23.5-O domínio dos Italianos-Rossini 6

As Óperas de Rossini- Continuação


                                  



                                 

Hoje são as óperas: 21- La gazza ladra, 22- Armida, 23- Adelaide di Borgogna, ossia Ottone, re d'Italia, 24- Mosè in Egitto, 25- Adina, ossia Il califfo di Bagdad

21-La gazza ladra - 1817

La Gazza Ladra

Libretto- Giovanni Gherardini, depois de La Pie Voleuse (1815) de Jean-Marie-Théodore Baudouin d'Aubigny e Louis-Charles Caigniez
Estreia- 31 de maio de 1817
Local- Milão, Teatro alla Scala
melodramma, 2 atos

La Gazza Ladra ( A Pega Ladra ou A Criada de Palaiseau) é um melodramma ou ópera 'semiseria' em dois atos de Gioachino Rossini, com um libreto de Giovanni Gherardini baseado em "La Pie Voleuse" de Jean-Marie-Théodore Baudouin d'Aubigny e Louis-Charles Caigniez. A ópera é mais conhecida por sua abertura, que é notável pelo uso de tambores .

É denominada de um melodrama porque realmente assim pertence, como Torvaldo e Dorliska, ao gênero de ópera semi-séria. Estes trabalhos são assim chamados porque o padrão básico do enredo envolve a principal personagem, sem ser culpada de qualquer ação errada, caindo em perigo mortal, antes de ser resgatada no último momento. Mas hoje é quase sempre classificada como uma ópera semiseria - uma que mistura elementos cômicos e sérios, com um resultado feliz. Com Rossini, no entanto, o "sério" pode soar não apenas semiserio mas francamente alegre, como por exemplo, grande parte da cena após a sentença de morte da heroína não parece mais grave do que a aparência da Cinderela no baile do príncipe. A gravidade real - ou pelo menos um simulacro engenhoso dela - era algo que Rossini só aprendeu mais tarde.

Por mais cômico que pareça, o enredo de La Gazza Ladra é parcialmente baseado em fatos. Houve, de fato, uma serva executada por roubo, após o que o item roubado foi  encontrado no ninho de uma pega. O evento provocou um tumulto contra a pena de morte para o roubo e foi com toda a probabilidade bem conhecida para o público de Rossini. Dizem que o prefeito da cidade arrependido, instituiu uma missa anual em sua memória.

Ela mistura o cômico com a dura realidade da morte e uma verdadeira história infeliz. O enredo da ópera é assim: uma serva, Ninetta, está no amor com o filho de seu patrão, Giannetto. Todo mundo quer que os dois se casam, exceto Lúcia, esposa do mestre, que acusa falsamente Ninetta de roubar uma colher de prata. No entanto, ela é incapaz de afirmar sua inocência, pois isso provavelmente revelaria que seu pai é um desertor do exército. A punição para ambos os crimes é a morte. Ninetta é então confrontada com a escolha de sacrificar a si mesma ou seu pai. Mas, felizmente, para tanto, o verdadeiro ladrão é descoberto, uma pega, momentos antes de  Ninetta ser executada no cadafalso.

O libreto de Gherardini, com seu resgate no último minuto da heroína, coloca a ópera firmemente no gênero de semiseria, mas a sua fusão de elementos a colocam na ênfase na dramática mais do que na comédia. A música move-se de um tom bem-humorado, de uma pastoral para uma tragédia profunda. Mostra o caráter complexo dos  movimentos do buffo às ameaças do mal para o remorso e vergonha, e os duetos entre Ninetta e Pippo, por um lado e por outro com Giannetto são macios e em movimento. A marcha funeral do final do Ato II é carregada de tristeza, mas o próprio final feliz expressa a alegria de cada personagem.

Talvez a parte mais famosa da ópera seja a sua abertura, que muitas vezes aparece como um número de abertura freqüente em programas de orquestra. Diz-se que no dia anterior  em que La Gazza ladra estreou no La Scala, Rossini ainda tinha que compor a abertura e o produtor da ópera foi obrigado a trancar o compositor em seu quarto até que ele a  fizesse. Conhecido por sua velocidade de escrita, Rossini compôs a abertura naquele dia e jogou cada página completa da pontuação para fora da janela para seu copista escrever as peças para a orquestra.

A abertura icônica se exala num som sinistro de tambores, estabelecendo laconicamente os tons mais escuros de outra trama cômica da ópera.  A abertura imponente, em seguida, dá lugar a uma das típicas construção de suspense que levam ao corpo principal da abertura. Por vezes dramática, outras cômicas, a abertura dá  o tom para toda a ópera. A abertura, pois, está tematicamente relacionada com a ação da ópera. Como a sua abertura fazia exigências apropriadas à orquestra do La Scala, hoje em dia, a mesma possui a característica de tê-la como um peça de concerto em seu próprio direito.

Foi realizada pela primeira vez em 31 de maio, 1817 no La Scala, Milão e revisada por Rossini para produções posteriores em Pesaro, em 1818, e para o Teatro del Fondo (Nápoles ),  em 1819, e para o Teatro di San Carlo (Nápoles), em 1820. Ele trabalhou novamente na música em Paris, em 1866, a fim de atender ao gosto parisiense. O fato é que três semanas após a estréia de La Cenerentola no Teatro Valle, Roma, em 25 de janeiro 1817, Rossini foi para Milão para cumprir uma outra nova comissão para o La Scala, mas também vangloriou-se pelo teatro ter uma orquestra profissional. Ademais, ele precisava mudar a  impressão negativa que deixara quando da apresentação das óperas Aureliano em Palmira e Il Turco in Italia, mal recebidas nesse teatro.

A ele foi dado o libretto de sua 21ª ópera, La gazza ladra ( The Thieving Magpie ). Rossini ficou encantado com a nova tarefa, e escreveu a sua mãe uma carta onde referia o nov trabalho como "un soggetto belissimo - um assunto) e realmente tinha todos os ingredientes para promover uma operaseria. E embora ainda tivesse uma parte da intelectualidade milanesa disposta a depreciar a estreia desta nova ópera de Rossini, o sucesso foi tão imediato, que a todo momento, o público ficava em pé para cobrir o autor de aclamações, com Bravo maestro! Bravo Rossini!

Então, foi estreada com grande  entusiasmo e rapidamente se espalhou por toda a Europa, alcançando a Inglaterra em 1821 e na América seis anos mais tarde. A ópera foi apresentada pela primeira vez na Inglaterra, no King' Theatre em Londres em 10 de março de 1820, e nos Estados Unidos, no Théâtre d'Orléans, em Nova Orleans (em francês como era em La torta voleuse ) em 30 de dezembro de 1828. Mas também foi montada na Alemanha e Holanda.

