29.5- Verdi, o maior 6-Attila, Macbeth

Nesta postagem as óperas abordadas são: Attila e MacBeth

9- Attila

Attila

9ª ópera (32 anos)

Libreto:

Tomistocle Solera e Francesco Maria Piave sobre "Attila, Rei dos Hunos" de Zacharias Werner

Estreia:

(Veneza) Teatro la Fenice, 17 Março 1846

Personagens

Attila

Ezio

Odabella

Foresto

Uldino

Leone

Attila é uma ópera de um prólogo e três atos de Giuseppe Verdi  com um libretto italiano de Temistocle Solera, com base na peça de 1809 chamada Attila, König der Hunnen ( Átila, rei dos hunos ) de Zacharias Werner. A ópera recebeu a sua primeira apresentação no La Fenice em Veneza, em 17 março de 1846.

Foi em 1844, o mesmo ano da estreia de "Ernani", que Verdi tomou conhecimento de um drama romântico de Zacharias Werner "Attila, Rei dos Hunos" pelo qual se interessou e sobre o qual pensou escrever uma nova ópera. O libretista escolhido foi Solera, que com ele já colaborara em "Oberto", "Nabucco","I Lombardi" e "Giovanna d'Arco". Isto passava-se, como dissemos, em 1844. Mas, contrariamente ao habitual, a elaboração da ópera iria levar cerca de 2 anos. 

Entre outras menores contrariedades, o compositor adoeceu gravemente, e o libretista foi viver em Madrid antes de terminar o libreto. Então Verdi decidiu optar por Piave, que com ele trabalhara em "Ernani", precisamente na sua primeira ópera destinada a Veneza. Enquanto Solera já possuía o seu próprio esquema para os seus libretos, Piave era mais flexível, mais aberto e atento às vontades do compositor. Solera já deixara o libreto quase pronto, faltando apenas o 3º ato do qual deixara apenas um esboço. Verdi aconselhou Piave a ignorar esse esboço, o que Solera reprovaria.

"Attila" cuja estreia teve lugar no Teatro Fenice de Veneza no dia 17 de março de 1846.

Verdi tinha lido a peça ultra-romântica, em abril de 1844, provavelmente apresentada a ele por seu amigo Andrea Maffei que tinha escrito uma sinopse. A carta de Francesco Maria Piave (com quem já havia trabalhado em ambas as óperas Ernani e I due Foscari ) tinha incluído o tema de Atilla como número em uma lista de nove outros projetos possíveis, e nessa mesma carta, ele encorajou Piave a ler a peça, que o musicólogo Julian Budden descreve como tendo "saltado das margens mais selvagens do romantismo literário alemão e todo o aparato wagneriano-  Norns, Valhalla, a espada de Wodan, os deuses da luz e os deuses das trevas". Ele continua: ". É uma miscelânea teutônica extraordinária para ter apelado para Verdi".

Mas, como Átila era a segunda ópera de Verdi escrevendo para Veneza, ele parece ter mudado de idéia sobre como trabalhar com Piave como o autor do libreto e, em seguida, o convenceu a abandonar o projeto, aparentemente preferindo trabalhar com Solera, que havia sido seu libretista para Nabucco e I Lombardi, duas óperas que empregavam o formato de grande coral e algo que o libretista estava preparado para reusar na nova ópera. Não há razão clara para essa mudança ter surgido, exceto que Baldini especula que, ao retornar para Solera, ele estava mais confortável trabalhando com um libretista que era mais adequado para "desenhar sagas épicas e afrescos histórico-religiosos."

A abordagem da Solera para o projeto foi a de enfatizar um apelo ao patriotismo italiano, especificamente veneziano, ignorando muitos dos elementos da peça original. Estes incluíram invertendo a ordem das cenas-chave e, no caso da cena de abertura que mostra a fundação de Veneza, totalmente inventada. Mas o ritmo começou a diminuir, como, por um lado, a doença limita a capacidade do compositor para fazer muito trabalho. Depois, veio o segundo golpe: Solera deixou o projeto por completo e seguiu com sua esposa, cantora de ópera, para Madrid, onde se tornou diretor do Teatro Real, deixando por completar apenas o projeto do terceiro ato.

Como as coisas aconteceram, Verdi retornou à Piave para a conclusão do ato.3. No entanto, a relação entre o compositor e o novo libretista agravou-se, especialmente sobre o uso de bandas de palco no contexto, que o compositor reivindicava em termos de seu trabalho ser uma grande ópera : " Guillaume Tell e Robert le Diable não são grandes óperas? No entanto, elas não contêm uma banda "  e as diferenças entre a versão de Piave para a de Solera (que recebeu uma cópia do ato3 de Piave) é que na concepção originalmente não havia esse detalhe. Mas, no final, esse detalhe ficou tão grande que pode causar um racha final entre Verdi e seu colaborador de longa data. 

No geral, a recepção da imprensa na noite de abertura não foi tão positiva como a do público presente. O público italiano tinha tomado Attila ao seu coração e acrescenta que o general romano da ária de Ezio - Avrai tu l'universo, resta l'Italia a me ("Você pode ter o universo, mas deixa a Itália para mim ") - trouxe aplausos espontâneos.

Após a sua estreia mundial em 1846, em Veneza, a ópera passou a ser produzida em todas as principais cidades italianas (mais Barcelona, ​​Lisboa, e Trieste), num total de mais de 25 produções, incluindo uma em Palermo com o título de "Gli Unni e I Romani" em 1855. Uma produção em Como foi registrada como tendo ocorrido em 1875, após o que a ópera parece ter desaparecido na Itália, pelo menos. 

