada pelas proscrições de performances dramáticas seculares durante a Quaresma .

Na revisão de 1819, introduziu a ária da oração de Moisés "Dal tuo Stellato soglio", que se tornou uma das peças de ópera mais populares do dia, e inspirou um conjunto de variações para violino e piano de Niccolò Paganini , sobrevivendo para ser ouvida em concertos.

O Público de Paris já tinha visto este trabalho - tanto em uma apresentação da Ópera de Paris , no Théâtre de l'Académie Royale de Musique e no Théâtre des Italiens - antes de Rossini revisar novamente, em 1827 e desta vez marcada, para a Ópera de Paris. Agora estendida em quatro atos, estreou em 26 de março de 1827, sob o título Moïse et Pharaon, ou Le Passage de la Mer Rouge, como já foi dito no início.

Moïse et Pharaon teve a colaboração de Victor-Etienne-Joseph de Jouy para escrever o iibretto, ajudado por Luigi Balocchi, e logicamente baseado no original de Tottola, mas destinado a ter mais sucesso no Opéra. Alguns nomes da trama foram trocados , surgem personagens novos, a ópera passa a ter 4 atos, uma música nova foi incorporada a já outra existente, balés entraram no 3º ato. Um número de estudiosos que acompanharam a campanha egípcia de Napoleão foram consultados para criar os sets e cenários.
Esta segunda ópera de Paris representa mais um passo de Rossini para sua quarta e última ópera da capital francesa, Guillaume Tell (Guilherme Tell).

Poucos meses depois de sua estreia em Paris, esta ópera foi cantada em forma de concerto em Roma e retraduzida para o italiano por Calisto Bassa.

Numa produção brilhante de Moshe Leiser e Patrice Caurier de Mose em Egitto no Opera de Zuriquem cuja produção inteligentemente transpôs a ópera para o presente, com alusões a terroristas palestinos, e outras referências contemporâneas. Mose em Egitto foi realizada pelo New York City Opera , em abril de 2013.

Personagens:

Mosè / Moïse ( Moisés ) baixo
Faraone / Pharaon ( Faraó ) baixo
Amaltea / Sinaide, sua esposa soprano
Osiride / Amenófis, seu filho tenor
Elcia / Anai, uma mulher hebraica soprano
Aronne / Elézer ( Aaron ) tenor
Amenofi / Marie ( Miriam ), irmã de Moisés meio-soprano
Mambre / Aufide, um sacerdote tenor Gaetano Chizzola
(Sem papel) / Osiride, o Sumo Sacerdote baixo
(Sem papel) / A voz misteriosa baixo

Sinopse:

Ato I

O acampamento dos israelitas no Egito .

O coro dos israelitas pede para que eles sejam libertados da escravidão. Moisés implora para ter fé em Deus. Seu irmão pleitea seu caso ao Faraó, e é acompanhado pela irmã de Moisés e sua sobrinha, Anaïs, por quem Amenhotep (filho do Faraó) está apaixonado. Os israelitas são libertados, mas Anais se recusa a seguir: ela adora Amenhotep. Mas sente que não pode ficar com o faraó Amenhotep e ameaça reverter sua decisão. Moisés ameaça transformar o Egito pela vingança divina, levantando a vara para o céu e a noite cai sobre o Egito.

Ato II

No palácio do Faraó.

Sinaïde (Anaïs), o faraó e Amenhotep, acompanhados por um coro, lamentam a noite em que o Egito está mergulhado. O Faraó chama Moisés para que ele possa trazer novamente a luz com a sua vara, o que ele obedece. Amenhotep descobre que seu pai lhe deu em casamento a uma princesa assíria. Tomado de um terrível raiva e dor, e louco pela ideia de escapar com Anaïs, Amenhotep planeja matar Moisés.

Ato III

O templo de Isis.

O balé dos egípcios em honra de sua deusa.

Moisés está exigindo a libertação de seu povo prometido pelo faraó, mas o Sumo Sacerdote Osíris exige que Moisés preste reverência a Isis antes de os israelitas sairem. Moisés se recusa e os israelitas são presos em cadeias.

Ato IV

Os hebreus no deserto.

Amenhotep liberta Anai e a ingressa em segredo: ele está disposto a renunciar de seu futuro como faraó se ela concordar em casar com ele. Mas como Moisés conduz o seu povo, Anais fica obrigada a segui-lo. E, apesar dos apelos de Aménophs, seguidos da pressão de Moisés, ela flexiona para este guiá-la. Ela avisa que o exército de Faraó está perseguindo os israelitas, que estão agora triunfante liderados por Moisés que atravessam o Mar Vermelho, enquanto os homens do Faraó são afogados.