Riccardo Zandonai fez sua própria versão da ópera para um avivamento em Pesaro em 1941. Alberto Zedda editou o trabalho original de Rossini para publicação pela Fondazione  Rossini em 1979. A ópera foi executada, em tradução inglesa, pela cidade de Nova York no Bronx Opera em janeiro de 2013.

La Gazza Ladra ficou conhecida por sua cintilante insinuação de uma música esplendidamente construida para as três horas de espetáculo, com o seu enredo frágil, mas que com  suas melodias consegue seduzir o público. As árias mais famosas da ópera são provavelmente a oração de Ninetta "Deh, tu reggi in tal momento", a cavatina da soprano  "Di piacer mi balza il cor" e a cavatina do tenor "Vieni fra queste braccia". Belos momentos são durante o 'finale'II, com a marcha fúnebre que emoldura a execução de Ninetta "Deh tu reggie" e o festivo "Ecco cessato il vento" que coloca o ponto final na ópera.

Sem perceber que estava diante de uma atitude inovadora ao conferir a personagens comuns a mesma dignidade, coisa que na ópera séria tinha as figuras aristocráticas, um crítico de Leipzig, condenou Rossini por ter escrito para uma empregadinha uma marcha fúnebre tão nobre quanto a Eroica de Beethoven. Aos 25 anos, Rossini tinha consciência das transformações por qual passava a sociedade europeia pós-Revolução Francesa. Na Gazza Ladra ele rompe os limites sobre as hierarquias e constitui um passo importante no processo que permitirá a outros compositores partir para novas situações, renovando a estrutura textual da ópera.


O Enredo:
A história gira em torno da criada Ninetta, que trabalha na casa do rendeiro abastado Fabrizio Vingradito e sua esposa Lucia. Seu filho Giannetto está prestes a voltar das guerras e  é a intenção do Fabrizio que lhe seja permitido casar com Ninetta. Eles estão apaixonados já por algum tempo, mas é um jogo do qual Lucia desaprova. Ela acha Ninetta não  confiável  com bens da família, pois uma colher de prata, recentemente, está desaparecida. Ninetta canta seu amor por Giannetto em sua cavatina 'Di piacer mi balza il cor'e  Giannetto devidamente acolhido  festejam, com um dos jovens trabalhadores do Fabrizio, o bem-humorado Pippo, propondo um brinde.

Um mascate, Isacco, visita a fazenda, com sua música chorosa nasal. Um vagabundo aparece também a quem Ninetta reconhece instantaneamente como seu pai, o soldado  Fernando Villabella. Ele brigou com o seu comandante e abandonou para evitar execução sumária. A tentativa de Ninetta para escondê-lo é comprometida com a chegada de um  admirador indesejável, o prefeito da aldeia ( Podestà ), Gottardo.

Aparentemente este é um papel buffo, mas na realidade ele é um namorador vingativo bem utilizado para manipular o curso da justiça: um precursor rural de Scarpia, de Puccini.  Ninetta exorta seu pai para sair. Para levantar o dinheiro necessário para ele sobreviver na clandestinidade, ele lhe pede para vender um dos valiosos talheres da familia que lhe  restou (que é o sua própria colher e que traz as iniciais FV, as mesmas dos talhesres da Lucia) e depositar o dinheiro em um castanheiro velho nas proximidades. Antes que   Fernando possa sair das instalações, o escrivão da cidade, Giorgio, traz notícias de um desertor em fuga. Como o prefeito esqueceu os seus óculos, ele pede a Ninetta para  ler a  descrição, o que ela faz, alterando os detalhes para torná-lo tão diferente de seu pai quanto possível.

Enquanto o prefeito está estudando as provas e contempla o velho vagabundo, um pega pousa na sala e, não observado, rouba uma colher de mesa. No devido tempo, a colher é  percebida por lucia como perdida e Pippo involuntariamente deixa transparecer que Ninetta vendeu algo para o mascate, e o testemunho de Isacco é que ele comprou uma colher  rubricada de FV, e isto é um dos vários pedaços de provas circunstanciais que levam Ninetta à prisão por roubo. Giannetto está devastado, mas o rumo dos acontecimentosencanta  o prefeito, cujos avanços Ninetta continuou a repudiar.

A primeira cena do Ato 2 acontece no pátio da prisão onde Ninetta aguarda julgamento. Graças à leniência do gentilmente carcereiro Antonio, ela é visitada por Giannetto, a quem  protesta a sua inocência (embora ela não mencione parte acidental de seu pai em seus problemas).

O prefeito aparece, mas é novamente repelido. Ninetta, desesperada para ajudar seu pai, decide contar com a ajuda de Pippo: ela toma a cruz de ouro que usa e pede-lhe para  vendê-la e colocar o dinheiro na árvore de castanha, o esconderijo combinado com seu pai. O recitativo afeta profundamente e o dueto para Ninetta e Pippo 'Deh pensa che domani  ... E ben, per memoria mia', é um dos destaques da ópera.

Enquanto isso, o pai de Ninetta, cheio de ansiedade por não saber onde ela está, se apresenta na quinta, quando fica sabendo da sua prisão, e resolve assistir ao julgamento. Lucia  também já está começando a ter dúvidas sobre a culpa de Ninetta a ária 'A questo seno'.

Ninetta for considerada culpada. Fernando intervém, mas sem sucesso, e o que é mais, ele é reconhecido pelo prefeito e preso como desertor. A cena final acontece na praça da  aldeia. A ação é resolvida, em parte, por um ato de clemência concedida a Fernando pelo Rei, em parte pela descoberta das atividades da pega do Pippo: foi roubar talheres e  moedas e armazená-los em seu ninho na torre da igreja, como Pippo e Antonio confirmam escalando até lá. A descoberta é feita, no entanto, só depois de ter testemunhado  sombria marcha de Ninetta ao cadafalso, estranhamente marcada por Rossini de uma forma que antecipa as orquestrações de Berlioz.

No entanto, Ninetta é inocentada em cima da hora, e os aldeões comemoram, tendo apenas o prefeito ficado  irritado e desconcertado. Tal como acontece com o personagem de  Cenerentola em sua ópera imediatamente anterior, assim como Ninetta é acusada falsamente,  Rossini alcança uma naturalidade na caracterização musical. A simples força da  emoção humana também permeia o retrato do pai de Ninetta. As relações entre pais e filhos em óperas de Rossini pode ser quase tão carregada de emoção como eles serão mais  tarde para Verdi.