Attila foi produzida pela primeira vez em Londres em 1848 por Benjamin Lumley, que, como empresário no Teatro de Sua Majestade, tinha apresentado com sucesso de Verdi I Masnadieri em 1847. Em sua autobiografia ele observa que "nenhuma talvez de obras de Verdi foi acendida com mais entusiasmo na Itália ou coroado o compositor de sorte com louros mais abundantes do que Attila. 

Attila na estréia contou com Sophie Cruvelli, Italo Gardoni, Velletti e Cruzzoni. A ópera foi dada pela primeira vez em Nova York em 1850. 

No século 20, foi revivida em concerto durante o Festival de Veneza de 1951, com Caterina Mancini, Gino Penno, Giangiacomo Guelfi, e Italo Tajo, sob a condução de Carlo Maria Giulini; e no Wells de Sadler em Londres, em 1963 (com um libreto em inglês), com Rae Woodland, Donald Smith, Mossfield e Donald McIntyre, com Muir Mathieson na condução. 

Houve um renascimento em Roma um ano depois, em seguida, produções em Trieste em (1965), em Buenos Aires em (1966), em Berlim em (1971), e em 1972 Attila foi realizada no Festival de Edimburgo e em Florença.

Em 21 de dezembro de 1980, a Ópera Estatal de Viena apresentou uma nova produção conduzida por Giuseppe Sinopoli, e encenada por Giulio Chazalettes. O elenco incluiu Nicolai Ghiaurov como Átila, Piero Cappuccilli como Ezio, Mara Zampieri como Odabella, e Piero Visconti como Foresto.

A partir de 1981 o papel de Atilla foi retomado pelo baixo americano, Samuel Ramey que fez suas primeiras aparições na New York City Opera em março de 1981, que não tinha sido visto na cidade há 150 anos. Ao longo dessa década Ramey "inquestionavelmente acumulou até mais performances no papel do que qualquer baixo desde o seu criador", em casas como o La Fenice e San Francisco, finalmente fazendo uma gravação de áudio em 1989 e uma gravação de vídeo em 1991, ambos sob Riccardo Muti. 

Ramey apareceu novamente no papel-título em uma produção encenada por La Scala em 1986 e filmado para lançamento em DVD. Em fevereiro de 2000 um concerto foi dado pela Orquestra da Ópera de Nova York, mais uma vez com Ramey como Átila.

O Royal Opera House estreou em 13 de outubro de 1990, com Ruggero Raimondi no papel-título, Josephine Barstow como Odabella, Giorgio Zancanaro como Ezio, Dennis O'Neill como Foresto, com Edward Downes realização.

San Francisco Opera apresentou Attila em 21 de novembro de 1991, com Samuel Ramey no papel-título, Elizabeth Connell como Odabella, Vladimir Chernov e Luis Giron May alternada como Ezio, Antonio Ordonez como Foresto, com Gabriele Ferro realização de uma produção por Lotfi Mansouri.

Em 1997 e novamente em 2007, foi incluído como parte do Opera Sarasota no "Verdi Cycle ". Attila recebeu um concerto em 8 de setembro de 2007, o Concertgebouw, em Amesterdan, com Ildar Abdrazakov, Hasmik Papian, Paolo Gavanelli, e Massimiliano. Pisapia Jaap van Zweden realizado uma gravação e transmissão seguidas.

O Metropolitan Opera montou sua primeira produção dirigida por Pierre Audi em 23 de fevereiro de 2010 conduzido por Riccardo Muti, que fazia sua estréia na casa. Ildar Abdrazakov cantou o papel-título, com Violeta Urmana como Odabella, Ramón Vargas como Foresto, Giovanni Meoni como Ezio, e Samuel Ramey como Leone. Miuccia Prada e os arquitetos Herzog & de Meuron colaboraram com figurinos e cenários. 

Foi apresentada em setembro de 2011, como parte da temporada do Washington Concert Opera em 2011/12 e foi encenada em San Francisco Opera em junho de 2012 em uma co-produção com a La Scala; Ferruccio Furlanetto interpretou o papel principal em San Francisco, enquanto Orlin Anastassov cantou o papel em Milão, quando a produção foi apresentada pela primeira vez lá em 2011. O trabalho foi apresentado pelo Berliner Operngruppe em 2012, em Berlim, conduzido por Felix Krieger.

Personagens:

Átila, rei dos hunos baixo

Uldino, um Breton escravo de Átila tenor

Odabella, filha do Senhor de Aquileia soprano

Ezio , um general romano barítono

Foresto, um Cavaleiro de Aquileia tenor

Leone ( Papa Leão I ) baixo

Capitães, reis e soldados dos hunos, sacerdotisas, Aquilianos, os soldados romanos e população de Roma

SINOPSE:

Época: Meados do século 5

Local: Aquileia, as lagoas do Adriático, e perto de Roma

Prólogo

A ação situa-se no ano 452 da Era Cristã, e a ópera inicia-se quando Attila, o flagelo divino, invadiu a Itália e saqueou Aquília. Entre as ruínas fumegantes da cidade os Hunos e os Ostrogodos saqueiam e cantam louvores a Votan e ao rei. 

Attila chega triunfante e felicita-os sendo aclamado como o enviado e o profeta de Votan. Desobedecendo a uma ordem de Attila para que não dessem quartel, Uldino, um escravo bretão, poupou a vida a um grupo de mulheres que tinham participado na batalha, e vem oferecê-las ao rei como presas de guerra. 

