Christoph Willibald Gluck
As Óperas de Gluck:
Ópera séria
Artaserse (1741), Demetrio, Demofoonte (1743), Il Tigrane, La Sofonisba (1744), Ipermestra, La caduta de' giganti (1746), Artamene (1746), Le nozze d'Ercole e d'Ebe, La Semiramide riconosciuta (1748), La contesa dei numi (1749), Ezio (1750), La clemenza di Tito (1752), Le cinesi, Antigono, Il rè pastore (1756), Telemaco (1765).
Ópera-comique
L'Îsle de Merlin (1758), La Cythère assiégée (1759), L'Arbre enchanté (1759), L'Ivrogne corrigé, Le Cadi dupé (1761), La Rencontre imprévue (1764).
Óperas da reforma
Orfeo ed Euridice (1762), Alceste (1767), Paride ed Elena (1770).
Ópera francesa
Iphigénie en Aulide (1774), Orphée et Euridice (1774) and Alceste (1776; as óperas francesas das versões italianas anteriores), Armide (1777), Iphigénie en Tauride (1779), Echo et Narcisse (1779).
Ópera séria
Artaserse (1741), Demetrio, Demofoonte (1743), Il Tigrane, La Sofonisba (1744), Ipermestra, La caduta de' giganti (1746), Artamene (1746), Le nozze d'Ercole e d'Ebe, La Semiramide riconosciuta (1748), La contesa dei numi (1749), Ezio (1750), La clemenza di Tito (1752), Le cinesi, Antigono, Il rè pastore (1756), Telemaco (1765).
Ópera-comique
L'Îsle de Merlin (1758), La Cythère assiégée (1759), L'Arbre enchanté (1759), L'Ivrogne corrigé, Le Cadi dupé (1761), La Rencontre imprévue (1764).
Óperas da reforma
Orfeo ed Euridice (1762), Alceste (1767), Paride ed Elena (1770).
Ópera francesa
Iphigénie en Aulide (1774), Orphée et Euridice (1774) and Alceste (1776; as óperas francesas das versões italianas anteriores), Armide (1777), Iphigénie en Tauride (1779), Echo et Narcisse (1779).
1- Eco et Narcisse (1779)
Eco et Narcisse, ópera em três atos, Wq. 47
Christoph Willibald Gluck
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PERÍODO
Clássico
1779
DURAÇÃO
95:40
Eco et Narcisse foi a última ópera que Gluck escreveu para o palco parisiense. Um 'drama lyrique' em três atos, cujo libreto é do Barão Ludwig Theodor von Tschudi, e a história foi retirada das Metamorfoses de Ovídio. A ópera estreou no Ópera de Paris, em setembro de 1779. Eco et Narcisse foi o primeiro realizado no Ópera de Paris e foi um fracasso, interrompido depois de apenas 12 performances. Gluck decidiu voltar para Viena e nunca mais voltou para Paris. Ele revisou o trabalho para 8 de agosto de 1780, mas esta versão só atuou para nove performances.
Uma terceira versão foi apresentada ao público em 8 de junho de 1781 e foi melhor recebida. No entanto, raramente era produzida até que René Jacobs reviveu-a em 1987 no Festival de Schwetzingen. Jacobs usou a versão revista que o original não sobreviveu, exceto o libreto .
Os Piccinists e os Gluckists haviam agitado um grande conflito em Paris em torno das técnicas de composição de Gluck e os Piccinists submeteram Gluck a uma grande quantidade de calúnias. Isso não impediu que "Iphegenie en Tauride" viesse a ser o maior sucesso parisiense de Gluck, mas "Eco et Narcisse" foi um fracasso abismal.
"Eco et Narcisse" é definida no modo de uma pastoral, no bosque com o templo de Cupido, e talvez o público francês estivesse esperando uma tragédia. Entretanto, embora o libreto não fosse o melhor, a música é muito bonita e harmonicamente muito rica. A pontuação é composta através de muitos lamentos finos, tanto para Eco como para Narciso. Gluck revisou a ópera duas vezes, mas raramente é realizada nos dias de hoje.
"Eco et Narcisse" é definida no modo de uma pastoral, no bosque com o templo de Cupido, e talvez o público francês estivesse esperando uma tragédia. Entretanto, embora o libreto não fosse o melhor, a música é muito bonita e harmonicamente muito rica. A pontuação é composta através de muitos lamentos finos, tanto para Eco como para Narciso. Gluck revisou a ópera duas vezes, mas raramente é realizada nos dias de hoje.
Personagens:
Echo, uma ninfa, governante da floresta e das águas soprano
Aglaé, uma ninfa amiga, de Echo soprano
Egle, uma ninfa amiga, de Echo soprano
Amour (Cupido) soprano
Narcisse, um caçador, filho de Cephisus tenor
Cynire, amigo de Narcisse haute-contre
Sylphie, uma ninfa soprano
Thanais, uma ninfa soprano
Silfos, Zephyrs e atendentes e seguidores de Amour, Eco e Narciso.
Ballet
Sinopse
A ninfa Eco é amada por Narcisse, mas também desejada por Apolo. Apollo coloca um feitiço sobre Narcisse para que ele se apaixone pelo seu próprio reflexo, mas, Cupido entra em ação com o sucesso em garantir um final feliz por voltar a unir Eco e Narciso.
2-Iphigénie en Tauride
Iphigénie en Tauride ( Ifigênia em Tauris ) é uma ópera de Christoph Willibald Gluck em quatro atos. Foi sua quinta ópera para o palco francês. O libreto foi escrito por Nicolas- François Guillard .
Com Iphigénie, Gluck teve sua reforma da ópera à sua conclusão lógica. Os recitativos são mais curtos e são 'récitatif accompagné' (ou seja, as cordas e, talvez, outros instrumentos estão também no enredo, e não apenas em continuo acompanhamento). Os movimentos de dança normais que se encontra na ópera francesa, na tragédie en musique são quase inteiramente ausentes. O drama é, em última análise, baseado na peça Ifigênia em Tauris como foi concebida pelos antigos gregos, o dramaturgo Eurípides que trata de histórias sobre a família de Agamemnon, no rescaldo da Guerra de Tróia.
Iphigénie en Tauride foi realizada pela primeira vez em Paris em 18 de maio 1779 e foi um grande sucesso. Alguns pensaram que o chefe da Ópera de Paris, Devimes (Anne Pierre Jacques de Vismes (1745-1819), tentara atiçar a rivalidade entre Gluck e Piccinni Niccolò, um compositor italiano também residente na capital francesa, pedindo-lhes para definir uma ópera sobre o mesmo tema da Ifigênia em Tauris. Mas na verdade, a ópera Iphigénie en Tauride de Piccinni não estreou até janeiro de 1781 para não aproveitar a popularidade que o trabalho de Gluck fez em 1779.
Em 1781 Gluck produziu em alemão a versão da ópera Ifigênia em Tauris, para a visita do russo Grão-Duque Paulo em Viena, com o libreto traduzido e adaptado por Johann Baptist von Alxinger em colaboração com o compositor. Dentre as principais alterações foi a transposição do papel de Oreste de barítono para tenor e a substituição do refrão final do Ato 2, com um movimento instrumental.
Esta versão revista foi a única ópera que Gluck escreveu em seu alemão nativo, e seu último trabalho para o palco. Denominado de "um trágico Singspiel ", foi encenado em 23 de outubro de 1781 no Nationalhoftheater, aproveitando que o imperador Joseph II teve a Burgtheater rebatizada após destituir os cantores italianos e sua orquestra em 1776 e a instalação de atores alemães no teatro.
Quando os parcos resultados alcançados pelos novos programas Singspiel levou o imperador a recuar, ficando um italiano de companhia da ópera bufa, ele recrutou novamente os artistas alemães e envolveu Lorenzo da Ponte como seu poeta de teatro, encaregado de preparar uma tradução italiana da ópera de Gluck, que foi encenada no restaurado Burgtheater, em 14 de dezembro de 1783. A edição alemã foi reavivada em Berlim no Nationaltheater Königliches no Gendarmenmarkt em 24 de fevereiro de 1795, enquanto que a tradução de Da Ponte foi escolhida para o desempenho em Londres, a primeira performance no King's Theatre em 7 abril de 1796.
A versão original francesa eventualmente provou ser uma das composições mais populares de Gluck em Paris, com 400 apresentações, atingindo os anos de 1721 até 1829. Foi montada no Châtelet (1868), Renaissance (1899), e da Opéra-Comique (1900). Foi trazida para o palco para o Ópera em Paris em 27 de junho 1931, com a ajuda da Sociedade de Wagner de Amesterdan e com Pierre Monteux regendo a orquestra ".
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Em 1889, Richard Strauss fez um novo arranjo do trabalho para a editora Adolph Fürstner, que mais tarde foi encenada em Weimar no Hoftheater em 9 de junho de 1900, sob o título de Iphigenie auf Tauris. A versão de Strauss foi frequentemente realizada no início do século XX e também foi usada para a estréia da obra no Metropolitan Opera, em 1916. Foi gravada em 1961, com Montserrat Caballé no papel-título e recentemente foi ressuscitada em 2009 no Festival della Valle d'Itria em Martina Franca.