Gravações:
1956-( Phillips )Rossi- Lemeni, Raddei, Mancini, Rizzoli, Filipeschi, Danieli/Tulio Serafin( em italiano);
1968-( Frequenz)- Ghiarov, Petri, Zylis-Gara, Varret/Wolfgang Sawallisch(em francês);
1982-Mose in Egitto ( Philips ): Ruggero Raimondi , June Anderson , Ernesto Palacio , Siegmund Nimsgern , regência Claudio Scimone;
1987 Ruggero Raimondi , Salvatore Fisichella , junho Anderson , Siegmund Nimsgern,Claudio Scimone , Philharmonia Orchestra eo ambrosiano Opera Chorus
1993 Roberto Scandiuzzi, Ezio Di Cesare, Mariella Devia , Michele Pertusi

Moise (versão francesa), sob a direção de Lamberto Gardelli com Magda Calmar , Josef Gregor ( Hungaroton ): Esta gravação omite o ballet no terceiro ato e o dueto entre o Faraó e seu filho;

Moise (versão francesa), dirigido por Yves Abel em Pesaro Festival com Michele Pertusi (gravação difícil de encontrar e tem uma oração adicional no final do último ato, abolida por Rossini, no último momento);

Moise (versão francesa), dirigido por Tullio Serafin com Nicola Rossi-Lemeni : Esta versão inclui muitos cortes.
Moise (versão francesa), dirigido por Wolfgang Sawallisch com Ruggero Raimondi : também inclui cortes.
Moise (versão francesa DVD) dirigido por Riccardo Muti , por ocasião da abertura da temporada do La Scala em 2003.

Salvatore Accardo, Teatro San Carlo di Napoli Orquestra e Coro (gravações de áudio e vídeo de uma performance (ou performances), no Teatro San Carlo di Napoli)

1999-Gioachino Rossini: Moïse et Pharaon (3CD, Rossini Opera Festival,

Michele Pertusi (Moïse), Eldar Aliev (Pharaon), Charles Workman (Aménophis), Luigi Petroni (Eliézer), Riccardo Ferrari (Osiride), Cesare Catani (Aufide), Mariana Pentcheva (Sinaïde), Elizabeth Norberg-Schulz (Anaï), Enkelejda Shkosa (Marie), Coro da Camera di Praga, Lubomír Mátl (Chm.), Orchestra del Teatro Comunale di Bologna, Wladimir Jurowski (Cond.)

38-Le comte Ory - 1828
Le Comte Ory

Libretto- Eugène Scribe and Charles-Gaspard Delestre-Poirson
Estreia- 20 de agosto de 1828
Local- Paris Opéra, Salle Le Peletier
ópera(ópera cômica), 2 atos

Le Comte Ory é uma ópera escrita por Gioachino Rossini em 1828, com um libreto francês feito por Eugène Scribe e Charles-Gaspard Delestre-Poirson adaptado de uma comédia que tinha sido escrito pela primeira vez em 1817. Ao lado de números novos, Rossini reaproveitou a música de Viaggio a Rheims.

Após o enorme êxito de Moïse em Paris, Rossini começou a trabalhar numa comédia ligeira no estilo francês, apesar da morte de sua mãe que ele adorava. Os libretistas remanejaram um 'vaudeville' que haviam escrito doze anos antes, a partir de uma balada sobre os Cruzados da Picardia, compilada por Antoine de la Place numa antologia de poesia publicada em 1785. Daí duplicaram a sua duração no acréscimo ao primeiro ato e o resultado foi muito admirado, especialmente na França onde compositores, como Berlioz que nunca teve complacência com Rossini, fizeram elogios à ópera.

O trabalho mostra-se ostensivamente como uma ópera cômica, em que a história é bem-humorada, sendo mesmo uma farsa. No entanto, foi concebido para ser apresentado no Opéra, em vez de ser para o Théatre de l'Opéra-Comique e há inconsistências estruturais com o conceito contemporâneo do gênero de 'opéra comique': enquanto o segundo é composto de números líricos relativamente curtos e de diálogo falado, a ópera Le Comte Ory consiste em números líricos altamente desenvolvidos, as formas musicais ainda enormes ligadas por acompanhamento recitativo. Embora a ópera contenha algumas das escrita orquestrais mais coloridas de Rossini, a breve abertura é estranhamente contida e modesto, terminando com um sussurro de cordas em 'pizzicato'.

Rossini ainda estava nos ensaios de Moïse quando recebeu a notícia da morte de sua mãe e o compositor convenceu seu pai de ir morar com ele em Paris. A essa altura, já tinha assinado o contrato de Guilherme Tell para o Opéra, mas antes ainda fez a comédia Cinte d'Ory que foi um sucesso muito grande, prova de que Rossini sabia assimilar o gosto do novo público para qual dirigia esta ópera. Ele sabia perfeitamente para que lado o vento soprava e as mudanças que sentia estarem no caminho provavelmente explicam o fato de ele ter encerrado a carreira operística tão cedo. Mas ele sabia também que depois de Le conte d'Ory, todos estariam esperando 'a grande ópera francesa' que estava devendo a esse público.

Le conte d'Ory foi realizada pela primeira vez em 20 de agosto de 1828 na Salle Le Peletier pela Ópera de Paris. Foi dada em Londres no King's Theatre, em italiano, em 28 de fevereiro de 1829, em Nova Orleans, no Théâtre d'Orléans em 16 de dezembro 1830 e em Nova York, em 22 de agosto de 1831.