Quem lidera essas mulheres é Odabella, filha do Senhor de Aquília, morto às mãos do invasor. Attila manifesta a sua admiração pela coragem com que elas o enfrentaram, ao que Odabella responde dizendo que as mulheres da Itália estão sempre prontas a defender a sua pátria. Impressionado Attila dispõe-se a conceder-lhe o que ela pedir. E Odabella pede-lhe uma espada. 

Attila entrega-lhe então a sua própria arma que a mulher aceita com entusiasmo, fazendo sobre ela de imediato um voto: o de usá-la na sua vingança. Depois da saída das mulheres Attila manda chamar o enviado de Roma, o general Ezio, a quem respeita como adversário e como soldado. Ezio pede que a audiência seja privada. Diz que o Imperador de Constantinopla está velho e enfraquecido.

 Valentiniano, que reina a Ocidente, é ainda um adolescente. É por isso que propõe um acordo secreto: Attila poderá 

conquistar o mundo inteiro desde que ele, Ezio, possa conservar a Itália. Attila recusa essa proposta desleal: um povo tão covarde precisa ser castigado pelo representante de Votan. Ezio ainda tenta recuar para o seu papel de mensageiro de Roma, mas Attila diz que a cidade será arrasada, ao que Ezio responde desafiando-o.

De madrugada, sobre uma praia deserta do Adriático, desencadeia-se uma tempestade. Quando a tempestade se acalma os ermitas saem das suas cabanas e começam a rezar diante dum altar feito de pedras. O céu torna-se mais claro, e começam a chegar embarcações com refugiados da Aquília conduzidos por Foresto, saudado como o salvador. 

Mas Foresto está inquieto com o destino de Odabella, a sua noiva, dizendo preferir que ela tivesse morrido do que caído nas mãos dos Hunos. O sol começa a brilhar, e os fugitivos pedem a Foresto que interprete este sinal como uma promessa de esperança. Como resposta Foresto pede aos seus companheiros de infortúnio que construam uma nova cidade naquele preciso local, uma cidade renascida das cinzas, como Fénix.

1.º Ato

O 1º ato inicia-se num bosque próximo do acampamento que Attila montou junto de Roma. Odabella chora o seu pai que julga ver nos desenhos das nuvens. Em seguida recorda Foresto, que também pensa ter morrido. 

Mas Foresto aparece diante da jovem disfarçado de Huno. Louca de alegria Odabella vai lançar-se nos seus braços, no que, para sua surpresa, é repelida. Foresto acusa-a de traição. Ele atravessou perigos inimagináveis para chegar até ela e vê-la sorridente diante do assassino do seu pai. Então Odabella recorda-lhe a história bíblica de Judite e de Holoferne, convencendo-o da sua inocência e da sua determinação em se vingar. Foresto pede-lhe perdão e os dois caem nos braços um do outro.

Próximo dali Attila acorda na sua tenda e conta ao escravo Uldino o sonho aterrador que tivera. Ele vira, diante das portas de Roma, um velho enorme que lhe barrava o caminho gritando: "Até agora a tua missão era castigar os mortais. Retira-te! Este solo é Reino dos Deuses!" Recuperando a calma, e envergonhado dos seus medos, Attila ordena a imediata reunião dos exércitos, e, ao som de trombetas, avançam sobre Roma entoando cantos de louvor a Votan. 

Esses cantos acabam por se misturar com outros cantos muito diferentes: é uma procissão cristã, jovens e crianças vestidas de branco que transportam ramos, guiadas pelo Bispo Romano Leone que Attila reconhece como o velho do seu sonho. Aterrado o Rei dos Hunos julga ver diante de si São Pedro e São Paulo empunhando espadas de fogo, e cai prostrado no chão. Os soldados olham-no estupefatos, e os cristãos saúdam o Poder do Deus Eterno.

2.º Ato

O 2º ato começa no acampamento romano onde Ezio lê uma ordem do Imperador que o informa de que foi estabelecida uma trégua com os Hunos, e que deve regressar a Roma. Humilhado por ser tratado assim por uma criança mais assustada pelas próprias tropas do que pelos exércitos dos Hunos, Ezio medita amargamente sobre o contraste que existe entre a glória passada e a atual decadência de Roma. 

Chegam uns escravos de Attila que o vêm convidar para um banquete onde deverão também estar presentes os seus capitães. Um deles, Foresto, deixa-se ficar para trás e pede a Ezio que os seus homens estejam a postos para atacar os Hunos durante a festa mal virem brilhar uma luz sobre as montanhas. 

Esta notícia deixa Ezio empolgado perante a perspectiva de poder vingar a pátria. Talvez morra durante a batalha mas pelo menos o seu nome ficará para a posteridade como o último dos Romanos.

Segue-se a cena do banquete no acampamento de Attila onde os Hunos aclamam o seu rei. Ouvem-se as trompas que anunciam a chegada dos convidados, e Attila levanta-se para os receber. É então que os druidas lhe segredam que Votan os advertiu para que não se sente à mesma mesa com os seus antigos inimigos. 

Mas Attila afasta-os com impaciência, e ordena às sacerdotisas que cantem e dancem. Mal elas terminam os seus cantos uma violenta rajada de vento apaga a maior parte dos archotes que iluminavam a mesa do banquete. Na confusão que se segue Ezio volta a apresentar a Attila a sua proposta que é novamente recusada pelo Huno com desprezo. 

Foresto revela a Odabella que Uldino irá em breve oferecer a Attila uma taça de vinho envenenado. Isso roubará a Odabella a sua vingança. Assim, quando as tochas voltam a brilhar, e que Attila se prepara para beber em honra de Votan, a jovem interrompe-o avisando-o de que o vinho está envenenado. Furioso Attila quer saber o nome do responsável.