Quanto à versão italiana de Da Ponte, houve uma encenação "memorável" no Teatro alla Scala, em 1957, com Nino Sanzogno regendo a orquestra, Luchino Visconti como diretor e Maria Callas no papel-título. O desempenho de 1 de junho também foi gravado ao vivo e agora está disponível em CD.
Personagens:
Iphigénie ( Ifigênia ), sacerdotisa de Diana soprano ou mezzo-soprano
Oreste ( Orestes ), seu irmão barítono ou tenor
Pylade ( Pílades ), seu amigo tenor
Toas, rei da Cítia baixo
Diane ( Diana ) soprano
Citas, sacerdotisas de Diana, gregos
Sinopse
Ato 1
Cena: O hall de entrada do templo de Diana em Tauris.
Não há abertura; a ópera já começa com uma curta passagem evocando um ambienete calmo antes de se transformar em uma representação de uma grande tempestade no mar. Ifigênia , irmã de Orestes , é a sacerdotisa de Diana, no templo de Tauris, tendo sido transportada magicamente pela deusa, quando seu pai Agamenon tentou oferecê-la como um sacrifício. Ifigênia e suas sacerdotisas pediram aos deuses para protegê-las da tempestade ( Grands Dieux! secourables Soyez nous ).
Embora a tempestade tenha acabado, Ifigênia continua perturbada por um sonho que teve, no qual ela imaginou sua mãe Clitemnestra assassinando seu pai, e em seguida, seu irmão Orestes a matar sua mãe, e, finalmente, sua própria mão esfaquear o irmão. Ela reza a Diana para reuni-la com Orestes ( Ô toi qui jours prolongeas mes ). Toas, rei de Tauris, entra. Ele também está obcecado por pensamentos escuros ( De noirs pressentiments): os oráculos, ele diz a ela, prevê a desgraça para ele, se um estranho somente escapa com vida. (O costume do citas , que habitam Tauris, é ritualmente sacrificar qualquer náufrago em suas costas de mar).
Um coro de citas chegam trazendo notícias de dois jovens gregos, que acabam de ser encontrados como náufragos, exigindo seu sangue ( Il nous fallait du sang ). Após Ifigênia e o conjunto de sacerdotisas sairem, Thoas traz os gregos, que acabam por ser Orestes e seu amigo Pílades. Depois de pedir-lhes para que fim eles vieram (que têm vindo para recuperar a estátua de Diana e devolvê-la para a Grécia, apesar de não divulgar isso), Thoas promete-lhes a morte para o seu caminho.
Ato 2
Cena: Uma câmara interior do templo
Orestes e Pílades definham na cadeia. Orestes repreende a si mesmo por causar a morte de seu querido amigo ( Dieux qui me poursuivez ), mas Pílades garante-lhe que ele não se sente desanimado porque eles vão morrer unidos ( Unis dès la plus tendre enfance ). Um ministro do santuário chega para remover Pílades. Orestes adormece ( Le calme rentre dans mon coeur ), mas ele é atormentado pelas visões das Fúrias, que desejam vingar o assassinato de sua mãe (a quem Orestes matou por ter assassinado seu pai Agamemnon).
Ifigênia entra e, embora os dois não se reconhecem, Orestes vê uma incrível semelhança entre ela e a Clitemnestra morta visto em seu sonho. Ela questiona-o ainda mais, pedindo- lhe o destino de Agamenon e de toda a Grécia, e ele lhe diz do assassinato de Agamenon por sua esposa, e do assassinato da esposa de seu filho. Na agitação, ela pergunta sobre o destino do filho, e Orestes diz que o filho encontrou a morte, ele havia procurado por muito tempo, e que só a sua irmã Electra permanece viva. Ifigênia quer enviar Orestes como mensageiro e com suas sacerdotisas lamenta a destruição de seu país e da suposta morte de seu irmão ( Ô malheureuse Iphigénie ). Ela e as sacerdotisas realizam uma cerimônia fúnebre para Orestes ( Contemplez ces tristes apprêts ).
Ato 3
Cena: O) quarto de Ifigênia
Ifigênia é atraída para o estranho que a faz lembrar de seu irmão Orestes ( D'une imagem, hélas! trop chérie ). Ela diz a Orestes e Pílades que ela pode persuadir Thoas para salvar um deles do sacrifício ( Je pourrais du tyran tromper la barbarie ) e pergunta quem será poupado para levar notícias do seu destino a sua irmã Electra em Argos. Ambos os homens prontamente concordam, e Ifigênia escolhe Orestes para sobreviver.
Mas, em sua saída, Orestes insiste que Pílades concorde em trocar de lugar com ele, porque Orestes não pode suportar o pensamento da morte de seu amigo e vê a morte como uma fuga da sua própria loucura. Pílades, ao contrário, está feliz com a idéia de morrer, assim Orestes pode viver (Dueto: Et tu prétends encore que tu m'aimes and aria for Pylades: Ah! mon ami, j'implore ta pitié ).
Quando Iphigenia retorna, Orestes insiste que ela reverta a sua decisão, ameaçando matar-se diante de seus olhos, se ela não o fizer. Relutante, ela concorda em poupar Pílades e enviá-lo para levar sua mensagem a Electra. Todos saem, menos Pílades, e ele fecha o ato com a promessa de fazer o possível para salvar Orestes(Divinité des grandes âmes!).
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Ato 4
Cena: No interior do templo de Diana
Ifigênia pergunta-se como ela pôde realizar o assassinato de Orestes, pois de alguma forma sua alma encolheu a partir do pensamento. Ela pede que à deusa Diana para ajudá-la (Je t'implore et je tremble ). As sacerdotisas trazem Orestes, que foi preparado para o sacrifício (Refrão: Ô Diane, sois nous propice ). Ele diz a ela para não lamentá-lo, mas ela retorna dizendo-lhe que é a vontade dos deuses. As sacerdotisas cantam um hino a Diana quando eles levam Orestes para o altar (Refrão: haste fille de Latone).Enquanto ela empunha a faca, Orestes exclama o nome de Ifigênia, levando ela e as sacerdotisas a reconhecê-lo e parar o abate do ritual.
O reencontro feliz de irmã e irmão é cortado com a notícia de que Thoas está chegando, tendo ouvido dizer que um dos cativos foi libertado e com a intenção de derramar o sangue do outro. O rei entra descontroladamente, ordenando a seus guardas para prender Orestes e prometendo sacrificar tanto ele quanto sua irmã. Naquele momento, Pílades entra com um bando de gregos, reduzindo Thoas onde ele está.
A derrota resultante dos citas pelos gregos é interrompida por uma carruagem de aparência de Diana, que comanda os citas para restaurar sua imagem à Grécia ( Arrêtez! Ecoutez mes décrets éternels ). Ela também tem questões para o perdão de Orestes por assassinar sua mãe, mandando-o para o rei de Micenas e ordenando-lhe restaurar o nome de Ifigênia para o seu país. Como Diana é levada de volta para as nuvens, todos cantam um coro de encerramento da alegria de ter o favor da terra e do céu restaurados para eles ( Les dieux, longtemps en Courroux ).
Iphigénie en Tauride ( Ifigênia em Tauris ) é uma ópera de Christoph Willibald Gluck em quatro atos. Foi sua quinta ópera para o palco francês. O libreto foi escrito por Nicolas- François Guillard .
Com Iphigénie, Gluck teve sua reforma da ópera à sua conclusão lógica. Os recitativos são mais curtos e são 'récitatif accompagné' (ou seja, as cordas e, talvez, outros instrumentos estão também no enredo, e não apenas em continuo acompanhamento). Os movimentos de dança normais que se encontra na ópera francesa, na tragédie en musique são quase inteiramente ausentes. O drama é, em última análise, baseado na peça Ifigênia em Tauris como foi concebida pelos antigos gregos, o dramaturgo Eurípides que trata de histórias sobre a família de Agamemnon, no rescaldo da Guerra de Tróia.
Em 1781 Gluck produziu em alemão a versão da ópera Ifigênia em Tauris, para a visita do russo Grão-Duque Paulo em Viena, com o libreto traduzido e adaptado por Johann Baptist von Alxinger em colaboração com o compositor. Dentre as principais alterações foi a transposição do papel de Oreste de barítono para tenor e a substituição do refrão final do Ato 2, com um movimento instrumental.
Esta versão revista foi a única ópera que Gluck escreveu em seu alemão nativo, e seu último trabalho para o palco. Denominado de "um trágico Singspiel ", foi encenado em 23 de outubro de 1781 no Nationalhoftheater, aproveitando que o imperador Joseph II teve a Burgtheater rebatizada após destituir os cantores italianos e sua orquestra em 1776 e a instalação de atores alemães no teatro.