Personagens:


Ninetta, serva de Fabrizio soprano
Fabrizio Vingradito, um rico fazendeiro baixo
Lucia, sua esposa meio-soprano
Giannetto, seu filho, um soldado tenor
Fernando Villabella, pai de Ninetta, um soldado baixo-barítono
Gottardo, aldeia prefeito baixo
Pippo, um jovem camponês, empregado de Fabrizio contralto
Giorgio, servo para o prefeito baixo
Isacco, um mascate tenor
Antonio, o carcereiro tenor
Ernesto, um soldado, amigo de Fernando    baixo

Sinopse:

Ato1:

Na casa de Fabrizio Vingradito e sua esposa Lucia há alegria pelo retorno iminente de seu filho Giannetto, vindo da guerra. A criada Ninetta está apaixonada por Giannetto e todos  querem que os dois se casam, exceto Lúcia, que culpa Ninetta pela perda recente de um garfo de prata. Isacco, um mascate local, entra e pergunta sobre Ninetta, mas Pippo manda  embora.

Giannetto chega e vai para dentro com Lucia enquanto Ninetta  se prepara para a festa. Depois de terem ido embora, o pai de Ninetta, Fernando Villabella chega, também da  guerra. No entanto, ele foi condenado à morte depois de lutar com o seu capitão e agora é um desertor. Ele pede que sua filha venda duas peças de prata da família para cobrir as  suas despesas enquanto ele está foragido.

O prefeito entra, com a intenção de seduzir Ninetta, e ela afirma que seu pai é só um vagabundo. O assistente do prefeito entrega o mandado de prisão para um desertor  (Fernando, o pai de Ninetta), mas como o prefeito se esqueceu de seus óculos de leitura, Ninetta é convidada a ler o mandado, e esta faz a descrição de alguém totalmente  diferente de seu pai. O prefeito continua a forçar as suas atenções para com Ninetta, no qual Fernando quase revela-se pela raiva provocada. Os três saem, e uma pega voa baixo e  rouba uma das colheres de prata de Lúcia.

Isacco passa de novo, e Ninetta lhe vende a colher de prata que seu pai lhe tinha confiado. Giannetto e os outros retornam, quando Lucia percebe que está faltando uma colher. O  prefeito começa uma investigação imediata, indicando a pena draconiana por roubo doméstico: a morte. Lucia e o prefeito acusam Ninetta, que, em sua aflição deixa cair o dinheiro  que ela tinha trocado com Isacco. O mascate é trazido de volta e diz que ele já vendeu a colher, mas ele lembra a inscrição "FV", iniciais compartilhados tanto por Fabrício como  para Fernando. Ninetta atordoada, desesperada para proteger seu pai, é incapaz de refutar as acusações, e as ordens do prefeito é dela ser presa.

Ato2:

Antonio, o carcereiro, tem pena de Ninetta e diz que ele vai mandar uma mensagem para Pippo e deixar Giannetto visitá-la. Ninetta convence a Giannetto de que ela é inocente. O  prefeito agora chega e diz a Ninetta que se ela aceitar seus avanços, ele irá levá-la libertada, o que ela responde que ela prefere morrer. O prefeito é chamado à distância, mas  Antonio ouviu tudo e se oferece para ajudar Ninetta de qualquer maneira que puder.

Ninetta pede a Pippo para vender uma cruz de ouro e colocar algum dinheiro para seu pai em um esconderijo já combinado entre eles, numa castanheira. Ninetta é levada a  julgamento, considerada culpada e condenada à morte. Fernando corre para o tribunal para salvar a vida de sua filha, mas é tarde demais, e ele também é enviado para a prisão.

Ernesto, um amigo militar de Fernando,  procura o prefeito segurando um perdão real para o pai de Ninetta. Pippo mostra-lhe o caminho e é dada uma moeda de prata para ajudar,  mas a pega arranca-o e voa até a torre. Pippo e Antonio perseguem esta ave ladra.

Ninetta é levada para o cadafalso e faz seu último discurso à multidão. Da torre, Pippo e Antonio gritam que eles encontraram as colheres de prata de Lúcia no ninho da pega e  tocam os sinos para interromper a execução. A multidão ouve suas palavras e espera salvar Ninetta, mas os tiros soam e eles concluem que é muito tarde. No entanto, Ninetta  aparece descendo a colina, pois  os tiros eram mera alegria. Ninetta comemora com seus companheiros, mas está preocupada com seu pai. Em seguida, ele aparece com Ernesto e  todos, exceto o prefeito para desfrutar de um final feliz.

https://www.youtube.com/watch?v=0F73mZjtMXU#t=14


                                          




22- Armida (Rossini)- 1817

Armida (Rossini)

Libretto - Giovanni Schmidt, baseado em Gerusalemme Liberata de Torquato Tasso
Estreia- 11 de novembro de 1817
Local- Nápoles, Teatro di San Carlo
dramma, 3 atos

Armida é uma ópera em três atos de Gioachino Rossini com um libretto ( dramma per musica ) de Giovanni Schmidt, baseado em cenas de Gerusalemme Liberata de Torquato Tasso.Armida foi realizada pela primeira vez no Teatro di San Carlo, de Nápoles , em 11 de novembro de 1817. Isabella Colbran cantou o papel-título, que é um dos mais longos e mais exigentes que Rossini já escreveu, com difíceis passagens de coloratura de todo tipo, durante toda a ópera. Os mais notáveis ​​são encontrados em "D'amore al dolce impero" durante Ato 2, nos duetos entre Rinaldo e Armida, e em algumas partes do finale do Ato 3 .

A primeira encenação moderna teve lugar no Teatro Comunale de Florença em 26 de abril de 1952, durante o Maggio Musicale Fiorentino, com Maria Callas e Francesco Albanese nos papéis principais e Tullio Serafin como maestro condutor. Mais recentemente, performances foram dadas em Aix-en-Provence em 1988, com Anderson Juny, Rockwell Blake , Raúl Giménez, sob a regência do maestro Gianfranco Masini, e no Rossini Opera Festival, em 1993, com Renée Fleming e Gregory Kunde, sob o maestro Daniele Gatti. No Metropolitan Opera teve sua estréia ocorrida em 12 de abril de 2010, com Renée Fleming no papel-título.

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Terminadas as apresentações de La Gazza Ladra, Rossini voltou para Nápoles, onde a reconstrução do San Carlo tinha terminado, transformando-se num bonito e luxuoso teatro. Barbaja queria estrear o teatro com um espetáculo luxuoso e de pompa, correspondendo ao clima de reconciliação após o retorno dos Bourbons a Nápoles. Portanto, ele precisava de uma peça que lhe permitisse explorar os recursos cenográficos, o coro, a orquestra e o corpo de baile do teatro mais bem equipado da Itália.