Foresto aproxima-se rindo das ameaças de morte, e Odabella pede como recompensa de ter salvo a vida ao rei, que lhe seja entregue a ela o poder sobre a vida de Foresto. Attila aceita, e, como testemunho da sua gratidão, compromete-se a tornar Odabella a sua rainha. 

Odabella diz a Foresto que fuja, e Foresto jura vingar-se daquele gesto da jovem que interpretou como traição. O acto termina com os Hunos pedindo a Attila que retome o combate contra os pérfidos romanos.

3.º Ato

O último ato começa num bosque, de madrugada. Foresto está só à espera que Uldino lhe traga notícia da hora em que terá lugar o casamento de Attila com Odabella. É informado de que o cortejo está já muito próximo, e revolta-se com a ideia de que uma jovem tão bela e tão pura o tenha traído daquela forma. 

Chega então Ezio dizendo que os seus homens esperam apenas um sinal para atacar os Hunos. Ao longe ouve-se o hino nupcial. Odabella aparece, lavada em lágrimas, implorando ao pai que lhe perdoe por ir casar-se com o seu assassino. 

Foresto diz-lhe que é tarde de mais para se arrepender, ao que Odabella responde dizendo que foi sempre a ele que ela amou. Aparece então Attila em busca da sua futura esposa, que encontra com Ezio e Foresto, acusando os três de ingratidão e de traição. 

Enquanto se ouve o clamor dos romanos no seu ataque aos Hunos, Odabella apunhala Attila. "Até tu, Odabella?" - diz ele. Mas estas últimas palavras do rei são apagadas pelos gritos de triunfo dos romanos que encontraram finalmente a vingança.

                                           

10- MacBeth

10ª ópera (33 anos)

MacBeth

10ª ópera (33 anos)

Libreto Italiano:

Francesco Maria Piave e Maffei sobre a tragédia de Shakespeare

Libreto Francês:

revisão de Piave e tradução de Nuitter e Beaumont

Estreia da versão italiana:

(Florença) Teatro Pergola, 14 de Março de 1847

Estreia da versão francesa:

(Paris) Ópera Lírica, 21 de Abril de 1865

Personagens

MacBeth

Banco

Lady MacBeth

Aia de Lady MacBeth

Macduff

Malcolm, filho de Duncan

Médico

Criado de MacBeth

Sicario

Araldo

Aparição

Hécata, deusa da Noite

Macbeth é uma ópera em quatro atos de Giuseppe Verdi, com um libretto italiano de Francesco Maria Piave e adições feitas por Andrea Maffei, baseado em William Shakespeare, uma peça de mesmo nome. Escrito para o Teatro della Pergola, em Florença, foi a décima ópera de Verdi e a estreia dada em 14 de março de 1847. Macbeth foi a primeira peça de Shakespeare que Verdi adaptou para os palcos de ópera. Quase vinte anos depois, Macbeth foi revista e ampliada em uma versão em francês e dada em Paris, em 19 de abril de 1865.

Depois do sucesso de Attila em 1846, época em que o compositor havia se tornado bem estabelecido, Macbeth veio antes dos grandes sucessos de 1850-1853 ( Rigoletto , Il Trovatore e La traviata ), que o impulsipnou para a fama universal. Como fontes, peças de Shakespeare desde Verdi com a inspiração ao longo da vida: alguns, como uma adaptação de Rei Lear (como Re Lear ) nunca foram realizadas, mas ele escreveu suas duas óperas finais que utilizem Othello como base em Otello (1887) e As Alegres Comadres de Windsor como base para Falstaff (1893).

Durante o ano de 1846 Verdi foi convidado por Lanari, um empresário de Florença, para escrever uma ópera que seria levada a cena no Teatro Pérgola durante o Carnaval do ano seguinte. Como muitas vezes acontecia, a escolha do libreto foi condicionada pelo cantor que a deveria interpretar. Assim, entre obras de Grillparzer, Schiller e Shakespeare, ao ser indicado o nome de Varesi, a escolha acabou por recair em MacBeth. Essa iria ser a primeira ópera de Verdi baseada num texto de Shakespeare.

Quando começou a trabalhar nesta sua nova ópera, Verdi compreendeu de imediato que toda a tensão da Tragédia se centrava, não entre diversas personagens em luta pelo Poder, mas sim entre os dois Protagonistas, Lord e Lady MacBeth. É a tensão existente entre ambos que está na origem da Tragédia: a tensão entre a Ambição Medrosa, latente na figura masculina, e a Ambição Cega, de certa forma camuflada, que guia o comportamento da figura feminina. Foi essa tensão que Verdi tentou transmitir ao transpor para música a obra de Shakespeare, sobre um libreto de Francesco Maria Piave.

A primeira versão de Macbeth foi concluída durante o tempo em que Verdi foi descrito como seus "anos de galera", que variaram ao longo de um período de 16 anos, e um que viu o compositor produzir 22 óperas. Pelos padrões do assunto de quase todas as óperas italianas durante os primeiros 50 anos do século 19, Macbeth era bastante incomum. A versão de 1847 foi muito bem sucedida e foi apresentada amplamente. Satisfeito com sua ópera e com a sua recepção, Verdi escreveu a Antonio Barezzi, seu ex-sogro e apoiante de longa data cerca de duas semanas depois da estréia:

"Há muito tempo a intenção de dedicar uma ópera para você, que têm sido pai, benfeitor e amigo para mim. Era um dever que eu deveria ter cumprido mais cedo se circunstâncias imperiosas não tivessem me impedido. Agora, eu vos envio Macbeth como prêmio acima de todas as minhas outras óperas, e, portanto, considerando digna de apresentar a você."