Quando os parcos resultados alcançados pelos novos programas Singspiel levou o imperador a recuar, ficando um italiano de companhia da ópera bufa, ele recrutou novamente os artistas alemães e envolveu Lorenzo da Ponte como seu poeta de teatro, encaregado de preparar uma tradução italiana da ópera de Gluck, que foi encenada no restaurado Burgtheater, em 14 de dezembro de 1783. A edição alemã foi reavivada em Berlim no Nationaltheater Königliches no Gendarmenmarkt em 24 de fevereiro de 1795, enquanto que a tradução de Da Ponte foi escolhida para o desempenho em Londres, a primeira performance no King's Theatre em 7 abril de 1796.
A versão original francesa eventualmente provou ser uma das composições mais populares de Gluck em Paris, com 400 apresentações, atingindo os anos de 1721 até 1829. Foi montada no Châtelet (1868), Renaissance (1899), e da Opéra-Comique (1900). Foi trazida para o palco para o Ópera em Paris em 27 de junho 1931, com a ajuda da Sociedade de Wagner de Amesterdan e com Pierre Monteux regendo a orquestra ".
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Em 1889, Richard Strauss fez um novo arranjo do trabalho para a editora Adolph Fürstner, que mais tarde foi encenada em Weimar no Hoftheater em 9 de junho de 1900, sob o título de Iphigenie auf Tauris. A versão de Strauss foi frequentemente realizada no início do século XX e também foi usada para a estréia da obra no Metropolitan Opera, em 1916. Foi gravada em 1961, com Montserrat Caballé no papel-título e recentemente foi ressuscitada em 2009 no Festival della Valle d'Itria em Martina Franca.
Quanto à versão italiana de Da Ponte, houve uma encenação "memorável" no Teatro alla Scala, em 1957, com Nino Sanzogno regendo a orquestra, Luchino Visconti como diretor e Maria Callas no papel-título. O desempenho de 1 de junho também foi gravado ao vivo e agora está disponível em CD.
Personagens:
Iphigénie ( Ifigênia ), sacerdotisa de Diana soprano ou mezzo-soprano
Oreste ( Orestes ), seu irmão barítono ou tenor
Pylade ( Pílades ), seu amigo tenor
Toas, rei da Cítia baixo
Diane ( Diana ) soprano
Citas, sacerdotisas de Diana, gregos
Sinopse
Ato 1
Cena: O hall de entrada do templo de Diana em Tauris.
Não há abertura; a ópera já começa com uma curta passagem evocando um ambienete calmo antes de se transformar em uma representação de uma grande tempestade no mar. Ifigênia , irmã de Orestes , é a sacerdotisa de Diana, no templo de Tauris, tendo sido transportada magicamente pela deusa, quando seu pai Agamenon tentou oferecê-la como um sacrifício. Ifigênia e suas sacerdotisas pediram aos deuses para protegê-las da tempestade ( Grands Dieux! secourables Soyez nous ).
Embora a tempestade tenha acabado, Ifigênia continua perturbada por um sonho que teve, no qual ela imaginou sua mãe Clitemnestra assassinando seu pai, e em seguida, seu irmão Orestes a matar sua mãe, e, finalmente, sua própria mão esfaquear o irmão. Ela reza a Diana para reuni-la com Orestes ( Ô toi qui jours prolongeas mes ). Toas, rei de Tauris, entra. Ele também está obcecado por pensamentos escuros ( De noirs pressentiments): os oráculos, ele diz a ela, prevê a desgraça para ele, se um estranho somente escapa com vida. (O costume do citas , que habitam Tauris, é ritualmente sacrificar qualquer náufrago em suas costas de mar).
Um coro de citas chegam trazendo notícias de dois jovens gregos, que acabam de ser encontrados como náufragos, exigindo seu sangue ( Il nous fallait du sang ). Após Ifigênia e o conjunto de sacerdotisas sairem, Thoas traz os gregos, que acabam por ser Orestes e seu amigo Pílades. Depois de pedir-lhes para que fim eles vieram (que têm vindo para recuperar a estátua de Diana e devolvê-la para a Grécia, apesar de não divulgar isso), Thoas promete-lhes a morte para o seu caminho.
Ato 2
Cena: Uma câmara interior do templo
Orestes e Pílades definham na cadeia. Orestes repreende a si mesmo por causar a morte de seu querido amigo ( Dieux qui me poursuivez ), mas Pílades garante-lhe que ele não se sente desanimado porque eles vão morrer unidos ( Unis dès la plus tendre enfance ). Um ministro do santuário chega para remover Pílades. Orestes adormece ( Le calme rentre dans mon coeur ), mas ele é atormentado pelas visões das Fúrias, que desejam vingar o assassinato de sua mãe (a quem Orestes matou por ter assassinado seu pai Agamemnon).
Ifigênia entra e, embora os dois não se reconhecem, Orestes vê uma incrível semelhança entre ela e a Clitemnestra morta visto em seu sonho. Ela questiona-o ainda mais, pedindo- lhe o destino de Agamenon e de toda a Grécia, e ele lhe diz do assassinato de Agamenon por sua esposa, e do assassinato da esposa de seu filho. Na agitação, ela pergunta sobre o destino do filho, e Orestes diz que o filho encontrou a morte, ele havia procurado por muito tempo, e que só a sua irmã Electra permanece viva. Ifigênia quer enviar Orestes como mensageiro e com suas sacerdotisas lamenta a destruição de seu país e da suposta morte de seu irmão ( Ô malheureuse Iphigénie ). Ela e as sacerdotisas realizam uma cerimônia fúnebre para Orestes ( Contemplez ces tristes apprêts ).
Ato 3
Cena: O) quarto de Ifigênia
Ifigênia é atraída para o estranho que a faz lembrar de seu irmão Orestes ( D'une imagem, hélas! trop chérie ). Ela diz a Orestes e Pílades que ela pode persuadir Thoas para salvar um deles do sacrifício ( Je pourrais du tyran tromper la barbarie ) e pergunta quem será poupado para levar notícias do seu destino a sua irmã Electra em Argos. Ambos os homens prontamente concordam, e Ifigênia escolhe Orestes para sobreviver.
Mas, em sua saída, Orestes insiste que Pílades concorde em trocar de lugar com ele, porque Orestes não pode suportar o pensamento da morte de seu amigo e vê a morte como uma fuga da sua própria loucura. Pílades, ao contrário, está feliz com a idéia de morrer, assim Orestes pode viver (Dueto: Et tu prétends encore que tu m'aimes and aria for Pylades: Ah! mon ami, j'implore ta pitié ).
Quando Iphigenia retorna, Orestes insiste que ela reverta a sua decisão, ameaçando matar-se diante de seus olhos, se ela não o fizer. Relutante, ela concorda em poupar Pílades e enviá-lo para levar sua mensagem a Electra. Todos saem, menos Pílades, e ele fecha o ato com a promessa de fazer o possível para salvar Orestes(Divinité des grandes âmes!).
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Ato 4
Cena: No interior do templo de Diana
Ifigênia pergunta-se como ela pôde realizar o assassinato de Orestes, pois de alguma forma sua alma encolheu a partir do pensamento. Ela pede que à deusa Diana para ajudá-la (Je t'implore et je tremble ). As sacerdotisas trazem Orestes, que foi preparado para o sacrifício (Refrão: Ô Diane, sois nous propice ). Ele diz a ela para não lamentá-lo, mas ela retorna dizendo-lhe que é a vontade dos deuses. As sacerdotisas cantam um hino a Diana quando eles levam Orestes para o altar (Refrão: haste fille de Latone).Enquanto ela empunha a faca, Orestes exclama o nome de Ifigênia, levando ela e as sacerdotisas a reconhecê-lo e parar o abate do ritual.
O reencontro feliz de irmã e irmão é cortado com a notícia de que Thoas está chegando, tendo ouvido dizer que um dos cativos foi libertado e com a intenção de derramar o sangue do outro. O rei entra descontroladamente, ordenando a seus guardas para prender Orestes e prometendo sacrificar tanto ele quanto sua irmã. Naquele momento, Pílades entra com um bando de gregos, reduzindo Thoas onde ele está.
A derrota resultante dos citas pelos gregos é interrompida por uma carruagem de aparência de Diana, que comanda os citas para restaurar sua imagem à Grécia ( Arrêtez! Ecoutez mes décrets éternels ). Ela também tem questões para o perdão de Orestes por assassinar sua mãe, mandando-o para o rei de Micenas e ordenando-lhe restaurar o nome de Ifigênia para o seu país. Como Diana é levada de volta para as nuvens, todos cantam um coro de encerramento da alegria de ter o favor da terra e do céu restaurados para eles ( Les dieux, longtemps en Courroux ).
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Para comparar com a de Piccini.
Iphigénie en Aulide ( Ifigênia em Aulis ) é uma ópera em três atos de Christoph Willibald Gluck , a primeira obra que escreveu para o palco de Paris. O libreto foi escrito por Leblanc du Roullet e foi baseado na tragédia Iphigénieem de Jean Racine. Ela estreou no Ópera de Paris em 19 de abril de 1774.