Para tal, ele incumbiu Giovanni Schmid extrair uma opera seria de Gerusalemme Liberata de Torquato Tasso, que poderia ser o capítulo da feiticeira Armida, tantas vezes já escolhida como tema por vários compositores, como Lully, Pallavicino, Haendel, Vivaldi, Traetta, Jommeli, Cimarosa, Gluck, Cherubini, Zingarelli e outros. São quase 75 versões extraidas da mesma fonte de Torquato Tasso.

E até o próprio Rossini nunca foi favorável aos temas mágicos, preferindo os relacionados à vida real. Mas, o momento necessitava encontrar um moldura temática que se prestasse a um espetáculo de grande porte com coros, dança, efeitos de cena, condizentes com a pompa da inauguração do teatro. E daí de Rossini concordar plenamente com o tema escolhido. Entretanto, com tantos números previstos, quem ficou desconfortável foi o libretista que teve que resumir bastante o texto do ato II para abrir espaço para o balé, que forma um dos principais ornamentos do drama. Além disso, Rossini estava constantemente lhe exigindo mudanças para adaptações àquilo que ele queria. Mas, apesar disso tudo, Schmid conseguiu lhe oferecer um texto bastante funcional.

Com toda essa preparação, foi morna a acolhida à estreia no dia 11 de novembro de 1817. O elenco foi de primeira, o balé coreografado por um grande bailarino e a cenografia de primeira categoria. Os bailarinos foram os melhores da Itália, na época. Enfim, um espetáculo para ninguém botar defeito. Mas, a recepção foi morna...

Em Viena, cantada em alemão, foi bem recebida, em 1821. Houve algumas reprises no exterior, mas seu valor global nunca foi inteiramente reconhecido. A última montagem, no século XIX que se tem notícia, foi em Budapeste em 1838.

Foi somente em 1952 que teve as honras merecidas, através de Maria Callas, no Maggio Musicale Fiorentino, num espetáculo que não foi documentado. Mas, mesmo nessa época não lhe faltaram críticas, acusando-a de 'barroquismo vocal'. A partir de 1970, várias produções foram feitas.

O papel de Armida domina toda a ópera, dramática e musicalmente (não esqueçamos que Rossini fez para Isabella Colbran), cabendo a Rinaldo alguns momentos de expressão no final do 1º ato, quando desafia Gernando, e no final do 3 º ato ao readquirir o senso de honra e de dever. A maior parte do tempo, ele é apenas um reflexo da feiticeira. Chama atenção nesta ópera os recursos do belcanto envolvendo a volúpia, o hedonismo, a sensualidade beirando ao doentio que impregna os domínios da maga. Mas, a paixão é assim: uma doença temporária.

Eu, particularmente, adoro esta ópera!

Personagens:
Armida, princesa de Damasco, uma feiticeira soprano
Rinaldo, um paladino cavaleiro  tenor
Gernando, um paladino tenor
Ubaldo, um paladino tenor
Carlo, um paladino tenor
Goffredo, ( Godofredo de Bouillon ), o líder dos paladinos tenor
Eustazio, seu irmão tenor
Idraote, rei de Damasco e tio de Armida baixo
Astarotte, líder dos espíritos de Armida baixo
Paladinos, guerreiros, demônios, espíritos

Sinopse

Época: As Cruzadas
Local: Perto de Jerusalém


A história de Armida

Ato I

Após a recente morte de seu amado líder, os soldados cristãos estão reunidos fora de Jerusalém onde o seu novo comandante, Goffredo, fala com eles, a fim de levantar seus espíritos. O discurso de Goffredo é interrompido por uma bela mulher que diz ser a legítima governante de Damasco. Ela implora aos homens para ajudá-la a retomar a coroa de seu malvado tio, Idraote, e proporcionar-lhe proteção.

Os homens são atraídos por sua beleza e eles se preparam rápidos para ajudá-la. Mal sabem eles, no entanto, que este é um só um complô para destruí-los, pois a bonita mulher é a feiriceira Armida, e seu servo que é seu tio, Idraote, disfarçado. Os soldados convencem Goffredo para auxiliá-la, e ele decide que eles devem primeiro eleger um novo líder. O novo líder, então, escolhe dez dos melhores homens para ajudar a Armida. Os soldados elegem Rinaldo, provocando os ciúmes de Gernando("Non soffrirò l'offesa".

Armida e Rinaldo já se encontraram uma vez antes, e desde então, ela tem sido secretamente apaixonada por ele. Quando ele se aproxima, ela lembra que salvou sua vida. Reclamando que ele parece ser ingrato, Armida o repreende. Rinaldo nega as acusações e dá como respostas que ele está perdidamente apaixonado por ela (Dueto: "Amor ... possente nome!"). Gernando pega os dois amantes juntos e zomba de Rinaldo na frente dos outros soldados, chamando-o de mulherengo. Rinaldo é insultado e desafia-o para um duelo. Gernando aceita o desafio. O duelo termina quando Rinaldo vence e mata Gernando. Lamentando imediatamente suas ações e temendo sua vida, Rinaldo escapa com Armida e seu tio antes que seja punido pela morte de Goffredo.

Ato II

Rinaldo seguiu Armida por uma floresta escura, e ele aprova todas as suas atitudes, e não se importa com o fato de que Astarotte, um príncipe do inferno, trouxe habitantes da escuridão para ajudar na trama de Armida para destruir os soldados cristão. Quando Armida confessa suas intenções, Rinaldo fica com ela e se compromete a continuar a ajudá-la, tal é o feitiço do amor jogado pela feiticeira(Dueto: "Dove son io!"). Armida, satisfeita com a sua resposta, deliciosamente revela seu palácio do prazer que foi camuflado por sua poderosa magia. Ela fornece-o com extravagâncias e entretenimento delirantes, tanto assim, que ele esquece completamente o exército que deixou para trás("D'Amore al dolce impero"). Rinaldo, tendo perdido todos os pensamentos de honra militar, se entrega para o encantamento de Armida.

Ato III

Preocupado com a vida de Rinaldo, dois de seus solidários amigos, Ubaldo e Carlo, partiram em busca de Rinaldo e querem trazê-lo de volta em segurança. Depois de caminhar pela floresta escura, eles se encontram nos belos jardins do palácio de Armida. Ubaldo e Carlo vêm equipados com uma poção de ouro mágico, depois que entenderam que Armida era uma feiticeira do mal. Eles sabem que o jardim e o palácio é apenas uma ilusão para capturar presas inocentes, e quando são abordados por ninfas que tentam seduzi-los, os dois homens são capazes de resistir à tentação.

Quando Armida e Rinaldo saem do palácio juntos, Ubaldo e Carlo se escondem nos arbustos. Finalmente, quando Rinaldo é deixado sozinho, Ubaldo e Carlo correm para salvá-lo. Rinaldo está impermeável às suas solicitações para levá-lo embora. Ele está muito apaixonado por Armida e ele nunca vai deixá-la de lado.