A revisão de 1865, produzida em uma tradução francesa e com várias adições, foi pela primeira vez em 19 de abril do mesmo ano. Foi menos bem-sucedida, e da ópera, grande parte desapareceu da vista do público até que os revivals de meados do século 20 aparecessem.

Influenciado por sua amizade em 1840 com Andrea Maffei, poeta e homem de letras que tinha sugerido tanto de Schiller" Die Räuber" ( os ladrões ) e a peça de Shakespeare "Macbeth" temas como adequadas para óperas, que Giuseppe Verdi recebeu uma comissão de Florença, do Teatro della Pergola, mas não uma ópera em particular foi especificada. Ele só começou a trabalhar em Macbeth, em setembro de 1846, a razão de condução para essa escolha é a disponibilidade de um determinado cantor, o barítono Felice Varesi que iria cantar o papel-título .  

Com Varesi sob contrato, Verdi poderia incidir sobre a música para Macbeth. (Maffei já estava escrevendo um libreto para I masnadieri, que foi baseado na peça sugerida de  Schiller , mas poderia ter sido substituída por Macbeth que tinha o barítono não estar disponíveis. Devido a várias complicações, incluindo a doença de Verdi, o trabalho não era para receber sua estréia até julho de 1847).

O texto de Piave foi baseado em uma tradução em prosa de Carlo Rusconi que havia sido publicado em Turim em 1838. Verdi não encontrou o trabalho original de Shakespeare até depois da primeira apresentação da ópera, embora ele tivesse lido Shakespeare em tradução por muitos anos, como ele observou em 1865 numa carta: Ele é um dos meus poetas favoritos; tive o prazer de tê-lo em minhas mãos da minha primeira juventude". Este respeito pelo teatro de Shakespeare inspirou a Verdi um extremo cuidado ao longo de todo o processo de criação de Macbeth, tanto na escritamusical quanto na preocupação obsessiva com os menores detalhes da produção. 

Quando Verdi se viu acusado de não conhecer Shakespeare por um crítico de Macbeth, respondeu que sua ópera podia não ter sido bem sucedida na adaptação, era verdade, mas não admitia ouvir que não conhecia o autor, uma vez que desde a mais tenra juventude lia e relia as peças dele com muito entusiasmo. 

De fato, o italiano tinha em sua biblioteca duas traduções diferentes das obras completas de Shakespeare para o italiano – com seu fraco inglês, ele era incapaz de ler no original. Como veremos, certamente isso o influenciou, uma vez que seu interesse era sobretudo na dramaturgia, e não na poesia. Numa carta para seu editor, Ricordi, dirá ainda que considerava o Bardo um realista assim como ele mesmo – realismo por inspiração, em sua expressão, enquanto que Verdi se via como um realista por “planejamento”.

Escrevendo a Piave, Verdi tornou claro como era importante este assunto: ".... Esta tragédia é uma das maiores criações do homem ... Se não podemos fazer algo grande fora dele vamos pelo menos tentar para fazer algo fora do comum ". Apesar de discordâncias e necessidade de Verdi estar constantemente corrigindo Piave em seus rascunhos (até o ponto onde Maffei tinha uma mão para re-escrever algumas cenas do libreto, especialmente as bruxas 'coro no ato 3 e a cena de sonambulismo), sua versão segue a peça de Shakespeare bem de perto, mas com algumas mudanças. 

Em vez de usar três bruxas como na peça, há um grande coro feminino de bruxas, cantando em três partes da harmonia (embora deve-se notar que elas estão divididas em três grupos, e cada grupo que canta como uma única bruxa, usando " I "e não" nós "). O último ato começa com um conjunto de refugiados na fronteira inglesa, e, na versão revista, termina com um coro de bardos comemorando a vitória sobre o tirano.

Nunca antes Verdi foi tão detalhista na preparação de uma ópera, tendo cuidado até com os elementos da encenação, já que fazia muita questão de uma reprodução convincente do século XI escocês. Chegou mesmo a fazer a exigência de que os cantores fossem bons atores – e isso no ottocento era uma grande exigência –, sugerindo igualmente que Lady Macbeth fosse feia (!), já que a soprano cogitada, Eugenia Tadolini, apesar de ótima cantora, era demasiado bonita e a Lady deveria ser pérfida em toda a expressão. 

Destaque ainda para os conselhos aos cantores, como o de que nas cenas principais (dueto entre Macbeth e esposa e a cena do sonambulismo) não deveriam ser cantadas, mas sim “atuadas e declamadas com uma voz muito sombria e velada”. Quase um ensaio para a Gesamtkunstwerk, não fosse o fato de que Verdi era completamente inábil com as palavras. Então o libreto ficou a cargo de Piave, a quem começou pedindo “versos fortes e concisos”. Nosso compositor terminou sendo tão duro em seu perfeccionismo que chegou ao cúmulo de preterir alguns trechos de Piave, sem consultá-lo, pela reescritura de Andrea Maffei, como na cena do sonambulismo de Lady Macbeth.

Verdi cuidou dos mínimos detalhes da encenação e conta-se que através de seu editor Tito Ricordi, manda um sarcástico recado ao figurinista Perroni, dispondo-se, se necessário, a estudar com ele um pouco de História da Escócia: a ópera se passa no período 1040-1057, época em que a seda e o veludo eram desconhecidos naquele país. 