A ópera foi realizada com pouca freqüência e, entre 2005 e 2009, situa-se com 16 desempenhos conforme listado na Operabase. Esse número foi aumentado em abril de 2011, quando recebeu sua estréia no Metropolitan Opera, em Nova Iorque. O elenco incluiu Juan Diego Florez , Diana Damrau e Joyce DiDonato, cantando em uma nova produçãodirigida por Bartlett Sher. Em 2013, a produção foi retomada com Diego Florez repetindo seu papel, mas com um elenco de apoio diferente.

Le Conte d'Ory ocupa posição histórica muito significativa pois ao mesmo tempo que se enraíza no legadao mozartiano (no que a ópera clássica tem de mais nobre), aponta para o futuro, para a leveza do teatro das operetas.

Algumas das músicas originais de sua ópera Il viaggio a Reims, escrita três anos antes, na época da da coroação de Charles X . Algumas das músicas originais de sua ópera Il viaggio a Reims, escrita três anos antes, na época da da coroação de Charles X .

Personagens:

Conde Ory tenor
Tutor barítono
Isolier mezzo-soprano ( en travesti )
Raimbaud barítono
La Comtesse Adèle soprano coloratura
Ragonde meio-soprano
Alice
1 Cavaleiro tenor
2 Cavaleiro tenor
3 Cavaleiro barítono
4 Cavaleiro barítono
Coro dos homens de Ory, senhoras, cruzados, os camponeses

Sinopse

Época: Cerca de 1200, durante as Cruzadas
Local: Touraine

Ato I

Tendo deixado a Terra Santa para lutar nas Cruzadas, o Conde de Formoutiers e seus homens deixam para trás sua irmã, Adele, e sua companheira Ragonde, dentro do castelo. O jovem conde Ory, que arde de desejo por Adele, decide tirar proveito da situação. Ele se disfarça como um eremita com o seu amigo, Raimbaud, entram no castelo para anunciar que o eremita vai dar conselhos sobre assuntos do coração.

Uma por uma, as mulheres que ficaram sozinhas no castelo, enquanto seus maridos e amantes estão longe, visitam e recebem as bênçãos do eremita que passou a residir perto do portão do castelo. Ragonde chega e fala para o eremita. Ela diz que as mulheres do castelo fizeram votos de viver como viúvas, mas a Condessa Adele continua deprimida e melancólica. Antes de sair, Ragonde informa ao eremita que Adele virá visitá-lo em breve, e Conde Ory mal consegue conter sua excitação.

Momentos depois, Isolier, págem de Ory, chega com o tutor de Ory, que está a sua procura pelo seu desaparecimento. Embora Isolier se deixa enganar pelo disfarce do Conde Ory, o tutor permanece desconfiado e o deixa para recuperar reforços. Enquanto o tutor está longe, Isolier confia ao eremita que ele está apaixonado pela Condessa Adele. Após detalhar um plano para entrar no castelo disfarçado de peregrino, o eremita concorda em ajudar Isolier.

No entanto, o Conde Ory está determinado a roubar o plano de Isolier a seu favor. Quando Adele pede conselhos ao eremita, ela fica chocada ao descobrir que sua receita é ter um caso e apaixonar-se. Ela confessa que tem sentimentos por Isolier, mas o ermitão é rápido para avisá-la para ficar longe deste jovem. Após a discussão, Adele convida o eremita a ir ao seu castelo, grata por seu conselho.

Quando eles estão fazendo o caminho para o castelo, o tutor retorna e desmascara o Conde Ory disfarçado. Adele, Isolier, e os outros não podem acreditar com seus olhos, pensando as piores coisas deste COnde Ory. Depois, chega uma notícia que os soldados vão voltar para casa da Cruzada dentro de dois dias, e Ory começa a elaboração de um plano de cerco ao castelo antes de ir embora.

Ato II

Mais tarde, as mulheres do castelo discutem a audácia do Conde Ory. Em meio ao trovejar de uma tempestade, ouvem-se pergrinos entoando seus cânticos e gritos que são ouvidos vindo de fora das muralhas do castelo. Adele e as mulheres vêem queé um grupo de freiras peregrinas que estão correndo em direção ao castelo. As freiras dizem que estão fugindo do perverso Ory. No entanto, as freiras são realmente Ory e os seus homens, disfarçados de novo. Adele não pode recusar a hospitalidade, e quando Ory (a madre superiora) encontra-se com Adele sozinha e mostra-lhe sua gratidão, mantendo a compostura. Antes de sair, ela lhe diz que uma refeição está preparada para os seus hóspedes. Enquanto isso, o amigo de Ory, Raimbaud, encontra a adega do castelo. Depois de despejar grandes quantidades de vinho para seus semelhantes, eles começam a ficar um pouco turbulentos, especialmente quando Ragonde passa. Aí, eless fingem cantando hinos. A madre superiora confidencia a Adele que o conde Ory, segundo os boatos, está apaixonado por ela, o que a deixa indignada.

Isolier denuncia os truques de Ory e revela sua identidade para Adele. Eles elabora um plano para enganar Ory desta vez. Chega a notícia que os homens voltarão da Cruzada naquela noite, mais cedo do que o esperado. Depois que todo mundo vai dormir, Isolier esconde-se no quarto e apaga todas as luzes de vela. Ory, que percebe que suas chances com a condessa estão se tornando muito frágeis, corre para o quarto de Adele esperando apenas roubar alguns beijos. Mas , no escuro, suas declarações são intwerceptadas por Isolier. De repente, trombetas tocam, como sinalização da chegada dos homens no castelo. Naquele momento, Isolier revela sua identidade para Ory e este cheio de medo, só pode escapar pela noite.