A obra não foi muito popular no início, embora a sua abertura tivesse sido apludida generosamente desde o início. Depois da estréia foi realizada mais três apresentações até ser interrompida em 1 de maio até 15 de junho de 1774 pelo fechamento do teatro por conta da doença e morte de Luís XV .
Iphigénie en Aulide não foi devolvida ao palco até 10 de janeiro de 1775, mas foi revivida anualmente nos anos subsequentes. Para o avivamento de 1775, Gluck introduziu a deusa Diana (soprano), no final da ópera como numa carruagem, e alterando e ampliando os 'divertissements'. Então, de um modo geral, há duas versões da ópera, mas as diferenças não são de forma tão grandes ou importantes como aquelas entre Orfeo ed Euridice e Orphée et Euridice ou entre Alceste na versão italiana e na francesa.
Em 1847, Richard Wagner apresentou uma versão revista de Iphigénie en Aulide de Gluck na corte de Dresden. Wagner editou, re-marcou e revisou a ópera significativamente incluindo a adição de um final diferente e algumas outras passagens de sua própria composição. A versão de Wagner da ópera está disponível na gravação de Eichhorn LP de 1972, e também foi reavivada em 1984 no Festival de Waterloo com Alessandra Marc como Ifigênia.
Abaixo a capa desta gravação.
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A ópera foi apresentada pela primeira vez nos Estados Unidos em 22 de fevereiro de 1935, no Academia de Música, Philadelphia . A produção totalmente encenada foi apresentada pela Orquestra de Filadélfia com o maestro Alexander Smallens. Dirigida por Herbert Graf , usou conjuntos por Norman Bel Geddes e estrelou Georges Baklanoff como Agamenon, Cyrena van Gordon como Clytemnestre, Rosa Tentoni como Iphigénie, Joseph Bentonelli como Achille e Leonard Treash como Patrocle.
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Personagens:
Agamenon , rei de Micenas baixo barítono-
Clitemnestre ( Clitemnestra ), sua esposa soprano
Iphigénie ( Ifigênia ), sua filha soprano
Achille ( Aquiles ), um grego herói haute-contre
Patrocle ( Pátroclo ) baixo
Calcas , o Sumo Sacerdote baixo
Arcas baixo
Três mulheres gregas sopranos
Uma mulher escrava Lésbicas soprano
Soldados gregos e pessoas; guerreiros Thessalian; mulheres de Argos; mulheres de Aulis, homens, mulheres e escravos de Lesbos; sacerdotisas de Diana : coro
Ballet
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Sinopse
O Sacrifício de Ifigênia por Tiepolo
Calcas, o grande vidente, profetiza que o rei Agamenon deve sacrificar sua própria filha, Ifigênia, para garantir bons ventos para a frota do rei a caminho de Tróia - uma demanda que vem da deusa Diana. Ao longo da ópera, Agamenon luta com a terrível escolha entre poupar a vida de sua filha ou garantir o bem-estar de seus súditos.
Agamenon convoca sua filha para Áulis, o porto onde a marinha grega está se reunindo, ostensivamente para ela se casar com Aquiles, o grande herói guerreiro. Então, reconsiderando sua decisão de sacrificar a sua filha, o rei tenta impedi-la de chegar com a explicação de que Aquiles lhe tem sido infiel. Ifigênia, no entanto, já atingiu o acampamento grego acompanhada por sua mãe Clitemnestra. As duas mulheres estão consternadas e irritadas pela inconstância de Aquiles, mas este acabou de entrar declarando seu amor duradouro por Iphigenie, e o primeiro ato termina com uma cena de proposta de reconciliação.
A cerimônia de casamento deverá ser celebrada com festividades que ocorrem com danças e coros. Quando o casal está prestes a avançar para o templo, no entanto, Arcas, o capitão dos guardas de Agamenon, revela que o rei está à espera de sua filha diante do altar, a fim de matá-la. Aquiles e Clitemnestra correm para salvá-la de ser sacrificada. Agamenon finalmente parece desistir de seu plano para matar sua filha.
O terceiro ato abre com um coro de gregos: eles estão opondo-se a decisão do rei, e caso eles não são cheguem a Tróia, e exigem que a cerimônia sacrificial seja celebrada. Neste ponto, Ifigênia se resigna à sua sorte, e oferece sua própria vida para o bem de seu povo, enquanto Clitemnestra roga a vingança de Júpiter sobre os gregos cruéis. Quando o sacrifício vai ser realizado, no entanto, surgem rajadas de Aquiles com seus guerreiros e a ópera termina com a revisão mais significativa de Gluck do mito original: a voz de Calcas se ergue sobre o tumulto geral e anuncia que Diana mudou de idéia sobre o sacrifício e consente no casamento. Na versão de 1775, Diana aparece pessoalmente para consagrar tanto o casamento como a viagem de Agamenon.
4-Alceste
Alceste (Gluck)
Alceste , Wq. 44, é uma ópera de Christoph Willibald Gluck de 1767. O libreto (em italiano) foi escrito por Ranieri de' Calzabigi e baseado na peça Alceste de Eurípides. A estréia ocorreu em 26 de dezembro de 1767, no Burgtheater, em Viena.
Quando Calzabigi publicou Alceste, acrescentou um prefácio assinado por Gluck, que estabeleceu os seus ideais para a reforma de ópera. A ópera exibe os recursos previstos no presente manifesto, a saber:
-não há árias da capo
-pouca ou nenhuma oportunidade para a improvisação vocal ou exibição de virtuosismo ou agilidade vocal
-não há longos melismas
-um ambiente mais predominantemente silábico do texto para fazer as palavras mais inteligíveis
-menos repetição do texto dentro de uma ária
-uma indefinição da distinção entre recitativo e ária, passagens declamatório e lírico, com um total de -menos recitativos acompanhado , em vez de recitativo secco
-mais simples e mais fluente as linhas melódicas
-uma abertura que está atrelada ao tema ou humor para a ação que se seguir
-mais destaque para o coro, dando-lhe, à imitação do teatro grego clássico, um papel importante, comentando sobre os acontecimentos que se desenrolam no palco.
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Alceste também não tem nenhum papel para a voz castrato, embora Gluck fosse voltar a usar um castrado em sua ópera seguinte, Paride ed Elena , e até mesmo reescrever o papel de tenor de Admeto para o castrato soprano Giuseppe Millico , no revival 1770 de Alceste em Viena.
A segunda reforma da óperas de Gluck (após Orfeo ed Euridice ), foi realizada pela primeira vez no Burgtheater, em Viena em 26 de dezembro de 1767. Uma versão fortemente revista com um libreto em francês de Leblanc du Roullet estreou em Paris em 23 de abril de 1776. A ópera é geralmente dada na versão revista, embora isso às vezes tenha sido traduzida em italiano. Ambas as versões estão em três atos.
Em Don Giovanni , escrito em 1787, vinte anos depois de Alceste e no ano em que Gluck morreu, Mozart usou exatamente a mesma progressão de acordes para o Commendatore falar com Don Giovanni na cena do jardim que Gluck usara para a linha do Sumo Sacerdote ao dizer que Alceste iria morrer se ninguém tomasse o seu lugar.
Hector Berlioz observa como esta seção de Don Giovanni é "fortemente inspirada ou antes plagiada". Berlioz ainda discute a autenticidade de algumas das árias. Por exemplo, quando Gluck foi para Viena, uma ária foi adicionada para ação do ato 3. Berlioz chega à conclusão de que Gluck estava sob pressão, tanto que ele deixou acontecer. Além disso, as correções de notas de Berlioz adicionadas por Gluck durante os ensaios, e mal-entendidos na pontuação, devido ao que Berlioz chama de Gluck "happy-go-lucky" estilo de escrita.
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Maria Callas atuou como Alceste, em uma produção no La Scala em 1954, que foi gravada. Foi a sua primeira colaboração em uma performance de palco com o diretor Luchino Visconti .
O Metropolitan Opera apresentou Alceste em três diferentes estações do ano, com quatro sopranos estrelando em um total de 18 apresentações. A estréia da ópera no Met foi em 24 de janeiro de 1941, e contou com Marjorie Lawrence. Houve mais quatro performances nessa temporada, duas estreladas por Lawrence e duas por Rosa Bampton.
Na temporada de 1951/52, a soprano wagneriana Kirsten Flagstad cantou Alceste em cinco apresentações, incluindo sua apresentação de despedida com a empresa em 1 de abril de 1952. Em 6 de dezembro de 1960, Eileen Farrell fez sua estréia no Metropolitan Opera como Alceste. Ela cantou o papel de um total de oito vezes na temporada. Seu desempenho final do papel, em 11 de fevereiro de 1961, marca a última vez de que a ópera foi realizada no Met (pelo meu conhecimento).
O Lyric Opera de Chicago abriu sua temporada em 1990 com uma performance de Alceste, estrelada por Jessye Norman, enquanto Catherine Naglestad apareceu em 10 apresentações de Alceste com a Ópera Estatal de Stuttgart, entre janeiro e março de 2006. Ela foi dada pela Santa Fé Opera, como parte de sua temporada de festivais de verão, em agosto de 2009 com Christine Brewer no papel-título.