Portanto, todos os trajes de cena feitos desses tecidos, embora já prontos, devem ser substituídos. Escreve ao empresário Lanari, advertindo-o a não fazer economia nos gastos com o coro e com a maquinaria do palco, e dá instruções detalhadas sobre a divisão do coro em grupos na cena das bruxas assim como sobre o uso da lanterna mágica na cena da aparição dos oito reis. 

Já em 1852, foi perguntado a Verdi da possibilidade de rever a sua existente Macbeth para o francês para ser apresentada em Paris. No entanto, nada transpirou, mas, mais uma vez, em 1864, Verdi foi solicitado a fornecer música adicional - um balé e um refrão final - para uma produção prevista no Théâtre Lyrique (Théâtre Lyrique-Impérial du Châtelet) em Paris.

 Em uma carta a seu editor, Giulio Ricordi pedindo uma cópia da partitura, Verdi afirmou que "gostaria de alongar várias peças para dar a ópera mais personalidade",  mas ele percebeu rapidamente que os aditamentos propostos não seriamm suficientes e que uma revisão de toda a ópera era exigido. Ele seguiu em frente para assessorar o empresário do Lyrique, Léon Carvalho, alegando ser necessário mais tempo e lhe pediu paciência: "Eu estou trabalhando, trabalhando, trabalhando", assegurou o empresário e ressaltou que ele queria não tentar apressar um re-trabalho de uma ópera que tinha escrito tantos anos antes.

Assim começou uma revisão da versão original de 1847, durante o inverno de 1864-1865. O libretista de Verdi de anos antes, Francesco Maria Piave, foi pressionado em serviço para expandir a ópera e o compositor exerceu suas habituais pressões sobre ele, como havia feito a partir de sua primeira colaboração: "Não, não, meu caro Piave, ele não vai fazer ! " foi uma reação típica de um primeiro projeto neste caso, foi de novo ato 2, na ária de Lady Macbeth "La luce langue", cujo resultado foi que pela insistência de Verdi veio a a cena de Macbeth emocionante. 

Com a adição de música para Lady Macbeth, a ária de Macbeth no ato 3 foi completamente re-escrita, como era uma quantidade considerável do resto do ato 3; um balé foi adicionado no ato 3; um coro começou ato 4; e o fim do ato 4 também foi alterado, sendo determinado por Verdi a cair ária final, de Macbeth 'Mal por me che m'affidai' ("Confiar nas profecias do Inferno") em favor de uma morte fora do palco, para acabar com o coro triunfal.

Se todas essas demandas específicas que foram colocadas a Piave não bastasse, Verdi escreveu uma carta muito longa para Ricordi descrevendo o que ele via como as exigências dramáticas da revisão. Alguns referem-se a elementos cruciais para o drama, especialmente como as aparências de Banquo como um fantasma devem ser apresentadas. Em última análise, no entanto, Verdi tinha pouco poder sobre a produção encenada, mas, no que diz respeito à tradução, ele insistiu que o tradutor, quando se considerou no ato 2, o dueto entre o casal Macbeth, reter as palavras "Folie Follie" como está escrito, a fim de enfatizar o impacto dramático que essas palavras criavam.

Numa carta final, desta vez em fevereiro, para Escudier, relaciona-se com o que Verdi viu como "os três papéis nesta ópera, e só pode haver três". Ele, então, estabelece que não há Lady Macbet,  Macbet, Chorus of Witches, descontando-se o papel de Macduff, e ele continua observando que, para ele, "as bruxas governam o drama ..... Elas são verdadeiramente um personagem, e de um caráter de maior importância.

" Macbeth é uma ópera “senza amore”, sem romance - um caso único em todas as óperas de Verdi. Em todas as outras há pelo menos um romance periférico, como em Falstaff. Dentre as milhares de palavras que constituem o libreto de Macbeth, o vocábulo amore é utilizado apenas três vezes, e em nenhuma delas para descrever a relação afetiva homem-mulher. 

Verdi pôde, portanto, concentrar seus esforços nos três personagens que para ele eram os mais importantes do drama: a sinistra

Lady Macbeth, cuja ambição pelo trono a leva a manipular constantemente seu marido; Macbeth, o intrépido soldado a quem a sede de poder transforma em assassino; e o coro das bruxas, visto pelo autor como o elemento propulsor de toda a ópera, pois são suas profecias que terão a função de despertar os desejos inconscientes de Macbeth, tornando-o presa fácil das maquinações da esposa.

Dezoito anos depois, em 1865, Verdi foi convidado por Léon Escudier, seu editor francês, a rever Macbeth para apresentá-la em Paris. Embora a partitura permaneça basicamente a mesma de 1847, Verdi faz várias alterações das quais as mais importantes foram a substituição da cabaletta Trionfai de Lady Macbeth , no início do segundo ato, pela suntuosa ária La luce langue; a troca da cabaletta de Macbeth Vada in fiamme, do final do terceiro ato, pelo dueto Ora di morte e di vendetta, cantado pelo casal – em 1865, Verdi considerava as cabalettas fora de moda – e o final da ópera, em que a fuga descrevendo a batalha e a subseqüente cena de morte de Macbeth, com seu curto solilóquio, dão lugar ao hino de vitória "Macbetto ov’è", após Macbeth simplesmente cair morto – sem cantar nada - atingido pela espada vingadora de Macduff. Embora algumas produções misturem as duas versões, a mais comumente apresentada é a de 1865.

Portanto, uma nova versão foi apresentada pela primeira vez em 21 de abril 1865 em uma tradução francesa por Charles-Louis-Étienne Nuitter e Alexandre Beaumont, embora Verdi tivesse pedido para que fosse feita por Gilbert Duprez, o que virou tenor-professor em quem ele tinha grande confiança e que sabia de suas performances em sua primeira ópera de Paris, Jérusalem em 1847. O compositor se recusou a participar do desempenho de Paris, mas desde as direções através de seu editor, outros diretamente para Escudier.