A ópera termina com o retorno dos Cruzados.

Gravações

1956 Juan Oncina
Sari Barabas
Cora Canne-Meijer, Monica Sinclair, Michel Roux, Ian Wallace
Vittorio Gui
Glyndebourne Festival Orchestra e Coro

1959 Michel Sénéchal
Sari Barabas, Cora Canne-Meijer, Monica Sinclair, Robert Massard
Vittorio Gui
Orquestra e Coro da RAI de Torino Audio CD: Arkadia

1979 Rockwell Blake
Ashley Putnam, Faith Esham, Jane Shaulis David Holloway Imre Pallo
Opera Orchestra de Nova York e Coro
(gravação ao vivo de uma apresentação no New York City Opera, Setembro)

1988 John Aler, Sumi Jo ,
Diana Montague, Raquel Pierotti, Gino Quilico,
Gilles Cachemaille John Eliot Gardiner, Orchestre et choeur de l'Opéra de Lyon

1995 William Matteuzzi, Sumi Jo,
Marie-Ange Todorovitch, Nadine Chery, Jean-Luc Chaignaud, Gregory Reinhart
Evelino Pidò
Orchestre Européen du Festival
Choeur du Festival, Aix-en-Provence
(gravação de TV do Festival d'Aix-en-Provence , julho de 1995)
Palco dirigido por Marcel Maréchal Transmissão ao vivo de TV ( France 2 )

1997 Marc Laho, Annick Massis,
Diana Montague, Jane Shaulis, Ludovic Tezier, Julien Robbins, Andrew Davis ,
Orquestra Filarmônica de Londres e a Glyndebourne Festival Chorus
(gravação de vídeo de uma performance no Festival de Glyndebourne, julho)
palco dirigido por Jérôme Savary

2002 Huw Rhys-Evans, Linda Gerrard, Luisa Islam-Ali-Zade,
Luca Salsi, Gloria Montanari, Wojtek Gierlach, Brad Cohen,
Czech Chamber Soloits, Brno
Czech Philharmonic Choir, Brno
(gravação ao vivo de Rossini em Wildbad , julho)

2003 Juan Diego Flórez, Stefania Bonfadelli, Marie-Ange Todorovitch ,
Bruno Praticò, Marina De Liso, Alastair Miles,
Jesús López Cobos
Orquestra de Teatro Comunale di Bologna
Coro da Camera di Praga (chorus master: Lubomír Mátl
(gravação ao vivo no Teatro Rossini, a partir de Rossini Opera Festival , Pesaro , 10,13,16,19, 22 de agosto,

2011 Juan Diego Flórez Diana Damrau
Joyce DiDonato,Stéphane Degout, Susanne Resmark, Michele Pertusi,
Maurizio Benini
Metropolitan Opera Orchestra e Coro
Palco dirigido por Bartlett Sher
(HD Live de The Metropolitan Opera , 9 Abril 2011)

https://www.youtube.com/watch?v=F3_zvRyjors

39-Guillaume Tell (opera) -1829

Guilherme Tell (ópera)
Libretto- Victor-Joseph-Etienne de Jouy, Hippolyte-Louis-Florent Bis e Armand Marrast, depois de Friedrich Schiller
Estreia- 03 de agosto de 1829
Local- Paris Opéra, Salle Le Peletier
ópera, 4 atos

Guilherme Tell ( francês : Guillaume Tell , italiano : Guglielmo Tell ) é uma ópera em quatro atos de Gioachino Rossini , com um libreto francês de Étienne de Jouy e Hippolyte Bis, com base na peça de Friedrich Schiller "Guilherme Tell", esta estreada em Weimar m 17 de março de 1807, que teve por fonte básica a lenda de Guilherme Tell, a qual, segundo historiadores do século XIX, realmente o personagem nunca existiu. Entretanto, esta lenda atraiu muitos compositores desde o fim do século XVIII, como em 1791 ( André Gretry- opéra comique), 1795 (Bernhard A. Weber- singspiel), 1796 (Benjamin Carr- ballad-opera), 1797 (Baillou- opéra-comique).

Para esta 'grande ópera francesa' de Rossini, o dramaturgo Augustin Eugène Scribe lhe propôs dois libretos que ele recusou, os quais foram aproveitados, mais tarde, em óperas famosas de Halévy e Verdi. Rossini preferiu a sugestão de Victor-Joseph Étienne de Jouy, que já trabalhara com ele em Moïse et Pharaon, para basear o libreto na peça de Fiedrich von Schiller, Wilhelm Tell. Mas, depois de pronto, o libreto de Jouy ficou sendo longo demais, com mais de 700 versos e assim foi necessário condensá-lo, e este trabalho coube a Hippolite-Louis-Florent Bis que praticamente o reescreveu todo e, mesmo assim, Rossini ainda queria algumas modificações, pedindo ajuda a Armand Marrast e a Adolphe Crémieux.