O desempenho do Reino Unido teve lugar no King's Theatre, Londres , em 1795. Produções mais recentes incluem aqueles na Escócia Ledlanet (1972) e pela Scottish Opera (1974).
Personagens:
Alceste ( Alceste ), Rainha da Pherae na Tessália soprano
Admeto ( Admeto ), seu marido tenor Giuseppe Tibaldi Joseph Legros
Eumelo e Aspásia, seus filhos
Seus dois filhos (personagens silenciosas)
Evandro (Evandro), um confidente de Admeto Evandre, líder do povo Pherae tenor
Ismênia, uma confidente de Alceste
Sumo Sacerdote de Apollo Sumo Sacerdote barítono
Hércules ( Hercules ) barítono
Apolo Apollon (Apolo), protetor da casa de Admeto barítono
Divindade infernal Thanathos, uma divindade infernal baixo
Choryphaei (líderes coro) soprano, contralto barítono, baixo
Oráculo baixo
Arauto barítono
Chorus (1767): cortesãos, cidadãos, empregadas domésticas Alceste de honra, sacerdotes de Apolo, deuses do submundo
Chorus (1776): os oficiais do palácio, atendentes Alceste, os cidadãos de Pherae, divindades infernais, sacerdotes e sacerdotisas no templo de Apolo
Sinopse
A morte de Alceste por Pierre Peyron (1785)
Local: Clássica Pherae, Tessália
Ato 1
Rei Admeto está morrendo. Implora Alceste com Apollo para a sua vida. O Sumo Sacerdote anuncia que Admeto pode ser poupado se alguém tomar o seu lugar. Alceste se oferece em seu lugar.
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Ato 2
Admeto se recuperou. Ele percebe, no entanto, que Alceste se sacrificou por ele. Ele proclama que ele não pode viver sem ela, tampouco. Mas o sacrifício foi feito, e ela desce ao Hades.
Ato 3
Enquanto as pessoas choram Alceste, Hércules entende o seu sacrifício e promete traz^-la de volta do Hades. Enquanto isso, Admeto se oferece para tomar o lugar dela, mas ela se recusa. Hércules aparece e luta contra seu caminho para chegar a Alceste. Apollo, impressionado com o amor de Admeto e Alceste e do valor de Hércules, permite que todos vivam, e as pessoas se alegram.
Orfeo ed Euridice (versão francesa: Orphée et Eurydice) é uma ópera composta por Christoph Willibald Gluck baseada no mito de Orfeu, definido para um libreto feito por Ranieri de Calzabigi . Pertence ao gênero da 'teatrale azione' , ou seja, uma ópera sobre um tema mitológico com coros e dança. A peça foi apresentada pela primeira vez em Viena em 5 de outubro de 1762. Orfeo ed Euridice é o primeiro trabalho de Gluck da série"reforma"de óperas, em que ele tentou substituir a música excessivamente complexa da ópera séria com uma "nobre simplicidade" tanto na música quanto no drama. É a mais popular das obras de Gluck, e um dos mais influentes na ópera alemã subseqüente.
Embora inicialmente definida para um libreto italiano, Orfeo ed Euridice deve muito ao gênero de ópera francesa, especialmente em seu uso de acompanhado recitativo e uma ausência geral de virtuosismo vocal. Na verdade, 12 anos depois da estréia de 1762, Gluck readaptou-a para atender aos gostos de um público parisiense no Académie Royale de Musique, com um libreto de Pierre-Louis Moline. A esta reformulação foi dado o título de "Orphée et Eurydice" , e várias alterações foram feitas no elenco vocal e orquestração para atender ao gosto francês.
Ensaio sobre a Ópera (1755) de Francesco Algarotti foi de uma grande influência no desenvolvimento da ideologia reformista de Gluck. Algarotti propôs um modelo muito simplificado da ópera séria, com o drama pré-eminente, em vez de a música ou balé. O drama em si deve "encantar os olhos e ouvidos, para se despertar e afetar o coração de uma audiência, sem o risco de pecar contra a razão ou o senso comum". As idéias de Algarotti influenciaram tanto Gluck e seu libretista, Calzabigi, que este foi um proeminente defensor da reforma, e ele disse:. "Se o Sr. Gluck foi o criador da música dramática, ele não a criou a partir do nada e eu lhe forneci o material ou o caos, se quiser. Nós compartilhamos a honra da criação ".
Outras influências incluíram o compositor Niccolò Jommelli e seu maître de ballet em Stuttgart, Jean-Georges Noverre . As Cartas de Noverre "Lettres sur la danse"(1760) chamaram para o efeito dramático sobre a ostentação acrobática; Noverre foi ele próprio influenciado pelas óperas de Rameau e agindo no estilo de David Garrick. A quantidade considerável de ballet em Orfeo ed Euridice foi devido à sua influência.
Personagens:
Orfeo alto castrato (estréia em italiano), ou mezzo-soprano (mais tarde)
Amore soprano
Euridice soprano
Coro e dançarinos: pastores, pastoras, ninfas, demônios, Fúrias , espíritos felizes, heróis e heroínas
Sinopse
Ato1
Um coro de ninfas e pastores juntam-se ao redor de Orfeo no túmulo de sua esposa Eurídice em um coro solene de luto. Orfeo só é capaz de pronunciar o nome de Euridice (Coro e Orfeo: "Ah, se Intorno" / "Ah Dans ce bois!"). Orfeo envia os outros para longe e canta a sua dor na ária "il mio ben chiamo" / "Objet de mon amour", os três versos de que são precedidos por recitativos expressivos.
Esta técnica era extremamente radical na época e realmente provou excessivamente assim, para aqueles que vieram depois Gluck: Mozart escolheu para manter a unidade da ária. Amore ( Cupido ) aparece dizendo a Orfeo que ele pode ir para o submundo e voltar com sua esposa na condição de não olhar para ela até que eles estetejam de volta na Terra (1774 apenas: ária de Amour, "Si les doux acordos") . Como incentivo, Amore informa a Orfeo que seu sofrimento presente deve ser de curta duração, com a ária "Gli Sguardi trattieni" / "Soumis au silêncio". Orfeo resolve assumir a missão.
Na versão de 1774 somente ele proporciona uma ariette ("L'espoir renaît dans âme") no mais velho estilo, italiano, originalmente composto para um entretenimento ocasional, Il Parnaso confuso (1765) e, posteriormente, reutilizado em outro, Le feste d'Apollo (1769).
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Ato 2
Em uma paisagem rochosa, as Fúrias se recusam a admitir Orfeo ao submundo, e cantam para Cérbero, seu guardião canino ("Chi mai dell'Erebo" / "Quel est l'audacieux"). Quando Orfeo, acompanhado de sua lira (representado na ópera por uma harpa ), implora por piedade na ária "Deh placatevi con me" / "Laissez-vous toucher", ele é primeiro interrompido por gritos de "Não!" / "Não!" vindo das Fúrias, mas eles acabam sendo suavizados pela doçura de seu canto na árias "Mille pene" / "Ah! La flamme e" Men tiranne "/" La tendresse ". Na versão de 1774, a cena termina com a" Dança das Fúrias ".
A segunda cena abre em Elysium. O balé de 1762 tornou-se o movimento de quatro da "Dança dos Espíritos Abençoados" (com um papel de destaque para o solo flauta ) em 1774. Isto é seguido (1774 apenas) por um solo que celebra a felicidade na felicidade eterna ("Cet asile"), cantada por qualquer um Espírito sem nome ou Eurídice, e repetido pelo coro. Orfeo chega e se maravilha na pureza do ar em um arioso ("Che puro ciel" / "Quel nouveau ciel"). Mas ele não encontra consolo na beleza da paisagem, porque Euridice ainda não está com ele. Ele implora aos espíritos para trazê-la para ele, o que eles fazem no refrão (Refrão: "Torna, o bella" / "Près du tendre objet").
Ato 3
Na saída de Hades , Eurídice tem o prazer de voltar a terra, mas Orfeo, lembrando-se da condição relacionada por Amore no Ato I, larga a mão dela e se recusa a olhar para ela, não explicando nada para ela. Ela não entende sua ação e o censura, mas ele deve sofrer em silêncio (Dueto: "Vieni, appaga il tuo consorte" / "Viens, suis un époux").
Eurídice leva isto como um sinal de que ele não a ama mais, e se recusa a continuar, concluindo que a morte seria preferível. Ela canta a sua dor na suposta infidelidade de Orfeo na ária "Che fiero momento" / "Fortune ennemie" (em 1774, há um dueto breve antes da reprise). Incapaz de agüentar mais, Orfeo vira e olha para Eurídice, e novamente, ela morre. Orfeo canta a sua dor na ária famosa "Che farò senza Euridice?" / "J'ai perdu mon Eurydice" ("O que vou fazer sem Eurídice?" / "Eu perdi a minha Euridice")
Orfeo decide que vai se matar para se juntar a Eurídice no Hades, mas Amore retorna para detê-lo (1774 apenas: Trio: "Tendre Amour"). Em recompensa pelo amor contínuo de Orfeo, Amore retorna Eurídice à vida, e ela e Orfeo estão reunidos. Depois de um balé de quatro movimentos, todos cantam em louvor a Amore ("Trionfi Amore").