 Inicialmente, os relatórios de Escudier foram favoráveis, mas a primeira apresentação foi mal recebida pela crítica, algo que confundiu o compositor: "Eu pensei que eu tivesse feito muito bem ... parece que eu estava enganado", afirmou, quando escreveu a seu editor de Paris, Escudier. As performances mais tarde em Paris não se saíram melhores.

Em italiano, a ópera foi dada no La Scala, no outono de 1865, mas poucos ou nenhuma outra na Itália parece ter sido apresentada desde o seu renascimento na Europa a partir da década de 1960, na versão revista de Macbeth em italiano continua a ser a versão preferida para performances modernas.

A versão de 1847, depois de ter sido dada em primeiro lugar em 14 de março daquele ano, em Florença, foi bem sucedida e foi realizada em toda a Itália, em cerca de 21 locais (algumas repetidos) até que a versão revista apareceu em 1865, momento em que foi registrado que foi dado apenas em Turim (1867), Vicenza (1869), Firenze (1870) e Milan (1874). 

A primeira versão foi dada a sua estréia Estados Unidos em abril 1850 no Jardim do Niblo em Nova York com Angiolina Bosio como Lady Macbeth e Cesare Badiali como Banco, enquanto a estreia do Reino Unido teve lugar em outubro de 1860 em Manchester .

Depois da estréia da versão revista, que foi seguida por apenas mais 13 performances de 1865, a ópera em geral caiu de popularidade. Ela foi dada em Paris em abril de 1865 e, em seguida, ocasionalmente, até cerca de 1900. No entanto, depois disso, foi raramente executada até depois da Segunda Guerra Mundial .

A estréia dos EUA da versão posterior não ocorreu até 24 de outubro de 1941 em Nova York, mas duas produções europeias, em Berlim em 1930 e em Glyndebourne em 1938 e 1939, foram importantes para ajudar o renascimento do século 20. A produção 1938 foi a estréia da versão revista do Reino Unido e o primeiro a combinar a morte de Macbeth a partir da versão 1847, com o fim triunfal a partir da versão 1865, algo totalmente contra a vontade de Verdi.

Glydebourne reviveu na década de 1950, mas não foi até 1959 que ele apareceu no Metropolitan Opera pela primeira vez. Da mesma forma, as primeiras apresentações no Royal Opera House, Covent Garden, com Tito Gobbi (e, em seguida, outros no papel-título) teve lugar em 30 de março de 1960, com outras produções apresentadas em 1981 e 2002. A visita "Kirov Opera" (como de hoje Mariinsky Opera era então conhecida), apresentou em Londres no Covent Garden, em 2001.

Nos últimos tempos, a ópera tem aparecido com mais freqüência nos repertórios de empresas como a Opera Nacional de Washington (2007) e da Ópera de São Francisco (Nov / Dez 2007) e em muitas outras casas de ópera em todo o mundo, mas quase todas as produções teatrais da revista versão em italiano.

No entanto, a versão de 1847 foi dado em concerto no Royal Opera House em 27 de junho de 1997 e ambos, o original e as versões revistas, foram apresentados em 2003 como parte do Opera Sarasota "Ciclo de Verdi", e todas as óperas do compositor em suas diferentes versões.

Em 2012, o Grand Théâtre de Genève apresentou uma produção da ópera sob a direção de Christof Loy que convidou o artista contemporâneo sueco Jonas Dahlberg para criar a cenografia. Dahlberg, cuja obra própria, muitas vezes lida com arquitetura e cinema, preparou uma série que se assemelhou a um filme em preto e branco. 

Ele usou Alfred Hitchcock, Rebecca , e Carl Theodor Dreyer Vampyr como referências fundamentais para "mergulhar na intimidade escuro e psíquica dos personagens". O diretor musical foi Ingo Metzmacher. Lady Macbeth era realizada pela mezzo-soprano Jennifer Larmore, Davide Damiani cantou Macbeth, e Christian Van Horn foi o Banco. 

Operabase , o banco de dados de ópera que fornece informações sobre produções, atualmente mostra 495 performances de 104 produções em 82 cidades como tendo ocorrido ou planejado para ocorrer.  A "Opera Statistics "revela que esta ópera fica no número 27 das 50 principais óperas realizadas nas cinco temporadas de 2008/09 a 2012/13, com 140 performances. 

Personagens:

Macbeth (sempre chamado de "Macbetto" no texto falado) barítono

Lady Macbeth soprano Marianna Barbieri-Nini

Banco ( Banquo ) baixo Nicola Benedetti

Macduff tenor Angelo Brunacci

Lady-in-waiting meio-soprano

Malcolm tenor

Médico baixo

Servo de Macbeth baixo

Arauto baixo

Assassino baixo

Três aparições 2 sopranos e um baixo

Duncano ( Duncan ), Rei da Escócia Silencioso

Fleanzio ( Fleance ), filho de Banco Silencioso

Bruxas, mensageiros, nobres, atendentes, refugiados - chorus

SINOPSE:

Local: Escócia

Época: século 11

A estreia teve lugar no Teatro Pérgola, em Florença, como previsto, durante o Carnaval de 1847.

1.º Ato

A ação desenrola-se na Escócia durante o Reinado de Duncan.