Os libretistas se concentraram na idéia básica da conspiração e, desde o início da ópera, o personagem central é mostrado com o um dissidente e assim, devido ao seu conteúdo político, teve sérios problemas com a censura. Portanto, em diversos teatros, o libreto sofreu cortes, adaptações e até mudança de título, como aconteceu na Itália e Inglaterra.

Charles Malherbe, arquivista do Ópera de Paris, descobriu a partitura original orquestral da ópera no livro de uma loja de vendas de segunda mão, resultando na sua aquisição pelo Conservatório de Paris.

A ópera foi realizada pela primeira vez pelo Paris Opéra, na Salle Le Peletier, em 3 de agosto de 1829, mas a plateia reagiu apenas de forma educada, diante de uma ópera longuíssima de 4 atos e de formas inovadoras, mal compreendidas por já ser num estilo romântico. Entretanto, a opinião crítica foi extremamente favorável. E depois de algumas semanas, a situação da plateia foi melhorando, e até mesmo uma serenata embaixo das janelas de Rossini foi entoada pelos assíduos espectadores.

Interessante, é que o rei Carlos X, que deveria ser contra a ela por denunciar a tirania, conferiu a Rossini o título da Legión d'Honneuer por esta ópera. Bom, mas logo após a primeira récita começaram os cortes para dar ao público um tamanho mais aceitável e por volta de 1831 a ópera já tinha sido encurtada para 3 atos.

Na Itália, porque o trabalho glorificava uma figura revolucionária contra a autoridade, a ópera encontrou dificuldades com a censura italiana, e o número de produções na Itália foi limitado. O Teatro San Carlo produziu a ópera em 1833, mas depois não deu outra produção por cerca de 50 anos. A primeira produção em Veneza, no Teatro La Fenice, não foi feita até 1856. Por outro lado, em Viena , apesar de problemas de censura, o Vienna Court Opera deu 422 performances ao longo dos anos 1830-1907.

A ópera foi dada pela primeira vez em em Drury Lane, em Londres em 1º de maio de 1830 (em inglês), com uma produção seguinte em italiano em 1839 no Her Majesty's , e em francês no Covent Garden em 1845. Em Nova York, William Tell foi apresentada pela primeira vez em 19 de setembro de 1831 e revivida no Metropolitan Opera, em 1923, com Ponselle e Martinelli , e durante a década de 1930 apresentada em Milão, Roma, Paris, Berlim e Florença. Quando a ópera foi realizada no Gran Teatre del Liceu (Barcelona) em 1893, um anarquista jogou duas bombas de Orsini no teatro.

No final do século 20 houve grandes produções em Florença (1972), Genebra (1979, 1991), La Scala (1988), Théâtre des Champs-Élysées (1989), Covent Garden (1990), e, em seguida, Opéra Bastille (2003). Em 2010, houve um importante renascimento da ópera, quando se abriu a Accademia Nazionale di Santa Cecilia numa temporada, com Antonio Pappano. Este desempenho foi da versão francesa, com alguns cortes, particularmente o quarto ato (que Pappano observou que havia sido aprovado pelo próprio Rossini).

Uma gravação ao vivo deste concerto foi lançada em 2011, e a produção foi transferida para o The Proms , em julho do mesmo ano, com Michele Pertusi assumindo o papel título, Patricia Bardon como Hedwige, Nicolas Courjal como Gessler, e Mark Stone como Leuthold . O desempenho foi muito bem comentado, e marcou a primeira apresentação completa do trabalho na história do Proms.

Hoje, a ópera é lembrada principalmente por sua famosa abertura. O final com a "Marcha dos soldados suíços," está particularmente familiarizado com seu uso na rádio americana e noprogramas de televisão de "The Lone Ranger" . Várias partes de a abertura foram usadas com destaque nos filmes de "A Laranja Mecânica" e "The Eagle Shooting Heroes (filme Hong-Kong) , e além disso, Dmitri Shostakovich cita o tema principal do final do primeiro movimento de sua sinfonia nº15 .

A abertura tem quatro partes, cada uma ligada a outra:
O Prelude (Dawn) é escrita apenas para o cello (incluindo peças para cinco solistas), os contrabaixos , e os tímpanos , em um ritmo lento e, em Mi maior .
A Tempestade é uma seção dinâmica tocada pela orquestra completa, com a força dos trombones, em Mi menor .
O Ranz des Vaches , apresenta o corne inglês e a flauta, em Sol maior .
O Finale (Marcha dos soldados suíços) é uma "carga de cavalaria" ultra-dinâmica do galope anunciado por cornes e trombetas , e é tocada pela orquestra completa em Mi maior .

O empenho com que Rossini se dedicou a esta ópera já fica evidente pela sua abertura, que obteve uma projeção mundial, e fascina porque num primeiro momento traduz a atmosfera tranquila da calma alpina, com uma belíssima passagem para o violoncelo, que Rossini ao compô-la deve ter se lembrado dos seus dias como estudante desse instrumento no Conservatório de Bolonha.

À calma segue-se uma tempestade para depois entrar no clima dos pastores dos alpes suíços dirigindo seus animais para o pasto, seguido de uma passagem que representa a insurgência dos suíços contra o opressor austríaco na seção final iniciado pelas trombetas. A Abertura de Guilherme Tell causou tanto impacto que se tornou mais importante do que a própria ópera. Apesar disso, a ópera é boa demais para ser lembrada apenas pela famosa Abertura.