Na versão 1774, o refrão ("L'Amour Triunfo") precede o balé, ao qual Gluck tinha acrescentado três movimentos extras.
A ópera foi estreada em Viena no Burgtheater em 5 de outubro de 1762, para as celebrações do nome-dia do Imperador Francisco I . A produção foi supervisionada pelo administrador do teatro reformista, o conde Giacomo Durazzo. A coreografia foi de Gasparo Angiolini, e a cenografia de Giovanni Maria Quaglio, ambos membros líderes de seus campos.
O primeiro Orfeo foi o famoso castrato Gaetano Guadagni. Orfeo foi reavivado em Viena, no ano seguinte, mas depois não mais realizado até 1769. Para as apresentações que tiveram lugar em Londres, em 1770, Guadagni cantou o papel de Orfeu, mas pouco da música tinha qualquer relação ao original de Gluck, com JC Bach - "o Bach Inglês" -. fornecendo mais da nova música e Haydn realizou um desempenho da versão italiana no Eszterháza em 1776.
No início do século 19, Adolphe Nourrit tornou-se particularmente conhecido por suas performances de Orfeu na Ópera de Paris. Em 1854, Franz Liszt conduziu o trabalho em Weimar, compondo um poema sinfônico de sua própria autoria para substituir a abertura original de Gluck. Normalmente, durante o século 19 e para a maioria do século 20, o papel de Orfeu foi cantado por uma mulher contralto, e intérpretes do papel a partir deste momento incluiram Dame Clara Butt e Kathleen Ferrier, e a mezzo-sopranos Rita Gorr, Marilyn Horne, Dame Janet Baker, Susanne Marsee, e Risë Stevens (no Metropolitan Opera ). Entre os condutores, Arturo Toscanini era um defensor notável da ópera. Sua transmissão de rádio em novembro de 1952 foi finalmente lançada em ambos LP e CD .
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As reformas de Gluck, que começaram com Orfeo ed Euridice, tiveram influência significativa ao longo da história da ópera. Ideais de Gluck fortemente influenciaram as obras populares de Mozart, Wagner e Weber, e com Wagner se tem uma visão especialmente influenciada pelo traabalho de Gluck. O estilo antigo da ópera séria e a dominação de embelezamento orientando cantores passaram a ser cada vez mais impopulares. Depois do sucesso de óperas de Gluck como um todo e Orfeo , em particular, toma-se a orquestra como muito mais predominante do que no início da ópera.
Gluck fez uma série de mudanças para a orquestração de Orfeo quando adaptou-a a partir da versão original italiana para a versão francesa de 1774. Tanto na versão italiana e francesa a lira de Orfeo é representada pela harpa, e foi essa a utilização em 1774 que é geralmente considerada a introdução da harpa para orquestras francesas. Cada verso da estrófica "chiamo il mio ben cosi "é acompanhado por instrumentos de solo diferentes. Em Viena, estes eram flauta, chifres, e corns inglês, mas em 1774 Gluck foi obrigado a mudar essa orquestração ao de um único chifre e dois clarinetes, novamente substituindo instrumentos incomuns com os de uso muito mais amplo. Durante a ária "chiamo il mio ben cosi" e os recitativos intercalados, Gluck adicionou outra orquestra de palco que consiste em cadeias de caracteres e 'chalumeaux', a fim de proporcionar um efeito de eco.
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Em 1769 para uma apresentação no Parma que foi conduzido pelo compositor, Gluck transpostou o papel de Orfeu para o castrato soprano Giuseppe Millico, mantendo um libreto em italiano. Esta versão não foi realizada nos tempos modernos.
Gluck revisou a pontuação de novo para uma produção em Paris, que estreou em 2 de agosto de 1774. Esta versão, chamada Orphée et Eurydice, teve um libreto em francês de Pierre-Louis Moline, o que era uma tradução e uma expansão em cima do texto original de Calzabigi. Gluck expandiu e reescreveu partes da ópera, e mudou o papel de Orfeu de uma parte de um castrato para uma de alto tenor ou o chamado haute-contre - a voz habitual na ópera francesa de personagens heróicos - os franceses quase nunca usaram os castrati. Esta versão da obra também teve adicionais sequências de balé, conforme os gostos que prevaleciam no momento em Paris, e contou com a "Dança das Fúrias", originalmente do balé Don Juan de Gluck, e a "Dance of the Blessed Spirits"(Dança dos Espíritos Abençoados) para flauta e cordas. Em 1825 os castrati na ópera haviam praticamente desaparecidos, e as apresentações da versão original para castrato tornaram-se cada vez mais raras. A prática moderna de castrati usa-se os contratenores como substitutos.
6-Telêmaco L'isola di Circe ossia (1765 )
Telêmaco, ossia L'isola di Circe ( Telêmaco, ou Ilha de Circe ) é uma ópera dramma per musica em dois atos de Christoph Willibald Gluck. O libreto italiano foi escrito por Marco Coltellini após Carlo Sigismondo Capece. O libreto de Marco Cotellini nos dá de volta a antiguidade clássica, para contar as aventuras de Telêmaco que vai em busca de seu pai, o herói Ulisses, que é um prisioneiro, por amor, na ilha de Circe, com seus homens que foram transformados em árvores. Lá, os jovens Telêmaco, para o desespero da deusa bruxa, ajudam a liberação de seu pai e encontra Asteria, sua noiva que estava perdida .
A ópera foi escrita para o casamento do Imperador José II e Maria Josefa, princesa da Baviera, em 1765.A ocasião foi a celebração do casamento de Joseph II da Áustria Maria Josefa da Baviera, cuja festa também contribuiu para duas outras obras: Parnassus Confuso e o balé Semiramide. A ópera não foi bem sucedida, quer e não subir nas paradas até 1987, em Salzburgo.
Christoph Willibald Gluck providenciou três obras: 'a azione teatrale' Parnaso Confuso, a Semiramide ballet-mímica e a ópera Telêmaco. Apenas Parnaso Confuso foi bem recebido, os outros dois trabalhos foram recebidos com consternação mais do que qualquer outra coisa, uma vez que suas partituras não eram realmente adequadas para uma festa de casamento. Gluck tinha, no entanto, tomou o máximo de cuidado ao compor Telêmaco, era apenas as seqüências de balé de costume na época que ele não chegou a serem escritas - o que foi outro motivo de descontentamento. Telêmaco desapareceu do palco imediatamente.
A primeira apresentação foi no Burgtheater, em Viena, em 30 de janeiro de 1765.
Personagens:
Ulysses tenor
Circe soprano
Telêmaco alto castrato
Asteria soprano
Meriones soprano castrato
Escrita durante seu período italiano, enquanto o compositor ainda estava formando suas ideias para a reforma da ópera, Telêmaco ( dramma per musica em dois atos) fica entre duas óperas importantes ( Orfeo ed Eurídice e Alceste ) que - em suas revisões mais tarde iriam transformar a ópera, levando-a longe de estilizações vazias e exibições de virtuosismo vocal para uma forma mais dramática da ópera como a conhecemos hoje. A base para esta reforma já pode ser vista claramente na menos conhecida Telêmaco .
Mesmo que ainda adere em grande parte à forma ópera séria, com drama jogado fora em contínuo semi-recitativo e fluido (sem cravo), as árias tradicionais vão exprimir as emoções sentidas com alguma repetição, mas não deixa de ser uma simplicidade restrita à arranjos e um foco claro sobre o drama, sem adornos desnecessários da capo. Acima de tudo no entanto, há um sentido em Telêmaco do humanismo maravilhoso que Gluck é capaz de encontrar no drama humano, no desdobramento neste episódio particular da Odisséia de Homero e na forma como ele traz isso para fora através da música, com uma naturalidade e fluidez.
Sinopse:
Telêmaco, em busca de seu pai Ulisses que acredita em falta, aterrou na ilha de Circe da feiticeira. Lá, ele se apaixona por Asteria que foi sequestrada quando criança por Circe e não sabe quem são seus pais. A feiticeira tem uma festa para o Amor de Deus em honra do seu convidado.
No entanto, as festividades são arruinadas por um oráculo que condena todo o sofrimento que estão no tirânico no amor. Circe sente que o aviso é dirigido a ela, e ela não está errada em fazer isso desde que por amor está mantendo prisioneiro Ulisses. Cheio de espanto, ela o libera e também a seus companheiros, a quem ela tinha transformado em árvores.
Telêmaco encontra seu pai. Mas Circe já está começando a lamentar sua magnanimidade e tenta, sem sucesso, impedir Ulisse de partida por meio de magias e intrigas. Asteria foge com eles para Ithaca: ela é a filha do rei de Creta e foi escolhida como noiva de Telêmaco enquanto ainda criança.