Finalmente, os dois homens seguram seus escudos como espelhos e mostram para Rinaldo. Este quando olha para seu reflexo, fica horrorizado que não reconhece o homem que ele vê(Trio: "In quale aspetto imbelle"). Ele reza para ter força, porque o seu amor por Armida é muito poderoso. Finalmente, ele sai com seus amigos. Armida retorna aos jardins para estar com Rinaldo, e quando ela não consegue encontrá-lo, pede para os poderes do inferno trazerem seu amor de volta. Com o passar do tempo, até o próprio inferno é incapaz de satisfazer as suas exigências.

Armida  persegue os homens que já estão se preparando para embarcar em um navio de volta para sua terra natal. Armida pede a Rinaldo para ficar com ela. Ela faria qualquer coisa por ele, mesmo que isso signifique lutar ao lado de seus homens. O amor de Rinaldo para ela permanece forte. Quando ele hesita em partir, Ubaldo e Carlo tem que segurá-lo e arrastá-lo a bordo. Com o coração quebrado,  Armida mesmo querendo muito ficar com Rinaldo, mas em vez disso, ela escolhe a raiva sobre amor e jura ter sua vingança("Dove son io?… Fuggì!"). Ela corre de volta ao seu palácio e deixa-o em chamas, antes de voar para o céu em um acesso de raiva.

Números mais apreciados:
Ato 1
Sventurata! Ou che mi resta? - Cavatina de Armida
Se pari agli accenti- dueto para Rinaldo e Gernando

Ato 2
Cena Ballet

Ato 3
Unitevi uma gara - terzet (trio) para Rinaldo, Ubaldo e Carlo

https://www.youtube.com/watch?v=t6ShE_6l-jo

                                       



23-Adelaide di Borgogna-1817


Adelaide di Borgogna

Libretto- Giovanni Schmidt
Estreia- 27 dezembro de 1817
Local- Roma, Teatro Argentina
dramma, 2 atos

Adelaide di Borgogna, ossia Ottone, re d'Italia ( Adelaide de Borgonha, ou Otto, o rei da Itália ) é uma ópera dois atos composta por Gioachino Rossini (com contribuições de  Michele Carafa ) com um libreto de Giovanni Schmidt. Foi estreada no Teatro Argentina, em Roma, em 27 de dezembro de 1817.
 
Realizada pela primeira vez em 1817, Adelaide di Borgogna de Rossini  é uma obra  questionável. Um produto da confusão da Europa pós-napoleônica, o assunto é a legitimidade  monárquica e aptidão individual para o governo. Os negócios de ópera com o mesmo nome medieval de rainha italiana, que pediu assistência militar a Ottone, imperador alemão,  quando o brutal Berengario usurpou seu trono. Berengario, por sua vez, foi determinado para legitimar sua dinastia pela força, casando Adelaide com o seu filho Adelberto.

A velocidade de Rossini para compor suas óperas era realmente excepcional, dando espaço de semanas entre uma e outra, muitas vezes. E desta vez, não foi diferente. Entretanto, diante de seus sucessos, ele negligenciou bastante esta nova ópera, que como consequência só ficou duas semanas em cartaz. Ele reutilizoua a abertura de " Cambiale di matrimonio', com alterações mínimas na orquestração, e icumbiu Michele Carafa de compor alguns dos números. Ou seja, a ópera foi um fracasso total e muitos críticos da época disseram ser a pior obra de Rossini.

Até o libretto que Schmid se orgulhava tanto de sua pesquisa foi vista com graves erros históricos. Os jornais não perdoaram e disseram que a poesia de Schmid na ópera Adelaide di Borgogna nasceu e morreu na mesma noite no Teatro Argentina.

Entretanto, hoje, com outras visões, vê-se que o resultado, porém, não é tão ruim como muitos de seus críticos têm afirmado. Há alguns duetos fabulosos para Adelaide e Ottone, que implantam extravagância vocal e entrelaçando coloratura para equiparar o poder com sensualidade. Sentimento de culpa, o pai fixado em Adelberto é uma das figuras mais complexas em todo o cânone rossiniano. A única grande falha musical ou musico-dramático é um desfecho prolongado, produto da necessidade de Rossini para dar a cada um de seus personagens centrais uma grande aria, por sua vez.

Personagens:

Adelaide soprano
Ottone contralto
Adelberto tenor
Berengario baixo
Eurice meio-soprano
Ernesto tenor
Iroldo mezzo-soprano ou tenor

Sinopse:


Antes da cortina subir
No ano de 950, Lotario, o rei da Itália, morre jovem, deixando uma viúva, Adelaide, filha de Rodolfo di Borgogna (Rudolph da Borgonha). Berengario, em cujas mãos o governo do  reino já tinha caído algum tempo antes, consegue se eleger sucessor.

No entanto, ele é suspeito de ter causado a morte repentina de seu antecessor, e assim ele tenta neutralizar as  reivindicações de Adelaide e seus partidários, ordenando-lhe para casar seu filho Adelberto, que reina com ele. Adelaide se recusa e, perseguida, é forçada a fugir e a vagar de um  lugar selvagem para outro na tentativa de esconder-se. Ela finalmente encontra refúgio com Iroldo na fortaleza de Canossa e, quando o castelo é cercado por Berengario, ela  convoca a ajuda do Imperador Ottone (Otho), prometendo-lhe a mão em casamento e os direitos para a coroa do Reino da Itália, que ela herdou.

Ato I
A primeira cena é montada dentro da fortaleza de Canossa, que foi tomada de assalto por Berengario. Embora os vencedores exultem e as pessoas lamentam o destino de seu país  e da princesa Adelaide, Adelberto, apoiado por seu pai, tenta convencê-la a se tornar sua noiva, embora ela ainda esteja vestida de luto por seu falecido marido. Ouvindo isso  Ottone fica no bairro, Berengario, sabendo que ele não tem tropas suficientes para desafiá-lo no campo de batalha, decide enganá-lo com falsas propostas de paz.

Na segunda cena, a ação se move para o acampamento do Imperador. Os soldados com suas tendas ocupam o campo, e cantam um hino para a Itália, enquanto Ottone  solenemente jura que a viúva de Lotario será salva. Adelberto, enviado por Berengario, oferece a Ottone paz e hospitalidade, aconselhando-o a não confiar em Adelaide, a quem ele  descreve como uma mulher ambiciosa que ama mexendo-se problemas.