Uma curiosidade vem a calhar: para que serviam, originalmente as Aberturas? Naqueles tempos a Abertura era o sinal que os ouvintes deveriam se sentar e ficar calados. Ao invéz do silêncio com que hoje se faz desde o início da ópera, naqueles tempos era o sinal para que todos se sentassem porque, logo a seguir, o espetáculo seria iniciado. A abertura de Guilherme Tell é de tirar o fôlego e não dá para conversar...

Personagens:

Guillaume Tell barítono
Hedwige, sua esposa meio-soprano
Jemmy, seu filho soprano
Mathilde, uma princesa de Habsburgo soprano
Arnold Melchtal tenor
Melchtal, seu pai baixo
Gesler , o governador austríaco dos cantões de Uri e Schwyz baixo
Walter Furst baixo
Ruodi, um pescador tenor
Leuthold, um pastor baixo
Rodolphe, o capitão da guarda de Gesler tenor
Um caçador barítono
Camponeses, pastores, cavaleiros, págens, senhoras, soldados, casais de noiva

Sinopse:

Local: Áustria ocupada Suíça
Época: século 13

Arnold, patriota suiço e filho do venerável chefe Melchtal, salva do afogamento Mathilde, irmã do tirano austríaco Gessler. Arnold e Mathilde se apaixonam.

Ato 1
Às margens do Lago de Lucerna , em Bürglen no cantão de Uri

É o dia do Festival Pastoril, em maio, perto do Lago Lucerna. A ação abre uma cena idílica, com os camponeses locais ocupados preparando os chalés para três casais recém casados, cantando enquanto trabalham ( (Quel jour serein le ciel présage - "O que um dia sereno o céu anuncia"). O pescador, Ruodi, canta uma canção de amor suave de seu barco (para acompanhamento orquestral das harpas e flautas). Guilherme Tell se destaca da alegria geral, porque está consumido de tristeza e revolta pela continua opressão do governo austríaco à Suíça ( Il chante, et l'Helvétie pleure sa liberté - "Ele canta, e Helvetia lamenta sua liberdade"). Sua esposa e filho adicionam a sua própria interpretação da canção de Ruodi, pressagiando um drama.

As atividades são interrompidas por uma melodia que traduz a 'ranz des vaches' retumbante vinda das colinas (muitas vezes realizada por cornes fora do palco, e ecoando no tema na abertura da ópera). Os chifres, cornes, também sinalizam a chegada de Melchthal, um ancião respeitado do cantão.

Ele é persuadido por Hedwige para abençoar os casais na festa. No entanto, o filho Arnold, embora em idade de casar, não está participando e está evidentemente desconfortável. Todo o elenco no palco canta em comemoração ( Célebrons tous en ce beau jour, le travail, l'hymen et l'amour - "Vamos todos celebrar, neste glorioso dia, o trabalho, o casamento e o amor"). Tell convida Melchthal em seu chalé, mas antes Melchthal repreende seu filho por seu fracasso em se casar.

A repreensão de seu pai, provoca uma onda de desespero em Arnold: em seu recitativo se entende de seu serviço anterior nas forças dos governantes austríacos, o resgate de Mathilde de uma avalanche, e o conflito entre seu amor por ela e sua vergonha em servir o "O pérfido poder ". Os cornes em fanfarras anunciam a aproximação do Gesler, o governador austríaco, que os suíços detestam , e sua comitiva.

Arnold se afasta para saudar a sua chegada, e como Mathilde irá acompanhá-los, é interrompido por Tell. Indagando aonde Arnold está indo, Tell o convence a pensar em se juntar à rebelião planejada contra o governador. O dueto expressivo em que isso acontece mostra a tensão que Arnold sente entre seu amor por Mathilde e o da "pátria" ( Ah! Mathilde, idole de mon âme!...Ô ma patrie, mon cœur te sacrifie... - " Ah, Mathilde, ídolo de minha alma ... Ó minha pátria, o meu coração se sacrifica para você ... "). Até o final, Arnold está preparado para enfrentar Gesler no momento em que ele chega. Tell o convence de, pelo menos, deixar passar a festa em paz, mas sabe que ele ganhou um convertido à causa da liberdade.

Os moradores, em seguida, retoma Melchthal para abençoar os casais. A bênção é seguida por canto, dança e um concurso de arco e flecha que o jovem filho do Tell, Jemmy ganha com o seu primeiro tiro, um resultado de sua "herança paterna". É Jemmy que percebe a abordagem apressada do pálido, trêmulo e ferido pastor Leuthold, que matou um dos soldados de Gesler para defender sua filha e está fugindo das forças do governador. Ele tenta fugir para a margem oposta, mas Ruodi recusa-se a levá-lo em seu barco, temendo ser impossível chegar à margem oposta por causa das suas rochas. E também prenuncia uma tempestade que colocará em risco quem se atirar ao mar.