A Circe solitária assola a ilha em seu desapontamento e voa nas costas de um dragão. Vênus e Amor transformam a ilha em um paraíso do amor.
Telêmaco é claramente classificado como uma ópera reformada. Em termos de assunto, é a capacidades mágica de Circe que inspira pela magia das óperas francesas. Gluck usou uma grande variedade de formas diferentes de ária e deu o coro um papel significativo na trama. Para a parte de Circe criou explosões emocionais de virtuosismo impressionante. Em 1987, o trabalho foi realizado em Salzburgo, pela primeira vez desde sua estréia, em forma de concerto. A versão de palco foi realizada novamente em 2003, no Festival Bach Inglês em Londres.
7-Armide
Armide é uma ópera de Christoph Willibald Gluck, sua quinta ópera para o palco parisiense e favorita do compositor entre suas obras. Foi realizada pela primeira vez em Paris, na Académie Royale em 23 de setembro de 1777.
Gluck definiu o libreto com Philippe Quinault que já tinha escrito para Lully em 1686, com base em Torquato Tasso da Gerusalemme Liberata ( Jerusalém Libertada). Gluck parecia à vontade em enfrentar as tradições francesas de frente quando compôs Armide.
Lully e Quinault foram os fundadores da ópera séria na França e Armide era geralmente reconhecida como sua obra-prima, por isso foi uma jogada ousada da parte de Gluck para escrever novas músicas com as palavras de Quinault. Uma tentativa semelhante para escrever uma nova ópera para o libreto de Thésée de Jean Joseph de Mondonville em 1765 terminou em desastre, com o público exigente pedindo para serem substituídos por originais de Lully.
Ao utilizar Armide , Gluck desafiou os ideais de longa data e, aparentemente invioláveis da prática francesa, e, no processo, revelou estes valores capazes de renovação através de "modernas" composições de sensibilidades. Gluck atingiu um nervo na sensibilidade francesa, e Armide não era uma de suas obras mais populares, manteve-se num marco fundamental na tradição francesa de ópera e foi calorosamente elogiada por Berlioz em suas Memória .
Gluck também definiu uma forma menor para redefinir as ópoeras Lully / Quinault: o rival de Gluck, Piccinni ,seguiu seu exemplo, com Roland em 1778 e Átis, em 1780, no mesmo ano, Philidor produziu uma nova Persée e Gossec ofereceu sua versão do Thésée em 1782. O próprio Gluck disse ter trabalhado em uma ópera baseada em Roland, mas ele abandonou-a quando ouviu que Piccinni havia assumido o mesmo libreto.
O primeiro reavivamento moderno de Armide foi apresentado na Ópera da Bastilha, em 1905, com Lucienne Bréval no papel-título.
Personagens:
Princesa de Damasco soprano
Renaldo, um Cruzado tenor
Phénice, Amiga e confidente de Armida soprano
Sidonie, outra confidente de Armide soprano
Hidraot, um mágico,
Rei de Damasco barítono
O Ódio contralto
O cavaleiro dinamarquês, um Cruzado tenor
Ubalde, um Cruzado barítono
Um demônio na forma de Lucinde,
namorada do cavaleiro dinamarquês soprano
Um demônio na forma de Melisse,
namorada de Ubalde soprano
Aronte, prisioneiro de Armide baritono
Artémidore, um Cruzado tenor
Uma náiade soprano ou mezzo-soprano
Uma pastorinha soprano
Um Prazer soprano
Espíritos, demônios, soldados, cidadãos de Damasco, ninfas, pastores
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Sinopse
Para a história, ver Armide de Lully. O libretto foi mantido inalterado por Gluck, embora ele tenha cortado o prólogo com suas alegorias e acrescentou algumas linhas de sua própria concepção até o fim do terceito ato. Do mesmo modo, a distribuição dos papéis e das vozes são os mesmos da ópera de Lully.
Armide é uma feiticeira sedutora que usou sua beleza para controlar seus inimigos. É a princesa de Damasco no tempo da Primeira Cruzada. Depois de sua derrota, as tropas dos cruzados são os invasores, e Renaud, o cruzado mais valente, sozinho, liberta os seus irmãos cristãos das prisões de Armide.
Armide há muito tempo usou sua beleza para controlar seus inimigos do sexo masculino. Para ludibriar Renaud resistente, ela recorre à feitiçaria, colocando-o sob um feitiço. No entanto, em face de adoração que mantém por Renaud, Armide sucumbe emocionalmente. No final, quando Renaud recupera seus sentidos e retorna ao dever, Armide, perturbada e furiosa traz a destruição ao seu próprio palácio e jura vingança.
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A música de Gluck tem uma naturalidade incrível. A orquestra-recitativo acompanha o fundo lírico arioso e abre-se em árias e conjuntos que nunca vêm transversalmente como peças de conjunto. Gluck é um psicólogo perspicaz, incrementando o subtexto emocional de cada linha.
Uma cena engenhosamente sutil vem no terceiro ato, quando a ferida Armide canta para Renaud, e em seguida, fala sobre as coisas com seus confidentes, Fenícia e Sidonie. Cantando com saudade num momento de determinação, transmite os seus conflitos doloridos. Esta cena parece notavelmente contemporânea: apenas três mulheres falando sobre as agonias de amor.
8- Il trionfo di Clelia
Il Trionfo di Clelia
Hélène Le Corre, Clelia (soprano)
Mary-Ellen Nesi, Orazio (mezzo-soprano)
Irini Karaianni, Tarquinio (mezzo-soprano)
Burcu Uyar, Larissa (soprano)
Vassilis Kavayas, Porsenna (tenor)
Florin Cezar Ouatu, Mannio (contra-tenor)
Armonia Atenea / Giuseppe Sigismondi de Risio
Dabringhaus & Grimm MDG6091733-2 3CDs 195min
Christoph Gluck Williband (1714-1787) viveu em uma época em que a música estava passando por uma importante transição, a do barroco para o período clássico. Ele era essencialmente um compositor de ópera que revolucionou o gênero, e cuja influência foi tão longínqua quanto os tempos de Verdi e Wagner.
Esta é uma jóia de uma ópera que foi descoberta, por mero acaso, por um maestro e agora podemos nos deleitarmos com as belezas de um trabalho que existia, mas cuja pontuação estava escondida em alguma gaveta remota. Gluck compôs esta "ópera séria' em 1763 para o novo Teatro de Bologna, e depois de sua estréia, a obra foi recebida com entusiasmo, tanto que foi realizada dentro de um mês com mais de 30 mil ingressos vendidos. Depois, "Clelia" caiu no esquecimento..
O libreto é de Metastasio e está definido na Roma antiga, contendo todos os ingredientes que fizeram um sucesso. Amor, traição, pretendentes infelizes, rapto, cenas de batalha violentas, intervenções divinas e uma conclusão conciliatória para celebrar as virtudes e a bravura de uma Clelia muito simpática, tendo contribuido para uma história muito dinâmica e cheia de oportunidades para o compositor e cantores.
9-Paride ed Elena
Paride ed Elena ( Páris e Helena ) é uma ópera de Christoph Willibald Gluck, e é a terceira das óperas de Gluck chamadas de reforma para Viena, seguindo Alceste (Alceste) e Orfeo ed Euridice (Orfeu e Eurídice), e a menos frequentemente realizada das três. As árias da ópera que desfrutam de uma existência independente incluem a declaração de amor de Paris, ó del mio dolce ardor (O do meu amor suave), no primeiro ato. Como seus trabalhos antecessores, o seu libreto foi escrito por Ranieri de' Calzabigi . A ópera conta a história dos acontecimentos entre o Juízo de Paris e o voo de Paris e Helena para Troia. A ópera estreou no Burgtheater, em Viena, em 3 de novembro de 1770.
O heroi Paris de Esparta, tendo escolhido Afrodite acima de Hera e Atena, sacrificando a Afrodite, procura, com o incentivo de Erasto, o amor de Helena. Páris e Helena se encontram em seu palácio real e cada um é atingido pela beleza do outro. Ela chama-o para julgar uma competição atlética e quando perguntado se ele faz isso em louvor de sua beleza, admite que o objetivo de sua visita é ganhar o seu amor. Ela rejeita-o. Em desespero, Paris apela e então ela começa a ceder. Eventualmente, através da intervenção de Erasto, que agora se revela como Cupido, ela ganha caminho, mas Palas Atena (Athena) agora adverte-os de tristeza que está por vir. Na cena final, Paris e Helena se preparam para embarcar para a Troia.
Mas, apesar do talento do renomado soprano castrato Giuseppe Millico como Paris, e um estilo conservador contrastando com os personagens da cidade-estado de Esparta militante, angular, e animada, com Frígia elegante, suave e lírica (trojans), os críticos reagiram negativamente a este "gosto desigual e um pouco estranho" de ópera.
A abertura excelente, com modulações cromáticas interessantes e construída em citações de cenas posteriores, introduz a idéia de contrastes explícitos com a sua Allegro marcial, melodias líricas, e uma transformação de dança alegre da marcha inicial.