A terceira cena se passa no grande salão da fortaleza, onde Berengario, coloca uma pretensão de cordialidade, recebe Ottone, que imediatamente pede para se encontrar com  Adelaide. Ela mesma aparece agora diante do Imperador, implorando-lhe para ter pena dela e ajudá-la a obter justiça por seus erros. Ottone promete-lhe a sua ajuda e, atraídos  para a princesa, declara que ele deseja fazer dela sua noiva. Os dois partem, deixando Adelberto, que está profundamente apaixonado por Adelaide, e gostaria de se livrar de Ottone  de uma vez, mas Berengario restringe-o, pedindo-lhe para esperar a chegada de suas próprias tropas antes de atacar.

Na quarta cena, Adelaide não mais vestida de luto, está em seus quartos com suas damas de atendimento: ela não quer ser triste e está animada com a idéia de seu casamento se  aproximar. Ottone chega, querendo ter certeza de que ela o aceitou como seu marido por amor e não por mera gratidão. Adelaide convence-o da sinceridade de seu amor e os dois  juram fidelidade eterna.

A última cena mostra a praça principal de Canossa rodeado por imponentes edifícios. Ottone e Adelaide partem para a cerimônia de casamento na igreja, acompanhados das  músicas festivas da multidão. Berengario e Adelberto estão estourando com impaciência e, finalmente, quando as tropas chegam, eles mostram suas verdadeiras intenções,  atacando Ottone e seus soldados. De repente, passa-se de uma atmosfera de férias para uma de luta e confusão. Adelaide é levada pelos guerreiros de Berengario, enquanto Ottone  e seus homens, lutando arduamente, controlam para não serem vencidos pelo inimigo.

Ato II
A primeira cena nos leva de volta para o interior da fortaleza, onde os guerreiros de Berengario estão exultantes por ter colocado Ottone derrotado e retirado da cena. Adelberto   oferece a Adelaide, mais uma vez, a oportunidade de partilhar o trono com ele, mas, como antes, ela cumprimenta as palavras com desdém. A conversa é interrompida pela notícia  de que a sorte da guerra que derrubou é uma aparente vitória: Ottone conquistou Berengario e fê-lo prisioneiro.

Na segunda cena, Eurice implora a seu filho Adelberto a troca de Adelaide para Berengario, como proposto por um mensageiro enviado pelo Imperador. Dividido entre seu amor  pela princesa e seu dever filial, Adelberto não pode decidir, e assim Eurice, a fim de evitar que Berengario seja condenado à morte, inicia um plano de ajuda secretamente a Adelaide  para esta escapar com a ajuda de Iroldo.

A terceira cena é montada no acampamento imperial, onde Ernesto, um oficial de Ottone, anuncia a chegada de Adelberto. Este último está disposto a desistir de Adelaide, mas  Berengario orgulhosamente se opõe a isto: ele só irá restaurar a princesa para seus amigos se lhe for garantido o trono. Ottone concorda com esta proposta, no entanto, a chegada  inesperada de Adelaide, libertada por Eurice, anula o acordo e convence o Imperador em manter Berengario prisioneiro ainda, com o objetivo de ter a sua vingança sobre ele.

Agora Adelaide, que tinha prometido a Eurice que em troca de sua liberdade, ela garantiria que o seu marido fosse libertado, exige que o respeito de Ottone a sua promessa.  Berengario e Adelberto são, portanto, autorizados a deixar o campo, mas retiram-se jurando que vão voltar totalmente armados para marcar a vitória definitiva.

Na cena seguinte, o interior de uma magnífica tenda, Adelaide relutantemente diz adeus a Ottone, que está prestes a enfrentar a batalha final e decisiva, dando-lhe o véu, como  penhor de seu amor, quando então implora a ajuda de Deus e, ao mesmo tempo que ela está absorta em suas orações, a notícia chega que o inimigo foi derrotado.

A cena final mostra o retorno de Ottone e seu exército para a fortaleza de Canossa: o Imperador é levado em um carro triunfal seguido por Adelberto e Berengario presos,  enquanto as pessoas, regozijando-se, joga flores e coroas de louro.

https://www.youtube.com/watch?v=MD2AxusZ18w


                                                   



24-Mosè in Egitto - 1818


Libretto- Andrea Leone Tottola , depois de L'Osiride (1760) de Francesco Ringhieri
Estreia-5 de março, 1818
Local- Nápoles, Teatro di San Carlo
azione tragico-sacra, 3 atos

Moisés no Egito é uma ópera de Gioachino Rossini, com um libreto de Andrea Leone Tottola, extraida da tragédia  L'Osiride (1760) de Francesco Ringhieri. Fez sua estréia com  grande sucesso em 5 de marco de 1818,  onde o público apreciou mais os dois primeiros atos, menos o último ato, na sequência de um incidente trivial cênica (que era um  problema de abrir o Mar Vermelho), que terminou entre o riso da platéia. Rossini, a partir daí, reescreveu o ato final (adicionando, entre outras coisas, a famosa oração do seu  trono estrelado "Dal tuo Stellato soglio"-"De seu trono estrelado"-, a mais famosa canção da obra). Caindo no esquecimento depois que a nova versão em francês, intitulada Moïse  et Pharaon, entrou em cena em 1827, com sucesso.

Mose em Egitto já tinha sido um sucesso no palco parisiense, tanto no Théâtre de l'Académie Royale de Musique e no Théâtre des Italiens, onde fazia parte do repertório padrão.  Em 1827, Rossini e dois libretistas,  Luigi Balocchi e Victor Joseph Etienne de Jouy, que mais tarde vão co-escrever o libreto para o final da ópera de Rossini "Guillaume Tell", adaptou  o libreto, com a introdução de um balé no terceiro ato, estendendo o trabalho a  quatro atos, e adicionando números corais adicionais. Embora esta versão francesa perdesse  alguma intensidade dramática, um pouco sobrecarregada pelo peso das adições, é esta versão, sob o título Moïse et Pharaon, ou Le Passage de la Mer Rouge que é geralmente é  realizada hoje. Na época, era tradicional para o compositor converter suas composições italianas para o uso em Paris, arrumando-a mais ao gosto parisiense.

Andrea Leone Tottola, que já colaborara com Rossini em 1816, na Gazzetta, foi o escolhido para escrever o texto de Moisè in Egitto. Por estar programado para a Quaresma, a ópera  teria que ser apresentada como 'azione tragico-sacra', que pertence ao gênero de oratório encenado, recurso cultivado na Itália, nos séculos XVIII e XIX para o desempenho durante  a semana religiosa. Essencialmente é uma ópera séria em três atos sobre um tema bíblico, que conta a história do êxodo dos israelitas do Egito, sob a liderança de Moisés e inclui  três das dez pragas sofridas pelos egípcios por causa da recusa do faraó para libertar os israelitas. O libretista (Tottola), recorreu ao drama L'Osiride, do padre Francesco Ringhieri,  encenada em Pádua em 1760, que  insere um caso de amor entre o filho do Faraó (Osiride) e uma israelita (Elcia).