Tell retorna a procura de Arnold que na mesma hora partiu ao ver a abordagem dos soldados, pedindo o sangue de Leuthold. Tell pega Leuthold de dentro do barco e tira-o da água. Os guardas de Gesler chegam, liderados por Rodolphe, que fica ainda mais indignado com as orações dos moradores e a alegria evidente na fuga. Melchthal apela para os moradores não contarem a Rodolphe quem foi que ajudou Leuthold, e é feito prisioneiro pelos guardas. Rodolphe e os soldados fazem promessas de retribuição ( Que du ravage, que du pillage sur ce rivage pèse l'horreur! ). Tell diz a família e aos amigos que se consolem porque com suas habilidades como um arqueiro, certamente irá salvá-los.

Ato2

Nas alturas de Rütli , com vista para o lago e os cantões

Numa festa ouve-se o som dos pastores que regressavam das colinas quando a noite se aproxima. Mathilde acha que ela vislumbrou Arnold nas proximidades. Ela, como Arnold, está angustiada com o amor que sente por seu salvador, e contempla com uma canção ( Sombre forêt, désert triste et sauvage - "floresta sombria, triste e deserto selvagem"). Arnold aparece, e cada um confessa ao outro o seu desejo para este encontro.

Em seu dueto ( Oui, vous l'arrachez à mon âme - "Sim, você torceu minha alma"), eles reconhecem a sua paixão mútua, mas também os obstáculos que enfrentam. Pedindo-lhe para "voltar aos campos de glória", Mathilde lhe assegura a sua eventual aceitação, e deixa-o ao ver a aproximação de Tell e Walter.

Eles questionam Arnold por que ele ama Mathilde, um membro dos austríacos opressores. Arnold, ofendido por ser sido espionado, declara a sua intenção de continuar a lutar para os austríacos, e, assim, ganhar a glória, em vez de liberdade. No entanto, quando Walter diz que Gesler executou seu pai Melchthal, Arnold jura vingança ( Qu'entends-je? ô crime! - "! O que eu ouço ó crime").

Como os três homens afirmam a sua dedicação - "a independência ou morte" - ouvem o som de alguém se aproximando. São os homens do cantão de Unterwalden vindo para se juntar à luta, e descrevendo sua viagem em um refrão bastante suave ( Nous avons su braver ). Em rápida sucessão, eles são unidos pelos homens de Schwyz ( En ces temps de malheurs ) e Uri ( Guillaume, tu le vois ).

O encontro está completo, e o tom e o ritmo do final aumenta à medida que os homens dos três cantões afirmam a sua vontade de lutar ou morrer pela liberdade da Suíça ( Jurons, jurons par nos dangers - "Vamos jurar, vamos jurar por nossos perigos "). Planos são feitos para armar os cantões e subir quando "as balizas de vingança queimarem".

Ato3

Cena 1: A capela em ruínas e deserta do palácio em Altdorf

Arnold chegou a dizer a Mathilde que está decidido para vingar seu pai, e renunciando, assim, tanto a glória e como a ela. Quando ele lhe diz que Gesler executou seu pai, ela denuncia o crime, e reconhece a impossibilidade de seu amor ( Pour notre amour, plus d'espérance- "Toda a esperança para o nosso amor se foi"). Ouvindo os preparativos para o festival que vêm dos jardins do palácio, eles dão um adeus afeiçoado um ao outro ( Sur la rive étrangère - "Ainda sobre a terra estrangeira").

Cena 2: A praça principal em Altdorf

O dia é o centenário ano do domínio austríaco na Suíça. Os soldados cantam as glórias do Gesler e do Imperador. Em comemoração, Gesler teve seu chapéu colocado em cima de um poste e os suíços são ordenados e, em seguida, forçados a prestar homenagem ao chapéu. Gesler ordena que deveriam estar dançando e cantando para marcar o século durante o qual o império "se dignou a sustentar a fraqueza da Suíça", e uma variedade de danças e refrões vêm a seguir.

Os soldados notaram Tell e seu filho no meio da multidão, recusando-se a prestar homenagem ao chapéu, e arrastá-os para a frente. Rodolphe reconhece-o como o homem que ajudou na fuga de Leuthold e ordena sua prisão. Em um coro e quarteto, os soldados expressam sua hesitação em prender este famoso arqueiro (C'est là cet archer redoutable - "Este é o temível arqueiro"), Gesler os obriga a agir, e Tell exorta Jemmy a fugir, mas ele prefere ficar com o pai.

Gesler percebe o carinho de Tell por seu filho, e Jemmy fica preso. Inspirado, ele inventa o seu teste: Tell deve atirar uma flecha através de uma maçã equilibrada na cabeça de Jemmy. Se ele recusar, ambos morrerão. Os suíços reunidos ficam horrorizados com esta crueldade, mas Jemmy pede ao pai a coragem, e se recusa a ser amarrado para o desafio.

Resignado, Tell recupera seu arco dos soldados, mas tendo duas flechas na cesta, esconde uma delas. Ele canta uma ária angustiada ao Jemmy, instruindo-o ( Sois immobile - "Fique completamente imóvel"), e os dois se separam. Finalmente, Tell arma seu arco, atira, e a flecha atravessa a maçã e estaca o jogo. O povo aclama sua vitória, e Gesler está enfurecido. Percebendo a segunda flecha, ele exige saber a que destina-se a ela. Tell confessa seu desejo de matar Gesler com a segunda seta, e tanto ele como Jemmy são presos para a execução.