Ao regressarem duma batalha vitoriosa contra grupos rebeldes, MacBeth e Banco encontram numa clareira da floresta um grupo de Feiticeiras que os saúdam - uma saudação que, pelo seu caráter premonitório, os deixa inquietos e apreensivos. MacBeth é saudado como "Senhor de Clamis e de Caudore" e como "Rei dos Escoceses". Quanto a Banco é saudado como "a semente duma longa Linhagem de Reis". Passados instantes, cumpre-se uma das Profecias: um mensageiro chega com a notícia da morte do Senhor de Caudore, de cujo título MacBeth é o herdeiro.

No seu Castelo, Lady MacBeth lê uma carta do marido em que ele fala no encontro que teve com as Feiticeiras e na estranha forma como elas se lhe dirigiram. Lady MacBeth alegra-se com a mensagem implícita na saudação, mas revolta-se contra o medo e a tibieza que a reacção de MacBeth evidencia.

Lord MacBeth chega ao Castelo na companhia de Duncan dizendo que o Rei irá passar ali essa noite. Lady MacBeth vê nisso um sinal e acha ter chegado o momento de ajudar o Destino fazendo cumprir a última das predições das Feiticeiras. É assim que acaba por convencer MacBeth a matar o Monarca - o que ele faz nessa mesma noite. 

Consumado o ato, MacBeth é perseguido pelos remorsos e o medo, sentimentos que, acredita, irão passar a ser uma constante de todos os seus dias futuros.

Na manhã seguinte, ao irem acordar o Monarca, Macduff e Banco descobrem que ele foi assassinado. O crime é atribuído ao próprio filho do Rei e seu herdeiro, Malcolm, que, ao fugir, não faz senão aumentar as suspeitas que recaem sobre ele.

2.º Ato

O 2º ato inicia-se no Castelo dos MacBeth onde Lady MacBeth manifesta a sua estranheza pelos constantes temores do marido. 

Ele agora é Rei dos Escoceses, as Profecias cumpriram-se, que perigos podem ainda ameaçá-lo? E MacBeth fala da outra Profecia que ainda não se cumpriu, aquela que anuncia Banco como semente duma longa Linhagem de Reis.

Mas Lady MacBeth diz que esse perigo pode ser afastado: basta mandar assassinar Banco - conselho que MacBeth aceita e que faz cumprir. Banco é assassinado num recanto distante dos Jardins do Castelo e o seu filho foge.

Essa noite, durante um banquete, depois dos brindes aos novos Soberanos, um dos assassinos de Banco aparece a uma das portas. MacBeth levanta-se e vai falar com ele sendo informado de que tudo se cumprira como ordenado. MacBeth regressa à mesa do banquete lamentando a inexplicável ausência de Banco. 

Só que, no lugar que lhe estava reservado, MacBeth vê o Espectro do companheiro de armas, com ele estabelecendo um diálogo incoerente que poderá revelar-se extremamente perigoso. Lady MacBeth tenta acalmá-lo, mas as suspeitas já surgiram e Macduff decide abandonar de imediato o Castelo e procurar refúgio do outro lado da fronteira.

3.º Ato

A ação do 3º ato desenrola-se na Floresta, no antro das Feiticeiras, às quais aparece Hécata, a Deusa da Noite.

Instantes depois chega MacBeth, o novo Rei dos Escoceses, que vem pedir que lhe leiam o Futuro. A resposta das Feiticeiras é breve, mas difícil de decifrar: elas dizem para não confiar em Macduff, acrescentando que "nenhum Homem nascido duma Mulher o poderá derrotar, desde que a Floresta de Birman não interfira entregando o Poder à Linhagem de Banco".

Ao escutar esta última predição, MacBeth cai sem sentidos. Quando acorda tem ao seu lado a mulher que lhe pergunta o que foi que aconteceu que o deixou assim, naquele estado de terror. MacBeth repete o que lhe foi dito pelas Feiticeiras, mas Lady MacBeth não vê, nessas novas predições, nenhum motivo para ter medo, e aconselha-o a fazer a guerra, a atacar os inimigos antes que eles o ataquem, destruindo o Castelo de Macduff e mandando matar toda a família, bem como o filho de Banco, que anda fugido. Uma vez mais MacBeth decide seguir os conselhos da mulher.

4.º Ato

Toda a ação do 4º ato se desenrola quase exclusivamente na região da fronteira entre a Escócia e a Inglaterra, e é dominada pela grande batalha decisiva que irá terminar o curto reinado de MacBeth.

À Floresta de Birman, onde estão concentrados os refugiados escoceses fugidos do despotismo de MacBeth, chega o filho de Duncan vindo de Inglaterra à frente dum Exército, iniciando, de imediato, os preparativos para a batalha mandando cortar ramos dos arbustos para com eles camuflar os seus homens.

Longe dali, no seu Castelo, Lady MacBeth revela os sintomas dum sonambulismo preocupante que é, de fato, prenúncio da sua morte. Perto da fronteira, no Castelo de Dunsiname, MacBeth recebe a notícia da morte da mulher com aparente indiferença, limitando-se a dizer "que a vida não faz sentido, que é apenas uma história confusa imaginada por um louco".

MacBeth prepara-se para a batalha eminente amaldiçoando os inimigos, até que é surpreendido por uma notícia que o deixa gelado, já que indicia o cumprimento de uma das Profecias das Feiticeiras: um dos seus homens vem dizer-lhe que a Floresta de Birman parece avançar na direcção do Castelo.

A ópera termina no campo de batalha onde MacBeth é ferido mortalmente por Macduff. Quando grita dizendo que, segundo as Profecias, nenhum Homem nascido duma Mulher o poderá derrubar, Macduff responde ter nascido de cesariana. MacBeth morre e Malcolm é proclamado Rei.

Levic