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Personagens:
Paride ( Paris ), filho do rei Príamo de Tróia soprano castrato
Elena ( Helen ), rainha de Esparta soprano
Cupido , sob o nome de Erasto, confidente de Helena soprano
Palas Atena , a deusa soprano
Um cavalo de Tróia soprano
Sinopse
No Ato I, Paris e marinheiros de Tróia estão acampados na margem do lado de fora de Esparta. Os troianos cantam um hino a Vênus para ajudar a Paris a ver Helena. Zeus escolheu Paris para julgar quem é o mais bonito entre Juno, Minerva e Vênus, mas Helena se diz ser a mais linda. Confidente de Helena, Cupido (Amore) disfarçado como Erasto diz que vai ajudar a Paris. Um balé de cinco movimento com estilos divergentes conclui o ato.
Ato II retrata o encontro de Helena e Paris. Eles ficam imediatamente apaixonados um pelo outro: ele declara que sua figura é tão bela como a de Vênus. Em "Le belle immagini," Paris, agora sozinho, lança seus desesperos porque pode ter perdido Helena.
Ato III abre no grande pátio da casa real. Breve, a música marcial traz espartanos, troianos, guardas e atletas. Helena pede a Paris para julgar os jogos atléticos com ela. Os competidores oferecem música, em declarativa em uníssono e oitavas e uma dança energética em ritmos pontilhadas soa no ar. Helena pergunta a Paris por algo mais lírico e, ao acompanhamento da harpa, ele canta "Quegli occhi belli", louvando a beleza de Helena. Em tons menores, Helena expressa vergonha e desgosto, declarando que ela é movida somente por lealdade e virtude, e as ordens de Paris estão à distância. Ele acredita que os deuses devem tê-lo traído e, agora, deve morrer. Mascarando o humor de dor, o ato termina com uma marcha triunfante, comemorando de perto os jogos.
No Ato IV, Helena, escrevendo para Paris, é retratada como dividida entre o amor e o dever no muito comovente "Lo Potro! Ma frattando, oh infelice." Ela declara que está noiva de outro, mas Paris diz que prefere morrer do que deixá-la.
No Ato V, o casal se reencontra através de uma artimanha feita por Cupido, mas a deusa Palas Atena está enfurecida e prevê os horrores da guerra que vem entre as duas cidades-estados. No entanto, Paris e Helena selam, seu amor ("L'amo! L'adoro!") e Cupido jura protegê-los. Como os troianos, o casal parte para Troia, e a ópera termina com várias danças e uma peça esplêndida de coral entrelaçada com duas árias de Cupido e um dueto de Paris e Helena.
Il Trionfo di Clelia
Hélène Le Corre, Clelia (soprano)
Mary-Ellen Nesi, Orazio (mezzo-soprano)
Irini Karaianni, Tarquinio (mezzo-soprano)
Burcu Uyar, Larissa (soprano)
Vassilis Kavayas, Porsenna (tenor)
Florin Cezar Ouatu, Mannio (contra-tenor)
Armonia Atenea / Giuseppe Sigismondi de Risio
Dabringhaus & Grimm MDG6091733-2 3CDs 195min
Christoph Gluck Williband (1714-1787) viveu em uma época em que a música estava passando por uma importante transição, a do barroco para o período clássico. Ele era essencialmente um compositor de ópera que revolucionou o gênero, e cuja influência foi tão longínqua quanto os tempos de Verdi e Wagner.
Esta é uma jóia de uma ópera que foi descoberta, por mero acaso, por um maestro e agora podemos nos deleitarmos com as belezas de um trabalho que existia, mas cuja pontuação estava escondida em alguma gaveta remota. Gluck compôs esta "ópera séria' em 1763 para o novo Teatro de Bologna, e depois de sua estréia, a obra foi recebida com entusiasmo, tanto que foi realizada dentro de um mês com mais de 30 mil ingressos vendidos. Depois, "Clelia" caiu no esquecimento..
O libreto é de Metastasio e está definido na Roma antiga, contendo todos os ingredientes que fizeram um sucesso. Amor, traição, pretendentes infelizes, rapto, cenas de batalha violentas, intervenções divinas e uma conclusão conciliatória para celebrar as virtudes e a bravura de uma Clelia muito simpática, tendo contribuido para uma história muito dinâmica e cheia de oportunidades para o compositor e cantores.
9-Paride ed Elena
Paride ed Elena ( Páris e Helena ) é uma ópera de Christoph Willibald Gluck, e é a terceira das óperas de Gluck chamadas de reforma para Viena, seguindo Alceste (Alceste) e Orfeo ed Euridice (Orfeu e Eurídice), e a menos frequentemente realizada das três. As árias da ópera que desfrutam de uma existência independente incluem a declaração de amor de Paris, ó del mio dolce ardor (O do meu amor suave), no primeiro ato. Como seus trabalhos antecessores, o seu libreto foi escrito por Ranieri de' Calzabigi . A ópera conta a história dos acontecimentos entre o Juízo de Paris e o voo de Paris e Helena para Troia. A ópera estreou no Burgtheater, em Viena, em 3 de novembro de 1770.
O heroi Paris de Esparta, tendo escolhido Afrodite acima de Hera e Atena, sacrificando a Afrodite, procura, com o incentivo de Erasto, o amor de Helena. Páris e Helena se encontram em seu palácio real e cada um é atingido pela beleza do outro. Ela chama-o para julgar uma competição atlética e quando perguntado se ele faz isso em louvor de sua beleza, admite que o objetivo de sua visita é ganhar o seu amor. Ela rejeita-o. Em desespero, Paris apela e então ela começa a ceder. Eventualmente, através da intervenção de Erasto, que agora se revela como Cupido, ela ganha caminho, mas Palas Atena (Athena) agora adverte-os de tristeza que está por vir. Na cena final, Paris e Helena se preparam para embarcar para a Troia.
Mas, apesar do talento do renomado soprano castrato Giuseppe Millico como Paris, e um estilo conservador contrastando com os personagens da cidade-estado de Esparta militante, angular, e animada, com Frígia elegante, suave e lírica (trojans), os críticos reagiram negativamente a este "gosto desigual e um pouco estranho" de ópera.
A abertura excelente, com modulações cromáticas interessantes e construída em citações de cenas posteriores, introduz a idéia de contrastes explícitos com a sua Allegro marcial, melodias líricas, e uma transformação de dança alegre da marcha inicial.
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Personagens:
Paride ( Paris ), filho do rei Príamo de Tróia soprano castrato
Elena ( Helen ), rainha de Esparta soprano
Cupido , sob o nome de Erasto, confidente de Helena soprano
Palas Atena , a deusa soprano
Um cavalo de Tróia soprano
Sinopse
No Ato I, Paris e marinheiros de Tróia estão acampados na margem do lado de fora de Esparta. Os troianos cantam um hino a Vênus para ajudar a Paris a ver Helena. Zeus escolheu Paris para julgar quem é o mais bonito entre Juno, Minerva e Vênus, mas Helena se diz ser a mais linda. Confidente de Helena, Cupido (Amore) disfarçado como Erasto diz que vai ajudar a Paris. Um balé de cinco movimento com estilos divergentes conclui o ato.
Ato II retrata o encontro de Helena e Paris. Eles ficam imediatamente apaixonados um pelo outro: ele declara que sua figura é tão bela como a de Vênus. Em "Le belle immagini," Paris, agora sozinho, lança seus desesperos porque pode ter perdido Helena.
Ato III abre no grande pátio da casa real. Breve, a música marcial traz espartanos, troianos, guardas e atletas. Helena pede a Paris para julgar os jogos atléticos com ela. Os competidores oferecem música, em declarativa em uníssono e oitavas e uma dança energética em ritmos pontilhadas soa no ar. Helena pergunta a Paris por algo mais lírico e, ao acompanhamento da harpa, ele canta "Quegli occhi belli", louvando a beleza de Helena. Em tons menores, Helena expressa vergonha e desgosto, declarando que ela é movida somente por lealdade e virtude, e as ordens de Paris estão à distância. Ele acredita que os deuses devem tê-lo traído e, agora, deve morrer. Mascarando o humor de dor, o ato termina com uma marcha triunfante, comemorando de perto os jogos.
No Ato IV, Helena, escrevendo para Paris, é retratada como dividida entre o amor e o dever no muito comovente "Lo Potro! Ma frattando, oh infelice." Ela declara que está noiva de outro, mas Paris diz que prefere morrer do que deixá-la.
No Ato V, o casal se reencontra através de uma artimanha feita por Cupido, mas a deusa Palas Atena está enfurecida e prevê os horrores da guerra que vem entre as duas cidades-estados. No entanto, Paris e Helena selam, seu amor ("L'amo! L'adoro!") e Cupido jura protegê-los. Como os troianos, o casal parte para Troia, e a ópera termina com várias danças e uma peça esplêndida de coral entrelaçada com duas árias de Cupido e um dueto de Paris e Helena.
As principais óperas de Gluck foram colocadas aqui neste post. Espero ter feito justiça a este granade compositor.
Até a próxima!
Levic
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