Mathilde entra e clama a Jemmy em nome do imperador, recusando-se a deixar uma criança morrer (Vous ne l'obtiendrez pas - "Você não vai tê-lo"). Gesler anuncia a sua intenção de levar Tell através do lago de Lucerna para o forte de Kusnac / Küssnacht, e lá jogá-lo para os répteis do lago. Rodolphe manifesta preocupação com a tentativa de uma viagem no lago em meio à tempestade, mas Gesler pretende forçar Tell, na sua habilidade de um barqueiro, para pilotar a embarcação.

Ato 4

Cena 1: a casa do ancião Melchthal

Arnold, ciente da prisão de Tell, está desanimado, mas, se toma de vingança, pela força de estar na antiga casa de seu pai e canta um lamento ( Ne m'abandonne point, espoir de la vengeance... Asile héréditaire... - "Não me abandone, a esperança de vingança ... Início de meus antepassados"). Quando os "confederados" chegam, compartilhando e reforçando a sua esperança de vingança, Arnold entusiasmado lhes aponta o esconderijo das armas que seu pai e Tell prepararam. Ao ver os homens armados, Arnold lança uma exigente vingança ( Amis, amis, secondez ma vengeance - "Amigos, amigos, ajudem a minha vingança") Resolvidos, eles invadem Altdorf para libertar Tell.

Cena 2: A costa rochosa do Lago Lucerna

Hedwige está vagando pelo lago, perturbada. Ela diz as outras mulheres que têm a intenção de pedir a Gesler pela vida de Tell. Ao longe, ouve Jemmy chamando. Seu filho entra, junto com Mathilde, a quem Hedwige suplica por auxílio.

Em algumas versões, Mathilde, Jemmy e Hedwige cantam um trio em movimento ( Je rends a votre amour un fils digne de vous - "eu volto para seu amor, um filho digno de você"). Jemmy diz a sua mãe que Tell já não está em Altdorf, mas no lago, e neste ponto, Hedwige começa a lamentar fortemente ( Sauve Guillaume! Il meurt victime de son amour pour son pays - "Salve William! Ele morreu vítima de seu amor pelo seu país ").

Leuthold chega, contando aos aldeões reunidos que o barco que transportava Tell, Gesler e os soldados estão sendo conduzido-o para as rochas para que uma tempestade o quebre sobre o lago - Leuthold acredita que as correntes foram retiradas das mãos de Tell, para que ele possa pilotar o barco para a segurança.

Numa manobra do barco, Tell salta em terra antes de empurrar o barco de volta. Ele fica surpreso ao ver sua casa incendiada na distância. Jemmy diz a ele que, por falta de um farol, ele ateou fogo à sua casa, mas, antes de fazê-lo, pegou o arco e flechas de seu pai. Gesler e os soldados entram em cena, com a intenção de recapturar Tell, que mata Gesler com um único tiro e o grito: "Vamos respirar a Suíça !"

Walter e um grupo de confederados chegam depois de ter visto a casa em chamas. Tell os informa da morte de Gesler, mas adverte que Altdorf ainda está de pé. Arnold e seus companheiros entram e dão a notícia feliz: eles tomaram Altdorf. Arnold vê Mathilde, que se declara "desiludida da falsa grandeza" e pronta para se juntar à luta pela liberdade ao seu lado.

As nuvens passam, e o sol brilha sobre uma cena pastoral de beleza selvagem. Os lutadores e mulheres suíças reunidos cantam um hino para a magnificência da natureza e do retorno da liberdade em um lírico C major ( Tout change et grandit en ces lieux... Liberté, redescends des cieux- "Tudo está mudando e crescendo grandioso neste lugar ... A liberdade desce novamente do céu ") como o motivo de 'ranz des vaches', retorna mais uma vez e finalmente a ópera encerra.

Trechos notáveis:

"Ah, Mathilde, je t'aime et je t'adore" (Arnold, act 1)
"Sombre forêt" (Mathilde, act 2)
"Que la gloire puisse exalter nos cœurs" (Arnold, Tell & Walter, act 2)
"Pour notre amour... Sur la rive étrangère" (Mathilde, act 3)
"Sois immobile" (Tell, act 3)
"Asile héréditaire... Amis, amis, secondez ma vengeance" (Arnold, act 4)

Esta ópera foi a última de Rossini, embora o compositor tenha vivido por quase quarenta anos a mais. A abertura, com o seu famoso finale, "Marcha dos soldados suíços," é uma parte importante dos concertos e gravação de repertório. Rossini teria dito a seu amigo Guglielmo de Sanctis, em 1828: "Sair de cena na hora certa exige gênio também".

E realmente depois da estreia de" Robert le Diable" de Meyerbeer, sua posição no Opéra viu-se bem ameaçada. O novo estilo de canto, cujas sementes são germinadas em Guilherme Tell, o obrigaria a mudar seu estilo de composição. Além disso, o seu estado psicológico e os hábeis investimentos que fizera com os direitos autorais recebidos pesaram na escolha desta ópera ser o seu último trabalho para o palco.