Esta história nada tem que a diferencie dos demais melodramas da época que exploravam o conflito entre o amor e o dever e a música criada por Rossini é destro da mesma  estrutura que as suas demais óperas sérias. Entretanto, o episódio da saída dos judeus do Egito, tirada do Livro de Êxodo, oferece uma grande oportunidade de expressão no  momento que Moisés faz recuar o Mar Vermelho. Mas, foi justamente este ponto que criou problemas na ópera para ser quase vaiada. É que o cenário não pôde corresponder a  esta façanha. Então, dos camarotes podia-se ver o esforço deseperado do contra-regra para manter os encarregados de empurrar as águas no nível das ondas erguerem-se. O  público de Nápoles acostumados com cenários magníficos de beleza, recusou-se a aceitar este absurdo e transformou o final do ato III numa só gozação., com gargalhadas altas.

Para evitar que este incidente se repetisse, Rossini reviu o Ato III para a temporada de Quaresma do ano seguinte, 1819, e quando o público já estava querendo começar na  brincadeira, ouviu a nova ária composta para Moisés 'Dal tuo stellato soglio", com o coro do povo judeu, a plateia ribombou na sala gritando: Bello! Bello!, num entusiasmo  emocionante. Tinha nascido ali uma das páginas mais famosas do repertório operístico. É uma cena onde Moisés orando a Deus para promover os judeus para a liberdade, na cena  final. O mestre violinista Paganini ficou tão inspirado com esta canção que compôs uma variação de violino das mais pungentes tomadas a partir desta melodia.

Não há propriamente uma abertura da ópera, e da versão original alguns acordes bastam para levar á introdução, com o coro expressnado o seu medo diante da escuridão. É  particularmente impressionante: no palco escuro é introduzido três acordes sinistros, onde os egípcios confusos e angustiados lamentam a praga da escuridão que caiu sobre o  Egito. À medida que Faraó cede com promessas para permitir Moisés para liderar os israelitas da escravidão, os acordes da progressão faz movimentos de menor para maior, e a  luz é restaurada. A Criação de Haydn era uma das obras favoritas de Rossini e esta cena foi claramente inspirada em Haydn, na representação da criação de luz e escuridão em seu  trabalho.

Cada ato contém um longo conjunto de forma estróficas ou quase isso: a reação ao retorno da luz, a reação à descoberta do amor entre Elcia e Osiride, e o hino de louvor pelos  israelitas pouco antes de atravessar o Mar Vermelho. Os dois últimos desses conjuntos, "Mi manca la voce" e o  "Dal tuo Stellato soglio", foram as peças mais populares da ópera  no século XIX, e George Bernard Shaw fez o maior elogio para esta última ária.

A ópera também apresenta um dueto para Elcia e Osiride e um para Osiride e o Faraó e uma ária estendida para Elcia (morte de Osiride ocorre no meio dela), todos bem  construidos e admirados pelos seus seguidores. O final, uma passagem de orquestra que acompanha o afogamento dos egípcios no Mar Vermelho e no apaziguamento do mar, que  depois cai na maior progressão do início do Ato I.

Do terceiro ato original foi encontrado apenas o libreto de 1818, mas nenhuma música sobreviveu. Como já foi dito anteriormente, Rossini revisou este ato, em 1819, após a  versão original ter sido difícil para a representação cenográfica no palco e "Dal tuo Stellato soglio" faz parte desta revisão. Muito apropriadamente, esta oração foi cantada na  escadaria de Santa Croce, em Florença, quando o corpo de Rossini foi trasladado em 1887 de Paris, onde morrera quase vinte anos antes, para novo sepultamento na grande  catefdral florentina. Não menos apropriadamente a multidão pediu bis!

A ópera também tinha originalmente uma ária para o Faraó composta por Michele Carafa, em 1820, e depois Rossini escreveu-a enquanto a de Carafa foi removida. No entanto, no  século XIX, a ópera foi quase sempre realizada com a ária de Carafa.

Justiça seja feita a Rossini: para esta ópera, embora tivesse pouquíssimo tempo, ele restringiu bastante os seus empréstimos feitos às outras óperas e só teve a colaboração de  Carafa em apenas uma ária, que seria cantada pelo Faraó. Para a versão francesa, compôs a música adicional, incluindo um ballet substancial, a ponto de justificar Moïse et Pharaon  sendo visto como uma ópera separada e nova.  O renomado maestro Riccardo Muti e muitos estudiosos consideram Moïse et Pharaon , juntamente com Guillaume Tell , estarem  entre as maiores conquistas de Rossini :"Eu prefiro porque o próprio Rossini preferia."  "Não me entenda mal. Mose em Egitto é uma ópera maravilhosa, mas continua a ser muito  mais um mero esboço para Moïse et Pharaon. E não sou só eu quem diz isso, mas o próprio grande Rossini ".( Muti)

Logo após a sua estreia, a ópera iniciou o seu tour pelos países. Na Inglaterra, onde os assuntos religiosos, eram proibidos no palco, a apresentação foi em forma de concerto, em  30 de janeiro de 1822, apresentada como oratório; o king's Theatre a encenou meses mais tarde, mas teve que adaptar uma intriga secular dando-lhe o título de " Pietro l'Eremita.
Mose em Egitto foi realizada pelo New York City Opera , em abril de 2013.

Na Itália, continuou a ser cantada até o final do século XIX ora na versão italiana, ora na versão francesa, ora numa combimação das duas.

Personagens:


Faraó  rei do Egito, baixo
Amalthea sua esposa, soprano
Osiris herdeiro do trono, tenor
Elcia  hebreia, sua esposa secreta, soprano
Mambre, tenor
Mose, baixo
Aronne, tenor
Amenof, irmã de Aronne, mezzo- soprano
Coro Misto de hebreus e egípcios

Sinopse:

A cena está estabelecido no Egito


Ato I


Deus traz escuridão e pragas no Egito como punição uma vez que o Faraó não quer libertar os israelitas da escravidão. O faraó pede a Moisés para fazer algo sobre isso e intecede  diante de Deus. Em resposta à oração de Moisés, a luz retorna. O faraó diz a Moisés que ele e seu povo estão livres para ir embora. Osiride, o filho do Faraó, casou-se secretamente   com a jovem israelita Elcia e teme que eles vão se separar para sempre. Então, ele convence o pai a revogar a permissão, sobre as objeções da esposa do Faraó, Amaltea. Mosè fica  furioso e derruba uma tempestade de granizo e fogo. O Faraó dá nova permissão e anuncia que, após a partida dos escravos, celebrará o casamento do filho com a princesa da  Armênia. Osiride e Elcia se escondem, mas são descobertos por Aronne, o irmão de Moisés.

Ato II

O faraó, mais uma vez tem medo e dá ordens aos israelitas para sairem. Mas, o faraó vê a infelicidade de Osiride, e quebra sua promessa de deixar os israelitas partirem. Moisés  avisa e ameaça que Deus vai castigá-los novamente com outra praga.  Novamente, a permissão é revogada e Moisés o ameaça com o mais terrível dos castigos: a morte dos  primogênitos egípcios. Em vão, Amalteia tenta avisar ao marido que o filho de ambos se casou com uma judia. O Faraó manda Osiride e Elcia serem trazidos a sua presença. A  moça revela ter-se casado com o príncipe e oferece a própria vida em troca da de Moisés e da liberdade para o seu povo. Osiride ergue a espada para matar Moisés, mas cai  fulminado por um raio vindo do céu. Osiride é morto. Elcia lamenta sua morte.

Ato III

Pela costa do Mar Vermelho, Moisés ora a Deus e implora para que ele salve o seu povo. Com a sua vara, Moisés atinge as águas e elas se separaram, permitindo que os israelitas  atravessem com segurança. Quando o exército egípcio vai subjugá-los, as águas fecham-se sobre eles e são engolidos pelas águas do mar. Moisés e seu povo agradecem a Deus por  salvá-los.

https://www.youtube.com/watch?v=3fge7BrWMdI





                                             


25-Adina (opera)- 1818




Adina (ópera)

Libretto- Gherardo Bevilacqua-Aldobrandini, após o libreto de Felice Romani para " Il Califfo e la schiava" de Francesco Basily (1819)

Estreia- 22 de junho de 1826 (composta em 1818)
Local- Lisboa , Teatro Reale di San Carlo
farsa, 1 ato

Adina é uma ópera do tipo farsa em um ato de Gioachino Rossini, com um libreto de Marchese Gherardo Bevilacqua-Aldobrandini. A ópera se desenvolve com o tema popular do "rapto do serralho ". A estreia ocorreu em 22 de junho de 1826 no Teatro Nacional de São Carlos , de Lisboa.

Adina foi encomendado em 1818 por Diego Inácio de Pina Manique, superintendente da polícia de Lisboa e inspetor dos teatros portugueses. O enredo é muito semelhante ao  de Francesco Basili de 1819 na ópera " Il Califfo e la schiava" , para quem o libreto foi escrito por Felice Romani, e algumas passagens ocorrem em ambos os libretos, situação que não foi ainda totalmente desvendada, embora já se identifique as diversas origens.

A ópera foi concebido como um presente para uma soprano, agora desconhecida, que aparentemente tinha encantado o superintendente com suas performances em São Carlos. O  contrato de Rossini foi feito para a conclusão rápida da obra, e esta foi terminada em 1818, mas, como resultado dessa limitação de tempo, nem todas as músicas da ópera são   inteiramente originais. De acordo com a edição crítica da partitura por Fabrizio della Seta de 2001, Rossini compôs novamente apenas quatro dos nove números do trabalho:  a Introdução, o cavatina para Adina, o quarteto e o Finale, três números  ele tirou da ópera Sigismondo, escrita em 1814, e os dois esritos restantes foram feitos por um colaborador.

Rossini não escreveu uma abertura para a ópera porque esta não estava especificada no contrato, e ele teve pouco interesse nesse projeto.  Não há explicação aparente para o  intervalo de oito anos entre a conclusão e a primeira performance em 22 de junho de 1826. Foi cantada apenas uma vez e revivida em 1963 no Ópera de Siena. Também foi cantada em Roma, durante a comemoração do Bicentenário de Rossini em 1992.

A música de Adina tem sido descrita como "gênero um pouco mais grave do que se poderia esperar para uma ópera de um ato, especialmente a designada por uma farsa (talvez  melhor considerada uma ópera semiserious na veia 'resgate') com a própria óperaem  gestão para escapar do puro convencionalismo de arquétipos e estereótipos e conseguir uma  unidade estilística ".  Richard Osborne em seu "Master Musicians" diz que Rossini, descreve Adina apenas como "... um esboço de caneta e tinta, em vez de um desenho em escala completa, mas também ... um lembrete de que ele não tinha perdido sua antiga habilidade como compositor de farsa ".

A simplicidade da história está inversamente proporcional à complexidade da origem de suas fontes. O Marquês Gherardo Bevilacqua-Aldobrandini baseou-se em "Il Califfo e La Schiava" que Felici Romani tinha escrito, neste mesmo ano, para Francesco Basili, compositor hoje esquecido. Mas utlizou as ideias extraidas de "Il Califfo di Bagdad"de Manuel Garcia, sendo que o texto dessa ópera era de Andrea Tottola, baseado por sua vez em outro libretto de 1800 para Boïeldieu da ópera "Le Calife de Bagdad", feito por Claude Godard d'Ancour de Saint Just. Puxa! que complicação! Mas por aí se vê a licenciosidade da época à autoria artística, uma permissão à apropriação do bem alheio.

Alguns comentaristas dizem que  Adina não difere muito das várias óperas com o tema turco, como La Recontre Imprevúe de Gluck, o Rapto do Serralho de Mozart, ou ainda as mais tardias como O Barbeiro de Baghdad de Peter Cornelius (1858) e Mârouf Savetier du Caire de Henri Rabaud (1914).

Nesta ópera, quase desconhecida, predomina o tom terno e sentimental, tendo como peças originais a cavatina da personagem"Fragolette Fortunate"que é encantadora e o dueto " Se non m'odi, o mio tesoro" que capta perfeitamente a ambiguidade das emoções dos personagens: Adina não ama o califa, mas sente-se ligada a ele por um forte sentimento que não sabe explicar. mas que ´pe um amor filial como nos explicará o final da história.

Personagens:


Adina, uma escrava soprano
Selimo, seu ex-amante tenor
O Califa, o pai desconhecido de Adina baixo
Ali, um jovem árabe baixo
Mustafa, jardineiro do harém baixo
Coro masculino

Sinopse:

Acompanhado pelo seu criado Mustafá, Selimo chega a Bagdá, à procura de sua namorada Adina, e descobre que ela foi raptada pelo califa e este, apaixonado pela moça, pediu sua mão em casamento. Os dois convencem a escrava a fugir, mas são apanhados e o califa condena Selimo à morte. Ao ouvir a sentença, Adina desmaia. Quaando vai ajudá-la, o califa descobre que ela usa no pescoço o medalhão que ele mesmo deu a sua filha, desaparecida quando era criança. Pai e filha se reencontram e o califa abençoa o casamento de Aadina com o rapaz que ela ama.

https://www.youtube.com/watch?v=5iJYxtc9ppM


                                           


Ainda falta completar as óperas de Rossini.

Levic